La decisione è stata presa a seguito delle condizioni di salute dell’artista, colpito da una polmonite interstiziale acuta.

La notizia è stata resa nota nelle ultime ore, suscitando grande preoccupazione tra i fan che attendevano il ritorno dal vivo del cantautore romano. I concerti previsti per il 2025 e il 2026 saranno quindi riprogrammati nel 2027, consentendo a Baglioni di affrontare il necessario percorso di cure e recupero.

Secondo quanto comunicato, le condizioni dell’artista richiedono un periodo di riposo e di monitoraggio medico incompatibile con gli impegni di una tournée di grandi dimensioni. La scelta di rinviare l’intero progetto è stata presa in via precauzionale, con l’obiettivo di garantire il pieno recupero del cantante prima del ritorno sulle scene.

Il “GrandTour La vita è adesso” rappresenta uno degli appuntamenti più attesi della musica italiana, ispirato all’album che nel 1985 segnò una tappa fondamentale nella carriera di Baglioni e nella storia della discografia nazionale.

Il tour avrebbe dovuto attraversare alcune delle location più suggestive del Paese, partendo dalla cornice unica di Piazza San Marco.

Nelle prossime settimane gli organizzatori forniranno ulteriori dettagli sulle nuove date e sulle modalità di validità o eventuale rimborso dei biglietti già acquistati.

Intanto, dal mondo della musica e dai numerosi fan sono arrivati messaggi di affetto e sostegno all’artista, con l’augurio di una pronta guarigione e di un ritorno sul palco nel più breve tempo possibile.

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Riceviamo dagli organizzatori di “Liuteria e ARTE” e pubblichiamo.

Il prossimo 4 Giugno, presso la Galleria Aleandri Arte Moderna di Roma, a pochi passi da Piazza Venezia, si terrà un evento dedicato all’incontro tra liuteria artigianale e musica dal vivo. A partire dalle ore 17:00 saranno esposti strumenti realizzati da sei giovani liutai, con una selezione che comprenderà violini, chitarre classiche, liuti e strumenti barocchi e rinascimentali. L’iniziativa nasce con l’intento di valorizzare il lavoro delle nuove generazioni di artigiani, creando uno spazio di dialogo tra costruzione dello strumento, ricerca sonora e performance musicale. Alle ore 19:30 avrà inizio il concerto finale, articolato in tre momenti musicali: violino solo, chitarra classica sola e un’esecuzione conclusiva in duo di violino e chitarra classica. L’evento si svolgerà negli spazi della Galleria Aleandri Arte Moderna, in via d’Aracoeli 7, nel centro storico di Roma.

Per informazioni e contatti:  Instagram: @amsoundworks

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Continua il percorso di spettacoli dal vivo della 43ª stagione concertistica della prestigiosa Associazione Domenico Scarlatti con un programma che si articola da maggio a ottobre 2026. La rassegna, da oltre quattro decenni punto di riferimento per la vita musicale colta napoletana, propone una serie di concerti di qualità ricca e variegata, spaziando con equilibrio tra epoche e stili musicali diversi: dalla musica classica alla sperimentazione, sempre con un occhio di riguardo per l’innovazione drammaturgica e la qualità interpretativa.
Sotto la direzione artistica del Maestro Enzo Amato, la stagione è un’occasione imperdibile per gli amanti della musica colta, offrendo – inclusi numerosi appassionati provenienti da fuori regione – un percorso coinvolgente e di alto profilo artistico-musicale. Un viaggio affascinante che l’associazione porta avanti da anni, con il sostegno costante di artisti, istituzioni e pubblico.
Dopo lo Stabat Mater di Pergolesi, il trionfo di Rachmaninov & Čechov: Preludi di un’anima e il Guitar Day con il Margherita Guitar Ensemble – che ha visto protagonista Ivano Paglius – l’Associazione Domenico Scarlatti prosegue la sua Stagione Concertistica con quattro nuovi appuntamenti.
Tutti i concerti si terranno nella suggestiva Chiesa dell’Ecce Homo al Cerriglio (Via del Cerriglio 12, Napoli).
I concerti:
Sabato 30 maggio 2026, ore 19:30
Arie e duetti tra Napoli e Vienna
Arianna Pecoraro, soprano; Piersilvio De Santis, baritono; Giuseppe Leone, pianoforte.
Un viaggio affascinante tra l’opera napoletana e quella viennese con pagine di Domenico Cimarosa, Wolfgang Amadeus Mozart, Gioachino Rossini, Gaetano Donizetti e Vincenzo Bellini. Un programma che esalta il belcanto e il virtuosismo vocale.
Giovedì 11 giugno 2026, ore 19:30 Concerto evento: “Suoni dal Passato, Note del Futuro” Progetto vincitore del bando SIAE “Per Chi Crea”
Serata dedicata alla musica contemporanea napoletana e alla valorizzazione dei giovani compositori. L’evento prevede: La presentazione delle pubblicazioni edite da Diarmonia nell’ambito del progetto “Note dal Passato, Suoni del Futuro”. L’esecuzione dal vivo delle opere di tre promettenti compositori napoletani: Walter Aveta, Donato Attanasio e Matteo Marangio. Un appuntamento speciale che unisce ricerca sul patrimonio musicale del passato (in particolare la Scuola Napoletana del Settecento) e creazione contemporanea, offrendo al pubblico l’opportunità di scoprire nuove voci della scena musicale napoletana.
Sabato 20 giugno 2026, ore 19:30
Fra Spettri e Dumky
Trio Virgilio Mago:
Emiliana Cannavale, violino; Alfonso D’Aniello, violoncello; Domenico Spampanato, pianoforte. Musiche di Ludwig van Beethoven e Antonín Dvořák.
Un programma intenso che alterna il dramma romantico alle atmosfere popolari slave, con particolare attenzione al celebre Trio “Dumky” op. 90 di Dvořák.
Sabato 27 giugno 2026, ore 19:30
Duelli e Trionfi alle Corti d’Europa
L’Ombra del Parnaso:
Eleonora Amato, violino barocco; Marco Rozza, clavicembalo.
Musiche di Domenico Scarlatti, Nicola Matteis e George Frideric Händel. Un omaggio al repertorio barocco europeo in un “duello” ideale tra violino e clavicembalo, in linea con la missione dell’Associazione intitolata al grande compositore napoletano.
Informazioni e biglietti
https://www.domenicoscarlatti.it/
https://www.azzurroservice.net/stagioni-teatrali/associazione-domenico-scarlatti/
infoline 081 5437430
Informazioni: info@domenicoscarlatti.it
https://www.facebook.com/AssociazioneDomenicoScarlatti

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In radio e sugli store digitali da venerdì 22 maggio, Claudia è il nuovo singolo, interpretato con Andrea Sannino che anticipa il prossimo album di inediti di Tommaso Primo.

Ascolta qui:

https://bfan.link/claudia-2&nbsp

“Claudia” è una ballata mediterranea intensa e cinematografica che sancisce definitivamente il legame umano e artistico tra Tommaso Primo e Andrea Sannino.

Un’amicizia nata più di 10 anni fa, due anime che vengono dallo stesso spazio di cielo. Anni fa Tommaso scrisse per Andrea il brano “Ddoje parole cu me”. Da quel momento i due artisti si promisero di raccontare, un giorno, una storia insieme. Oggi quella promessa prende forma in “Claudia”.

Claudia è il riflesso emotivo di un’intera generazione. È una ragazza che vive la sua giovinezza con spregiudicatezza, ironia e leggerezza apparente, ma che dentro custodisce malinconie profonde, fragilità silenziose e sentimenti che spesso non riesce a confessare.

Si consola con le canzoni prima di addormentarsi. “Claudia” racconta proprio questo: il potere unico della musica commuovere, compatire e cullare le fragilità umane.

La capacità di una canzone di entrare nelle fragilità, illuminarle e renderle meno spaventose.” Contestualmente all’uscita del nuovo singolo, Tommaso Primo ha annunciato le prime date del suo nuovo tour estivo:

(date in aggiornamento)

14 giugno – Pomigliano d’Arco (Na) – Cooking Around

25 giugno – Cosenza – Palazzo Arnone/Galleria Nazionale

27 giugno – Cellole (Ce) – Fattoria Nata Terra

04 luglio – Baia (Na) – Mytilus Fest

19 luglio – Pontecagnano (Sa) – WoodFest

07 agosto – Rocca d’Aspide (Sa) – Festival dell’Aspide

06 settembre – Cicciano (Na) – TBA

13 settembre – Aversa (Ce) – Piazza Municipio

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Per BelvedereNews abbiamo intervistato Luca Pugliese. Uno degli irpini di successo che tra arte, musica, spettacoli e collaborazioni con artisti internazionali ha dipinto la sua vita come un vero capolavoro.

Parlaci un po’ di Luca Pugliese.

“Non mi ritengo una star e soprattutto non ho mai inseguito e non inseguo il successo, mi definisco un pianeta, un pianeta ove c’è vita e la vita è tutto; luce, buio, caldo, freddo, gioia e tristezza, ma è un luogo che avanza nello spazio e con il tempo”.

Come nasce il tuo rapporto con la musica?

“Ritorniamo sempre al concetto di prima, su un pianeta ove c’è vita non può non esserci la musica, il suonato, gli strumenti musicali”.

Quale è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con le performance musicali?

“Il mio intento è quello di comunicare il colore delle emozioni, trasportare il fruitore fino a renderlo spettatore della musica. Pur esprimendomi con la forma canzone, il mio fine è quello di fare musica, e la musica è un’arte, la più vicina all’altro e all’altrove, l’arte di Dio”.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue esibizioni artistiche?

“Amo esibirmi in location già di per sé “belle” con lo scopo di accentuarne la bellezza con la mia performance, ma amo anche illuminare luoghi bui e angusti, grigi e scuri, non a caso mi esibisco spesso nelle carceri italiane con un mio progetto pro detenuti “un’ora d’aria colorata” con più di cinquanta concerti tenuti dal 2012 ad oggi in numerosi istituti di tutta Italia”.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?

“Andare avanti, nuove esperienze, e soprattutto nuove ricerche per scrivere nuovi appunti di viaggio”.

Quale è il tuo legame con l’Irpinia?

“Quattro sono gli elementi acqua, terra, aria e fuoco, sono tutti qui, li sento, li ascolto e li coltivo ogni giorno. Questo è il mio legame con l’Irpinia”.

Una canzone particolarmente significativa per te?

Luca Pugliese – Corri corri (official video)

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Per BelvedereNews abbiamo intervistato Yuri Avantaggiato. 

Parlaci un po’ di Yuri Avantaggiato.

Yuri Avantaggiato è un artista e autore, fisarmonicista, che ha fatto della musica la sua principale forma di espressione. Il suo percorso nasce da una forte sensibilità culturale e da una ricerca costante che lo porta a trasformare emozioni, immagini e vissuti personali in linguaggio musicale. Al centro del suo lavoro c’è la fisarmonica, strumento che Yuri rilegge in chiave contemporanea attraverso l’utilizzo di componenti elettroniche e soluzioni sonore moderne, con l’obiettivo di ampliarne le possibilità espressive e avvicinarla alle nuove generazioni. La sua ricerca artistica si muove tra tradizione e innovazione, con una visione chiara: rinnovare lo strumento senza snaturarlo, rendendolo attuale, vivo e capace di dialogare con i linguaggi musicali di oggi. Ne nasce una musica che punta all’emozione e alla connessione diretta con chi ascolta, costruita su identità, sperimentazione e continua evoluzione.

Come nasce il tuo rapporto con la musica?

Il mio rapporto con la musica nasce in modo naturale, quasi istintivo. È qualcosa che mi accompagna da sempre e che nel tempo è diventato prima curiosità, poi studio e infine una vera necessità espressiva. La fisarmonica ha avuto un ruolo centrale in questo percorso: è lo strumento attraverso cui ho iniziato a costruire la mia identità musicale e a dare forma alle mie emozioni. Col passare degli anni, però, il mio approccio si è evoluto, aprendosi alla sperimentazione e all’utilizzo dell’elettronica, con l’obiettivo di ampliare le possibilità sonore dello strumento. Oggi la musica per me non è solo esecuzione o tecnica, ma un linguaggio attraverso cui racconto ciò che sono e ciò che mi circonda, cercando sempre un punto di incontro tra tradizione e contemporaneità.

Quale è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con le performance musicali?

Il messaggio che cerco di comunicare con le mie performance è quello di un dialogo tra tradizione e contemporaneità. Attraverso la musica provo a dimostrare che anche strumenti considerati legati al passato possono vivere una nuova vita, attuale e vicina alle sensibilità di oggi. La mia fisarmonica, arricchita dall’uso dell’elettronica, diventa un mezzo per abbattere distanze e pregiudizi sonori, trasformandosi in qualcosa di nuovo ma sempre riconoscibile nella sua identità. Sul piano emotivo, il mio obiettivo è creare un contatto diretto con chi ascolta: non solo intrattenere, ma coinvolgere, sorprendere e lasciare un’emozione che resti anche dopo la performance. In fondo, ogni esibizione è un modo per condividere un pezzo del mio mondo e metterlo in relazione con quello degli altri.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue esibizioni artistiche?

La scelta delle location per le mie esibizioni è sempre guidata dall’atmosfera e dalla capacità del luogo di dialogare con la musica. Mi piacciono gli spazi con una forte identità visiva e sonora, perché diventano parte integrante della performance e ne amplificano il significato. Allo stesso tempo, il mio approccio si basa anche sull’innovazione scenica: utilizzo nuove tecniche di esibizione che integrano elementi visivi come LED wall e sistemi di proiezione avanzata, fino a soluzioni di tipo olografico che rappresentano una delle frontiere più moderne in questo campo. L’obiettivo è creare uno show immersivo, dove musica e immagine non sono separate, ma si fondono in un’unica esperienza. Che si tratti di contesti più intimi o grandi palchi, ciò che conta è trasformare ogni esibizione in un ambiente immersivo, capace di coinvolgere il pubblico su più livelli e rendere l’esperienza memorabile.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?

I miei progetti per il futuro sono fortemente orientati all’evoluzione del linguaggio che sto costruendo attorno alla fisarmonica. L’obiettivo è continuare a sviluppare un percorso in cui lo strumento possa espandere sempre di più le sue possibilità espressive, grazie all’integrazione tra suono acustico ed elettronica, fino a forme di performance sempre più immersive e contemporanee. Sto lavorando per portare questo progetto su palchi e contesti sempre più ampi, anche internazionali, dove la fusione tra musica e innovazione scenica possa trovare piena espressione attraverso LED wall, visual dinamici e tecnologie olografiche, che rappresentano una parte importante della mia visione futura. Più che un singolo traguardo, vedo il futuro come un’evoluzione continua: un percorso in cui la tradizione non viene mai abbandonata, ma rinnovata costantemente per parlare alle nuove generazioni e creare un linguaggio musicale sempre più universale.

Quale è il tuo legame con l’Irpinia?

Il mio legame con l’Irpinia è un legame di profondo rispetto e di forte suggestione artistica. È un territorio che sento ricco di identità, di storia e di una musicalità naturale che si percepisce nei suoi paesaggi, nelle tradizioni e nelle persone. Ogni volta che entro in contatto con questa realtà, ritrovo una dimensione autentica, fatta di radici e di senso di appartenenza, che per un artista rappresenta una fonte importante di ispirazione. L’Irpinia, con la sua energia discreta ma intensa, ha quella capacità di entrare in profondità e lasciare immagini ed emozioni che poi ritornano anche nella mia musica. Per questo la considero non solo un luogo geografico, ma uno spazio simbolico che dialoga bene con la mia ricerca artistica, soprattutto nel rapporto tra tradizione e innovazione che porto avanti con la fisarmonica e con il mio linguaggio musicale.

Due brani più significativi per te?

Tra i brani che meglio rappresentano il mio percorso artistico segnalo Pizzica Bianca, disponibile su YouTube al link https://youtu.be/9SFZLA512p0. Si tratta di un lavoro che esprime bene la mia visione musicale, in cui la fisarmonica viene reinterpretata in chiave contemporanea attraverso l’integrazione con elementi elettronici e una ricerca sonora che punta a rinnovare il linguaggio dello strumento. Partendo da un’ispirazione legata alla tradizione ritmica della pizzica, il brano si trasforma in una forma espressiva moderna, dove radici e innovazione dialogano costantemente. Accanto a questo, un altro progetto significativo è La Mortadella, disponibile su https://youtu.be/O5P2mtBkY7E. In questo brano ho voluto sperimentare una dimensione più ironica e leggera, senza rinunciare alla complessità musicale, inserendo al suo interno anche un assolo di fisarmonica particolarmente virtuoso. È un lavoro progressivo che unisce gioco, tecnica e ricerca sonora, mostrando un altro lato della mia identità artistica. Entrambi i brani rappresentano due sfaccettature del mio percorso: da un lato la rilettura della tradizione in chiave moderna, dall’altro la sperimentazione e la libertà espressiva della composizione.

Grazie Yuri.

Grazie a Voi.

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E’ disponibile da venerdì 22 maggio 2026 dalle ore 14, sul Canale YouTube Monica Sarnelli Official il videoclip di Staje comme a me, primo singolo estratto da Duemilaventisei, il nuovo disco di inediti di Monica Sarnelli prodotto da Zeus Records. Il testo e la musica del brano sono di Felice Iovino, arrangiamenti e direzione a cura di Nino Danisi, alla batteria c’è Mariano Barba, al basso Gaetano Diodato, alle chitarre elettriche Maurizio Fiordiliso, tastiere e programmazione computer sempre di Nino Danisi. Registrato e mixato alla Zeus Record da Espedito e Ciro Barrucci.

Felice Iovino racconta come è nata questa canzone: “Scrivo canzoni, lo faccio per me. Non mi aspetto niente, anche perché non è più il mio mestiere. Lo è stato in un’altra vita, in un’altra dimensione. Per Monica Sarnelli avevo già scritto, ad inizio 2022, il brano “Un Nuovo Sud” (poi realizzato con la partecipazione straordinaria di Maurizio de Giovanni) ed in un caldissimo mattino dell’agosto 2025 le inviai, via whatsapp, “Staje comme a me”. Avevo appena finito di registrarla con la mia voce rauca da fumatore, appena sveglio. Da ragazzo ho cantato ovunque, anche sul palco di Sanremo, con la mia band. Poi però sono arrivati gli anni, le sigarette e una certa tendenza della mia voce a sembrare un vecchio bluesman parcheggiato fuori ad un bar di periferia. A Monica però il pezzo piacque subito. Dopo qualche ora già lo cantava in macchina. Dopo un po’ di vicissitudini, la canzone oggi apre il suo nuovo album “Duemilaventisei”, uscito proprio in questi giorni. Qualche giorno fa ho partecipato alla “presentazione-conferenza stampa”. Il giorno prima abbiamo girato – al volo, al centro storico di Napoli – un video di presentazione e io mi sono divertito a immaginare di girare con una macchina da presa degli anni ’50, quelle con un pò di opacità sulle lenti, atmosfera vintage, praticamente metà videoclip e metà documentario ritrovato in una cantina. Girato in un’ora e mezza. L’effetto è molto intimo”.

Monica Sarnelli ha detto di Felice Iovino: “Non so quante persone ci siano, in giro, con le qualità di Felice Iovino: videomaker, musicista, fotografo, autore, compositore, attivissimo collaboratore della Rai di Napoli (sua la ideazione e realizzazione dello storico programma – condiviso per anni con la meravigliosa Cecilia Donadio – Music & the City”), genitore (di svariati figli, tutti in gamba come il papà) ed amico piacevolissimo con il quale potersi confrontare a proposito di sentimenti, politica, calcio e… tanto altro. Posso dire che con “Un Nuovo Sud” (canzone scritta per me nel 2022) ho conosciuto la sua “anima” più “sociale”. Con “Staje comme a me” (2026) mi ha donato il cuore e la sua grande sensibilità ed interiorità. Grazie Felice”.

Duemilaventisei, disponibile sulle piattaforme digitali di streaming ed in tutti gli store da sabato, 9 maggio, contiene 10 tracce scritte da vari autori: 9 canzoni inedite – scritte ad hoc per Monica Sarnelli – ed una già edita, recuperata dall’enorme catalogo Zeus, scritta (testo e musica) da Gigi Finizio.

Tra gli autori ci sono “firme storiche” come Vincenzo D’Agostino e Bruno Lanza; i “già noti”: Marco Fasano, Pippo Seno, Antonio Brugnano, Gaetano Arienzo (in arte: Nino Danisi); I “nuovi”: Felice Iovino, Giuseppe Russo (in arte: Moonacie’), Francesco De Rosa, Vincenzo Colursi (in arte: Luk), Antonio Carbone, Francesca Andreano (in arte: Fuliggine, figlia di Monica Sarnelli).

Le canzoni – realizzate a Napoli negli studi della Zeus Record – sono state tutte dirette ed arrangiate da Nino Danisi (che nell’album suona anche le tastiere) con il supporto di musicisti di prestigio: Mariano Barba (batteria), Gaetano Diodato (basso), Claudio Romano (chitarre acustiche, classiche e mandolini), Maurizio Fiordiliso (chitarre elettriche), Sasà Piedepalumbo (fisarmonica), Enzo Anastasio (sax contralto), Enrico Rispoli (cori), Margherita Marinelli (cori). Registrazioni, missaggio e mastering a cura di Espedito e Ciro Barrucci.

TITOLI DELLE CANZONI

1. staje comme a me

(Felice Iovino)

2. turmiento

(A. Carbone – G. Seno – M. Fasano)

3. notte ma che notte

(Luigi Finizio)

4. tu m’he lassato

(A. Brugnano – F. Andreano)

5. si me vuo’ bene overo

(Vincenzo Colursi)

6. tengo a te

(Giuseppe Russo)

7. comme te ’o faccio sape’

(V. D’Agostino – G. Arienzo)

8. e allora canto

(B. Lanza – G. Arienzo)

9. uocchie verdi

(Francesco De Rosa)

10. che te ne ’mporta ’e me

(V. D’Agostino – G. Arienzo)

Produzione e distribuzione: Zeus Record srl

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Disponibile dal 22 maggio su tutte le piattaforme musicali, “Le cose che sai” è il singolo del nuovo brano di Valentina Parisse, cantautrice romana dalla voce magnetica, capace di trasformare emozioni intime in immagini, suoni e storie in cui riflettersi. È un viaggio che invita ad andare oltre la superficie. “Le cose che sai” scava dentro, resta addosso e chiede di ascoltarsi davvero.

“Ti ho portato i fiori ma non era maggio è la tua paura contro il mio coraggio è la tua natura di non fare il salto ma non sei stanco”.

Dopo “Asteroide”, tra i brani più rappresentativi della sua recente fase artistica, Valentina Parisse torna con un singolo che raccoglie i riflessi di una tensione emotiva evidente e la porta in una direzione ancora più diretta, graffiante e consapevole. Il nuovo progetto consolida e cresce verso una direzione artistica ancora più precisa: un pop-rock emotivo, attuale e personale, capace di trasformare le fragilità intime in qualcosa di collettivo e condivisibile. La canzone affronta quei pensieri nascosti, quelle cose che sappiamo e fingiamo di non sapere per paura di fare quel ‘salto’. Ad accompagnare il singolo, da venerdì 22 maggio alle ore 14.00 su YouTube, anche il videoclip ufficiale, firmato da Shake Plastik Dreamer per la regia e la direzione artistica. Un racconto visivo essenziale e fluido, costruito per mettere al centro la forza interpretativa di Valentina Parisse e far immergere chi guarda dentro l’intensità del brano. La voce di Valentina Parisse attraversa la canzone e le immagini con un’intensità profondamente emotiva, passando dalla tensione più ruvida e diretta a momenti di delicata sospensione, senza mai perdere verità e presenza interpretativa. La scrittura alterna immagini immediate e taglienti, come “ti ho portato i fiori ma non era maggio”, a esplosioni emotive dirette, come “ma dimmi come fai a non sentire niente?”. La produzione è un crescendo con un impatto sonoro potente e autentico: batterie dinamiche, chitarre graffianti per un totale sonoro, capace di unire energia pop-rock, tensione emotiva e identità riconoscibile. “Le cose che sai” è un brano scritto Valentina Parisse con Lara Ingrosso e Davide Napoleone. La produzione è invece affidata a Luca Chiaravalli e Paolo Caruccio, due personalità diverse e complementari della scena musicale italiana che danno al brano un’impronta distintiva. Chiaravalli, autore, produttore, arrangiatore e direttore d’orchestra tra i nomi più riconosciuti del pop nazionale, ha attraversato più volte il palco di Sanremo e firmato successi per alcuni dei grandi artisti italiani, come Laura Pausini, Eros Ramazzotti, Giorgia, Francesco Renga, Loredana Bertè, Nek, Francesco Gabbani, Il Volo, Emma Marrone, Noemi, Alessandra Amoroso, Giusy Ferreri, Club Dogo, Giuliano Palma ed altri ancora. Paolo Caruccio porta invece una sensibilità indie-pop: autore, producer e polistrumentista. Insieme costruiscono intorno alla voce di Valentina Parisse un paesaggio sonoro intenso, moderno e riconoscibile. “Le cose che sai” si completa anche attraverso un progetto visivo curato in ogni dettaglio. La direzione artistica dell’immagine, tra foto, video e artwork, è affidata a SHAKE per Plastik Dreamer, già al fianco di grandi nomi della musica internazionale come Damiano David, Tiziano Ferro, David Guetta, Bob Sinclar e Coolio, Xfactor, Elodie ed altri ancora. “Le cose che sai” è una canzone che cerca volutamente le scorciatoie emotive: non fa giri e va dritta a centrare il plesso emozionale dell’ascoltatore chiedendo di ascoltarsi.

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La musica non è solo arte, è relazione, ascolto dell’altro, convivenza delle differenze. Da questa visione nasce “Il Piccolo Cuore del Mondo”, un brano che richiama la responsabilità condivisa verso la terra e l’umanità. Ogni cuore, anche il più distante o fragile, appartiene a un’unica armonia vivente, e la musica può diventare uno strumento silenzioso di cura, ascolto e pace.“Il Piccolo Cuore del Mondo è il risultato di due amici che da tempo intrecciano le loro esperienze musicali e le fanno vivere in occasioni speciali”, così Mario Castelnuovo definisce la collaborazione con Fabio Pianigiani. Il brano nasce da un orizzonte condiviso, corporeo, pedagogico, relazionale e spirituale, che concepisce la musica come un autentico cammino di pace. In un tempo che spesso divide e frammenta, questo canto ci ricorda che la pace non nasce aspettando passivamente che le cose cambino, ma attraverso l’impegno concreto nel ricucire ciò che è separato, nonostante le difficoltà del presente. La musica diventa così un abbraccio fatto di presenza e ascolto, capace di accordare le differenze senza annullarle. Per Mario Castelnuovo e Fabio Pianigiani, “Il Piccolo Cuore del Mondo” vuole dare voce a una responsabilità collettiva verso la vita: la consapevolezza che soltanto insieme si possa costruire armonia, relazione e pace.

“Il Piccolo Cuore del Mondo“ è prodotto da Ideasuoni Edizioni Musicali.

Mario Castelnuovo nasce a Roma il 25 gennaio 1955, da padre lombardo e madre toscana. Si avvicina alla musica durante gli anni universitari presso la Facoltà di Lettere, iniziando quasi per gioco a frequentare il Folkstudio, luogo simbolo della scuola cantautorale italiana, dove prende forma la sua vocazione artistica.

Il debutto discografico avviene all’inizio degli anni Ottanta con il singolo “Oceania”, preludio alla partecipazione al Festival di Sanremo del 1982, dove presenta “Sette fili di canapa”, brano dal forte impianto evocativo che dà anche il titolo al suo primo album, prodotto da Amedeo Minghi . Nello stesso periodo partecipa al progetto “Qconcert” insieme a Goran Kuzminac e Marco Ferradini. Torna a Sanremo nel 1984 con “Nina”, intenso racconto d’amore ambientato durante la guerra, classificandosi al sesto posto. L’anno successivo pubblica “È Piazza del Campo”, lavoro acustico registrato in presa diretta, caratterizzato dall’assenza della batteria e da una forte impronta intimista.

Nel 1987 esce “Venere”, anticipato dal brano sanremese “Madonna di Venere”, seguito nel 1988 da “Sul nido del cuculo”, album che segna l’inizio di un interesse anche oltre i confini nazionali. In quegli anni si distingue inoltre come autore e produttore, collaborando con una giovane Paola Turci e firmando brani come “L’uomo di ieri” e “Primo tango”.

Gli anni Novanta rappresentano una fase di trasformazione artistica. Dopo aver concluso il rapporto con la RCA con “Come sarà mio figlio” (1991), approda alla Fonit Cetra e pubblica “Castelnuovo” (1993), uno dei suoi lavori più intensi e sperimentali. A questo segue “Signorine adorate” (1996), distribuito dall’etichetta tedesca Jungle Records. Nel 2000 torna sulle scene con “Buongiorno”, prodotto da Lilli Greco, mentre nel 2003 realizza “Blu etrusco” in collaborazione con Fabio Pianigiani. Parallelamente compone musiche strumentali per la trasmissione televisiva “Alle falde del Kilimangiaro”. Nel 2005 pubblica il suo decimo album, dal titolo evocativo “Com’erano venute buone le ciliegie nella primavera del ’42”, impreziosito da un cameo di Lina Wertmüller. L’anno successivo esce la biografia ufficiale “Mario Castelnuovo, tante storie e qualcuna va a Roma”.

A partire dal 2009, Mario Castelnuovo amplia il proprio percorso artistico dedicandosi anche alla scrittura. Pubblica il romanzo “Il badante di Che Guevara”, cui segue nel 2018 “La mappa del buio”. Nel frattempo prosegue l’attività musicale con l’album “Musica per un incendio” (2014), accompagnato dal tour teatrale “Lezioni di incendio”, concepito come recital in stile teatro-canzone. Tra i progetti più recenti si segnalano il singolo “Io mi ricordo L’Aquila” (2018) e “Guardalalunanina” (2019), opera articolata che comprende un libro e due CD, contenenti anche omaggi a Rino Gaetano e a Goran Kuzminac. Nel 2024 è tornato con il singolo “Quant’è bella la vita”.

Nel corso della sua carriera, Mario Castelnuovo si è distinto anche come autore per altri interpreti, firmando brani per la Formula 3, per Riccardo Fogli e per artisti come Alessandro Haber, Rick Wakeman e Tony Cicco, confermando una versatilità espressiva che attraversa generi e linguaggi diversi.

https://www.facebook.com/castelnuovomario

Fabio Pianigiani è musicista, compositore, arrangiatore e musicoterapeuta. Laureato in Musicologia all’Università di Siena, si perfeziona tra Italia e Stati Uniti studiando alla Manhattan School of Music e al Mannes College of Music di New York con musicisti come John Scofield e Ryo Kawasaki.

Dagli anni Ottanta collabora con artisti di primo piano della musica italiana, tra cui Gianna Nannini, per la quale compone e arrangia brani di grande successo come Bello e impossibile, I maschi e Profumo, ottenendo Dischi di Platino e il Golden Award al World Popular Song Festival di Tokyo. Lavora inoltre con Donatella Rettore, Riccardo Fogli, Alice e Franco Battiato. Significativa anche la collaborazione con Mario Castelnuovo, per il quale realizza arrangiamenti e produzioni artistiche di tre album negli anni Novanta e con cui firma opere legate alla tradizione senese, tra cui Rosso Fulmine e Dieci anni, dedicate alla Contrada della Torre.

Parallelamente sviluppa una ricerca sul rapporto tra suono, meditazione e benessere, diventando socio fondatore del Centro Studi Bhaktivedanta. Ha insegnato Teorie e Tecniche della Produzione Musicale all’Università di Siena e Musicoterapia in master universitari e corsi specialistici. È autore del libro “L’Arte dell’Ascolto” e oggi svolge attività di docente e musicoterapeuta integrando musica, ascolto e discipline olistiche.

https://www.facebook.com/fabio.naradamuni

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A Foggia, sul palco del prestigioso Teatro Umberto Giordanocsi è svolta la quarta giornata della 18ª edizione del Concorso Nazionale Musicale “Umberto Giordano”, interamente dedicata alla sezione Drums.

Ventitré giovani batteristi provenienti da diverse regioni italiane si sono sfidati suddivisi in quattro categorie, determinate in base all’età.

Nella Categoria C (14–18 anni) tra i protagonisti non poteva mancare Christian Ferraro, già noto per il suo talento e per le sue recenti esibizioni di rilievo. Da menzionare , ultima , in ordine di tempo, la sua apertura della kermesse del 1° Maggio nella sua città natale, Maddaloni, in provincia di Caserta.

Christian, che ha la musica nel sangue, ha cominciato a suonare dall’età di 4 anni. Dalle pentole e i coperchi della cucina di casa agli strumenti musicali il passo è stato rapidissimo. Il suo amore per la musica lo ha portato ad approfondire lo studio di diversi strumenti musicali, il pianoforte, l’organo e naturalmente la batteria. Orecchio e ritmo esperti gli hanno consentito di portare sul palco una performance solida, matura e tecnicamente curata, che gli è valsa il secondo posto in una categoria particolarmente competitiva.

Un risultato che conferma la sua crescita artistica e la sua capacità di distinguersi in contesti nazionali di alto livello.

A valutare i concorrenti una giuria d’eccezione composta da Claudio Santangelo, Alessandro Napolitano e soprattutto Thomas Lang, batterista di fama internazionale. Lang, noto per collaborazioni con artisti del calibro di Tina Turner, Peter Gabriel, Robbie Williams e George Michael, ha portato al concorso un livello di autorevolezza e competenza riconosciuto in tutto il mondo.

Il piazzamento di Christian rappresenta un traguardo significativo e un incoraggiamento a proseguire con determinazione nel suo percorso musicale, confermando ancora una volta il valore dei giovani talenti del territorio.

A Christian , che ha incontrato anche il suo idolo Tullio De Piscopo di recente, auguriamo di continuare, a ritmo di musica, a calcare palchi sempre più prestigiosi e rinomati.

L'articolo Christian Ferraro sul podio del prestigioso Concorso Nazionale Musicale “Umberto Giordano” proviene da BelvedereNews.