Riceviamo da Annarita De Feo dall’Associazione Irpini della Capitale e pubblichiamo.

Gli Irpini della Capitale, con una delegazione guidata dal Presidente Vincenzo Castaldo, hanno partecipato allo Sturno Sport Festival intervenendo al talk moderato da Antonio Frascione, dedicato al valore dello sport come strumento educativo, sociale e di promozione del territorio. Nel corso dell’incontro è stato sottoscritto un Protocollo d’Intesa con Agapè Sport per promuovere lo Sturno Sport Festival nella Capitale e lavorare alla realizzazione, nel 2027, di un appuntamento a Roma capace di raccontare, attraverso lo sport, Sturno e l’Irpinia. La collaborazione nasce dal rapporto costruito con Vincenzo Famiglietti, Presidente di Agapè Sport e socio degli Irpini della Capitale. Al talk è intervenuto anche il Sindaco di Sturno, Vito Di Leo, che ha portato il saluto della sua comunità e ricordato il valore degli Irpini della Capitale nel tenere unita la comunità irpina a Roma, promuovere il territorio e mantenere vivo il legame con le proprie radici.
«Roma e l’Irpinia non sono due comunità separate, ma rami della stessa pianta, alimentati dalle stesse radici. Per questo, come previsto dal nostro Statuto, tutti i Sindaci irpini sono soci onorari degli Irpini della Capitale. Vogliamo mantenere stretto il rapporto tra chi vive in Irpinia e chi vive a Roma. Ma questo legame deve anche generare valore nella nostra terra. Lo Sturno Sport Festival ne è un esempio concreto: Enzo Famiglietti e tutto lo staff, attraverso lo sport, coinvolgono giovani e comunità e promuovono il territorio con grande entusiasmo e con ottimi risultati. Con questo Protocollo mettiamo la nostra rete a disposizione di questa esperienza e iniziamo a lavorare verso Roma 2027», dichiara Vincenzo Castaldo, Presidente degli Irpini della Capitale. Un impegno che conferma la missione degli Irpini della Capitale: fare comunità a Roma, promuovere l’Irpinia nella Capitale e trasformare relazioni e competenze in opportunità concrete anche per il territorio d’origine.

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I kuTso sono un gruppo musicale Indie Rock italiano formatosi nel 2006. La band è nota per il suo stile energetico, ironico e scanzonato, che unisce sonorità rock alternative a testi satirici e brillanti. Li abbiamo seguiti dal vivo sul palco del Roma Summer Fest presso l’Auditorium Parco della Musica di Roma.

Parlaci un po’ dei Kutso? 

La band compie 20 anni di attività in questo 2026. La nostra musica è un rock insolente con venature funk e punk e testi gioiosamente disperati, legati alla tradizione sarcastica di Giorgio Gaber.  Su Wikipedia trovate la nostra biografia dettagliata, che riassumo brevemente: abbiamo all’attivo 3 album e 2 ep, nel 2015 ci siamo posizionati secondi al Festival di Sanremo tra le nuove proposte e il nostro singolo “elisa” è entrato nella top 20 dei singoli piu trasmessi in radio in quell’anno. Abbiamo calcato i palchi più importanti d’Italia come quelli del Concertone del Primo Maggio, dello Stadio Olimpico di Roma con Fabrizio Moro, del Palasport dí Torino e del Primavera Sound di Barcellona in Spagna. Abbiamo collaborato con grandi artisti tra cui Caparezza, Alex Britti, il già citato Fabrizio Moro e molti altri. Abbiamo avuto negli anni anche una buona esposizione televisiva in programmi Rai e Mediaset.

Come nasce il vostro rapporto con la musica?

Questa è una band alla “Foo Fighters”, nel senso che c’è un fulcro attorno al quale ruota l’intero progetto e sono io, Matteo Gabbianelli, il cantante che scrive tutte le musiche e i testi. I brani sono quasi sempre autobiografici e sono un modo per “spurgare” tutta la mia negatività. Le frustrazioni, i pensieri disfattisti, la miseria che è dentro e fuori di me, io le metto su carta, ma essendo una persona reattiva e propositiva, contrasto questa tendenza mortifera con una musica al contrario solare e muscolare piena di ritmo e melodie maggiori, in una sorta di reazione eroica al male di vivere. Poi ovviamente, già a partire dal nome della band kuTso (che si legge cazzo), abbiamo una componente irriverente, polemica e dissidente, quindi ho la naturale tendenza a scombinare le carte facendo e dicendo cose, che spesso possono apparire buffe o esilaranti, ma non è la demenzialità il nostro obbiettivo, bensì una lucida follia che ci permette di fare qualsiasi cosa sul palco e nei nostri album.

Quale è il messaggio che generalmente comunicate con le performance musicali?

Come si dice a Roma “la vita è un mozzico” e se proprio vogliamo piangerci addosso, allora facciamolo senza perdere tempo, trasformando la tristezza in Arte, la stasi in movimento, la morte in rinascita.

Che tipo di location scegliete generalmente per realizzare le vostre esibizioni artistiche?
I palchi più sono grossi ed attrezzati, piu ci piacciono; avere davanti a noi una folla urlante è l’obbiettivo di ogni nostro concerto. Comunque in 20 anni di attivitá ovviamente abbiamo suonato ovunque ci fosse una presa per la corrente.

Progetti per il futuro?  Quali evoluzioni desiderate per la vostre operazioni artistiche?
Abbiamo il nostro quarto album già pronto. In questi mesi stiamo definendo tutto il planning organizzativo con i nostri referenti discografici. Di più non posso dire, però sarà sicuramente un album del kuTso!

Grazie Ragazzi!

Grazie a Voi!

Guarda il videoclip “Che effetto fa” dei kuTso. E’ un brano pop-rock elettronico del 2018 incentrato su un disincantato esame di coscienza generazionale. Il testo, scritto dal frontman Matteo Gabbianelli, affronta con amara ironia il tema del passaggio all’età adulta e della perdita degli ideali giovanili.Musicalmente, la traccia segna una decisa svolta stilistica per la band romana. Le chitarre aggressive del passato lasciano spazio a synth, arpeggiatori e ritmi elettronici. Resta centrale il tipico marchio di fabbrica dei kuTso, ovvero l’accostamento di un testo malinconico e fatalista a una melodia gioiosa, orecchiabile e dal ritmo incalzante. 

www.kutso.com
www.kutsonoisehome.com

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Nello scenario mediatico contemporaneo, il confine tra la didattica accademica e il puro intrattenimento è crollato. Il pubblico non cerca più la narrazione lineare fine a se stessa: chiede storie capaci di graffiare, incuriosire e arricchire. È il trionfo dell’edutainment, la potente tecnica comunicativa nata dalla fusione tra education (educazione) ed entertainment (divertimento). L’obiettivo è stimolare l’interesse e la curiosità attraverso il gioco, l’impatto visivo e le emozioni, senza annoiare mai.Per decodificare questa trasformazione, dobbiamo guardare a un fenomeno televisivo cult che ha analizzato con ironia le nevrosi della nostra società: la serie Younger.

Il fenomeno Younger: lo scontro generazionale a New YorkIdeata dal geniale regista Darren Star (mente dietro successi come Sex and the City), Younger è una commedia brillante andata in onda dal 2015 al 2021 per 7 stagioni, oggi grande successo di pubblico su Netflix.
La trama ruota attorno a Liza Miller (interpretata da Sutton Foster), una quarantenne divorziata che, per rientrare nel mercato del lavoro dopo anni dedicati alla famiglia, decide di fingersi una ventiseienne. Con questa nuova identità anagrafica, viene assunta come assistente presso la storica casa editrice di New York Empirical Press (factory only fiction) affiancata dall’ambiziosa millennial Kelsey Peters (Hilary Duff), dalla glaciale Diana Trout (Miriam Shor) e dall’amica di sempre Maggie (Debi Mazar), finendo per innamorarsi del giovane tatuatore Josh ( dí origini italiane è l’attore Nico Tortorella).
Una delle grandi curiosità della serie è il suo impatto cross-mediale: il libro fittizio Marriage Vacation, scritto da uno dei personaggi della serie, è diventato così popolare da essere stato realmente pubblicato e stampato nel mondo reale.

Il focus sul mondo editoriale: il mito del “nativo digitale”Younger si trasforma in un’aula sociologica a cielo aperto sul mondo dell’editoria moderna. La casa editrice diventa il ring su cui si consuma lo scontro tra la cultura tradizionale e l’evoluzione dei nuovi media. Da un lato ci sono i vecchi editori, ancorati alle tirature cartacee e alle recensioni sui grandi quotidiani; dall’altro i Millennials e la Generazione Z, che impongono l’immediatezza dei social media, la cultura dei meme, degli hashtag e degli influencer per decretare il successo di un’opera.
La bugia di Liza mette a nudo un paradosso educativo: per sopravvivere nell’editoria odierna non contano le competenze letterarie o una solida laurea pregressa, ma la conoscenza enciclopedica di Instagram e TikTok (qui sembra che il primogenito di successo Facebook si dedichi solo ad argomenti un po’ più seri). Per mantenere il segreto, la protagonista è costretta a una costante auto-educazione pop.

Dalle radici del mito alla sociologia moderna: il legame con “Trionfi & Cavalli”.
Questo bisogno di unire l’educazione all’intrattenimento e al simbolo per decodificare la realtà affonda le radici nella nostra storia più ancestrale. È lo stesso filo conduttore che ho esplorato nel mio recente saggio “Trionfi & Cavalli. Dalle radici del mito alla corsa verso la libertà” (Cacucci Editore). Nel testo racconto i rituali psicomagici del Mezzogiorno rurale, come l’antico rito contadino della vermenara(dal latino verminia, muoversi come un verme): un atto simbolico e performativo codificato per recidere i traumi del passato e trasformarli, attraverso l’empatia animale e il racconto, in cura e libertà emotiva.
Cosa erano quei miti e quei piccoli rituali comunitari se non le primordiali forme di edutainment della nostra civiltà?
Le comunità del passato usavano il gioco, il racconto teatrale e l’emozione per trasmettere regole di sopravvivenza, etica e legame con la terra. Oggi, lo scenario è mutato, ma la necessità antropologica rimane la stessa. Che si tratti delle pagine di un libro nella New York di Younger o dell’analisi sociale del nostro territorio, dobbiamo recuperare quella stessa capacità narrativa.

L’evoluzione visiva: la fotografia sta al disegno digitale come l’educazione sta all’intrattenimento. 

Il legame tra l’edutainment e le arti visive si riflette anche nei moderni linguaggi tecnologici. La stessa immagine promozionale del cast di Younger può trasformarsi, attraverso la tecnologia, in un pezzo d’arte grafica. Nel giornalismo moderno e nella comunicazione dei media, l’uso di illustrazioni grafiche, poster artistici o fan art — rintracciabili su piattaforme come Etsy o nei database di IMP Awards — serve proprio a creare un ponte emotivo con l’osservatore.
Oggi, per convertire un’immagine fotografica in uno schizzo a matita, in un acquerello o in un disegno digitale a fumetti, non servono più ore di lavoro manuale. L’edutainment passa anche attraverso l’uso consapevole di: App di fotoritocco: Strumenti come Prisma, Clip2Comic o Photoshop Camera capaci di applicare filtri artistici istantanei basati sui contorni e sulle ombre.
Intelligenza Artificiale Generativa: Piattaforme in grado di elaborare prompt testuali complessi (come “vivid line art drawing” o “watercolor illustration”) per ricreare lo stile grafico desiderato.

I media moderni hanno un immenso bisogno di metodo, ma soprattutto di una nuova narrazione visiva. Quando l’educazione sposa il divertimento, ogni contenuto diventa un atto culturale e ogni immagine una pagina di storia da sfogliare insieme, in una continua e appassionante corsa verso la consapevolezza e la libertà espressiva.

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Laura Samani (Trieste, 9 ottobre 1989) è una regista e sceneggiatrice italiana, considerata una delle voci più originali, talentuose e promettenti della sua generazione nel panorama del cinema d’autore contemporaneo. Salita alla ribalta internazionale grazie a un cinema fortemente legato alle identità territoriali e al realismo magico, ha collezionato prestigiosi riconoscimenti tra Cannes, Venezia e i David di Donatello. Dopo essersi laureata in Cinema e Scienze della Comunicazione presso l’Università di Pisa (con una tesi sulla serie tv Twin Peaks), si sposta a Roma. Qui frequenta il prestigioso Centro Sperimentale di Cinematografia, diplomandosi in regia nel 2015.

Parlaci un pò di Laura Samani?
Sono nata a Trieste nel 1989 e il primo film che ho amato è Fantaghirò.

Come nasce il tuo rapporto con il cinema?
Ho fatto teatro al liceo e in seguito ho scelto cinema all’Università. Era una delle tante strade possibili, poi è diventata la strada principale.

Quale è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con le produzioni audiovisive?

Un messaggio di liberazione.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue produzioni audiovisive?

In Friuli Venezia Giulia, la mia regione. Solitamente sono luoghi che ho sempre frequentato o che ho esplorato personalmente mentre pensavo alla storia.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?
Continuare a raccontare storie che mi piacciano e mi facciano scoprire di più su me e sul mondo insieme alla comunità con cui lavoro.

Qual’ è il tuo legame con il tuo territorio?

Un legame fortissimo, immagino lì tutte le storie.

Grazie Laura!

Grazie a Voi!

Il suo interessante lavoro audiovisivo, “La santa che dorme”, è stato un tassello importante del programma di proiezioni, legato al tema della donna, organizzato presso l’Area Archeologica di Santa Croce in Gerusalemme, dal titolo “Effetto Notte”. Questa rassegna cinematografica è stata organizzata dal Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale, con il contributo della Direzione generale Cinema e audiovisivo del Ministero della Cultura, in collaborazione con la Soprintendenza Speciale Archeologia, Belle Arti e Paesaggio di Roma, la Direzione Musei Statali della Città di Roma e il Museo Nazionale degli Strumenti Musicali. Il cortometraggio “La santa che dorme” è un prodotto audiovisivo del 2016 diretto da Laura Samani, della durata di 19 minuti, che ha ottenuto un prestigioso riconoscimento internazionale venendo selezionato al Cinéfondation del Festival di Cannes. Si racconta che in un piccolo paese di montagna fervono i preparativi per la processione annuale in onore di Santa Achillea. La dodicenne Giacomina (Mina) viene scelta come custode della statua della santa. Quello che dovrebbe essere il giorno più bello si trasforma in un mistero: la sua migliore amica, Silene, non volendo crescere, esprime un desiderio alla santa e cade in uno stato di morte apparente, pur mantenendo il corpo caldo. Mentre l’intero villaggio grida al miracolo e decide di portare in processione la ragazza al posto della statua, Giacomina è l’unica a porsi delle domande e a cercare di capire se l’amica sia davvero perduta.

Temi principali.

Il cortometraggio anticipa lo stile e le tematiche (il realismo magico, la religiosità arcaica e il legame profondo con il territorio) che la regista friulana ha poi espanso nel suo acclamato lungometraggio d’esordio, Piccolo corpo (2021). L’opera esplora il delicato e traumatico passaggio dall’infanzia all’età adulta, il confine sottile tra fede, superstizione e suggestione collettiva in contesti rurali, la forza dell’amicizia femminile di fronte all’incomprensione degli adulti.

Guarda il trailer al seguente link.

Scheda Tecnica e Cast.

• Regia: Laura Samani;

• Sceneggiatura: Laura Samani, Marco Borromei, Elisa Dondi;

• Interpreti principali: Denise Vallar (Giacomina) e Sara Sclausero (Silene);

• Produzione: Centro Sperimentale di Cinematografia (CSC);

• Musiche: Irene Brigitte;

• Montaggio: Chiara Dainese;

L'articolo “La santa che dorme” di Laura Samani nella rassegna cinematografica “Effetto Notte” del CSC. proviene da BelvedereNews.

Pasquale Gallicchio è un noto, giornalista professionista, scrittore e attivista politico italiano, nato a Bisaccia, nell’Alta Irpinia (Avellino). Nel corso degli anni, ha unito un forte impegno civile per la tutela della sua terra d’origine a un’intensa attività letteraria incentrata sul racconto dei borghi e dell’identità locale.

Parlaci un po’ di Pasquale Gallicchio.

Sono un giornalista professionista e scrittore, profondamente legato alla mia terra, l’Alta Irpinia. Da sempre mi impegno concretamente a raccontarla, difenderla e valorizzarla, convinto che la scrittura sia uno degli strumenti più efficaci per custodirne l’identità, promuoverne le eccellenze e contribuire alla sua crescita cultura e civile. Inoltre, cerco di trovare il tempo per dedicarmi a un’altra grande passione, che si intreccia con la scrittura, la politica.
Come nasce il tuo rapporto con la scrittura?

Il mio rapporto con la scrittura è nato dopo quello, altrettanto profondo, con la lettura. Ho sempre amato i libri, anche grazie agli insegnanti che hanno saputo trasmettermi il piacere di leggere e la curiosità di scoprire storie e mondi diversi. Inoltre, sono stato avvantaggiato dalla mia professione. Il giornalista ha uno sguardo privilegiato sulla realtà. Prima ancora di scrivere, però, ho imparato ad ascoltare. Le mie prime storie sono state quelle raccontate dai miei nonni e dai vicini di casa, quando vivevo nel centro storico di Bisaccia. Erano memorie, frammenti di vita, tradizioni e ricordi che mi hanno insegnato il valore della narrazione e della memoria condivisa. A trasformare quell’ascolto in scrittura è stato un evento che ha segnato profondamente la mia vita: la morte di mio padre. In quegli anni il dolore è diventato un percorso da attraversare e la scrittura il modo per dargli una forma e un significato. Ho intrecciato i ricordi raccolti nel tempo, con il desiderio di mettermi alla prova come autore. Da quell’incontro tra memoria personale, racconti collettivi e bisogno di raccontare è nato il mio primo romanzo, Terra.

Qual è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con le tue opere letterarie?

Affronto temi delicati e profondamente significativi con uno stile misurato, che privilegia la forza del racconto alla provocazione. Molte delle storie che narro prendono ispirazione dalla realtà, trasformando fatti ed esperienze in occasioni di riflessione. Al centro dei miei romanzi ci sono spesso le donne: figure complesse, autentiche e capaci di raccontare, attraverso le loro vicende, le sfumature dell’animo umano e della società. Un altro elemento imprescindibile della mia scrittura è il richiamo alla memoria storica, che considero uno strumento essenziale per comprendere il presente e costruire il futuro. Negli ultimi anni il mio percorso si è arricchito attraverso il monologo e il reading, forme espressive che mi permettono di instaurare un dialogo diretto con il pubblico.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue presentazioni?

Scelgo quasi sempre luoghi che custodiscono l’anima e la storia di un paese: una piazza, un vicolo, un edificio storico, un museo, una biblioteca o una libreria. Sono spazi che parlano, evocano ricordi e creano un dialogo naturale con le storie che racconto. Le location eccessivamente formali, invece, non mi appartengono. Sono convinto che la presentazione di un libro non sia soltanto un incontro con i lettori, ma un’esperienza da vivere. Per questo ritengo che anche il luogo abbia un ruolo fondamentale. L’atmosfera giusta può ampliare il valore delle parole, rendere il racconto più autentico e trasformare ogni incontro in un momento di condivisione e memoria.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?

Sto già lavorando a nuovi progetti, molto diversi tra loro, ma uniti da un filo conduttore: il desiderio di raccontare storie che lascino una traccia e invitino alla riflessione. In autunno è prevista l’uscita di un nuovo libro, profondamente diverso da quelli che ho pubblicato finora. Sarà una raccolta di riflessioni sull’umanità e sul rapporto, sempre più fragile, tra l’uomo e il creato. Un invito a riscoprire il senso della responsabilità verso il mondo che stiamo consumando, un richiamo alle coscienze affinché non venga meno il rispetto per la vita e per la natura. Ma c’è un progetto al quale sono profondamente legato: completare il ciclo di romanzi storici che ho iniziato a scrivere nel corso degli anni. Sono storie ambientate tra la Campania, la Puglia e la Basilicata durante il periodo del brigantaggio subito dopo l’Unità d’Italia, dove la ricostruzione storica si intreccia con le atmosfere del giallo.

Cosa ti ha ispirato per scrivere la tua ultima opera letteraria?

Ho voluto dare continuità a un personaggio che ha ricevuto molti apprezzamenti con il primo giallo: il giornalista Canio Bajonne. Utilizzare Bajonne oltre come giornalista e investigatore, anche come guida dei luoghi diventati scenario del giallo. Quindi, la scrittura non solo come strumento di narrazione, ma capace di valorizzare il territorio, farlo conoscere anche a chi ci abita, immersi in un’atmosfera di mistero. È la conferma del mio forte legame con il territorio e le sue comunità, che si rinsalda ancora di più quando li visito, anche parecchie volte. L’indagine si trasforma in un viaggio alla scoperta dell’identità di una comunità. Il giallo in uscita dal titolo “Le radici della vendetta” è ambientato a Lacedonia, con tappe a Monteverde e Calitri. Al centro della trama c’è il vino, altra eccellenza irpina. Sarà il filo conduttore che porterà il lettore a tenere il fiato sospeso dalla prima all’ultima pagina. Tra i progetti da realizzare, sicuramente c’è il terzo giallo. Questo lo posso svelare, si svolgerà a Bisaccia, il mio paese, con protagonista ancora Canio Bajonne. Ho riservato a Bisaccia il numero tre, perché è un numero particolare, proprio per questo la storia che si articolerà nel mio bellissimo paese, sarà piena di misteriosi colpi di scena.

Grazie Pasquale.

Grazie a Voi.

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L'articolo Federico Di Cicilia ci racconta la sua esperienza tra cinema e territorio. proviene da BelvedereNews.

Gli organizzatori di Roma Modulare 2026 sono orgogliosi di annunciare che la fiera internazionale di sintetizzatori e audio professionale si terrà dal 18 al 19 settembre 2026 a Roma e rappresenterà un’imperdibile expo di due giorni nel centro della Capitale. L’evento è concepito come un viaggio nei dispositivi di musica elettronica in cui creatività, passione e sperimentazione si incontrano in una nuova location unica – L’Opificio Italiacamp. La struttura non è scelta a caso infatti questa manifestazione ben si inserisce nella strategia di gestione del centro per la cultura e l’istruzione, nato da un progetto di rigenerazione urbana nel quartiere di Ostiense-Marconi, una delle zone più vivaci della capitale. Circa 1200 metri quadrati di spazio espositivo che saranno completamente occupati dai principali produttori di sintetizzatori e apparecchiature audio professionali e dalle loro straordinare produzioni innovative. “Viviamo in un’epoca in cui la divisione è la norma, ma fare musica richiede unità. Oggi, la parola “unità” assume un significato che può profondamente scuotere e trasformare le nostre radici e le nostre abitudini. Vogliamo continuare a rafforzare la comunità di artisti e creativi, che, insieme, danno ogni giorno un prezioso contributo alla produzione musicale italiana e internazionale”- dichiarano gli organizzatori di Roma Modulare 2026. I marchi di sintetizzatori modulari e desktop già confermati, per la presenza nella residenza artistica, sono Akai Professional, Arturia, Ashun Sound Machines (ASM), Bitwig, Chase Bliss, Drift DJ, Elektron, ESI, Expressive E, Joranalogue, KORG, MA.SK, Melbourne Instruments, Moog Music, navig8.systems, Oberheim, Sequential, SOMA Laboratory, Teenage Engineering, Waldorf Music e Xaoc Devices, mentre gli espositori di produzione audio professionali confermati comprendono AEA Mic Ribbons, Augspurger Monitors, Empirical Labs, Gainlab Audio, Genelec, Karno, Ocean Way Audio, Phoenix Audio, PMC Speakers, Quagliardi Pro Audio, RME, Rupert Neve Designs, Solid State Logic e Wolff Audio. Questo evento rappresenterà un’opportunità per condividere idee, creare nuove relazioni, divertirsi e ascoltare ottima musica nei giorni del 18 e 19 settembre 2026.

Informazioni utili:

L’evento Roma Modulare 2026, la Fiera Internazionale dei Sintetizzatori e dell’Audio Professionale, si terrà nei giorni 18 settembre e 19 settembre 2026 a Roma, presso la nuova location dell’Opificio Italiacamp.

Dettagli dell’evento:

• Date e Orari: Venerdì 18 settembre (dalle ore 14:00) e sabato 19 settembre 2026 (dalle ore 10:00).

• Location: Opificio Italiacamp, Via Luigi Pierantoni 2, Roma.

• Costo Biglietti: Biglietto giornaliero a €18,00. Abbonamento per entrambi i giorni a €27,00. L’ingresso è gratuito per i minori di 16 anni. I ticket sono disponibili sulla piattaforma DICE.

Cosa aspettarsi:

• Esposizione: Oltre 80 brand del settore esporranno sintetizzatori desktop e modulari (Eurorack) e strumentazione Pro Audio su un’area di circa 1200 mq.

• Attività: Il programma prevede workshop didattici, presentazioni di nuovi prodotti, dimostrazioni dal vivo, incontri con professionisti e performance di musica elettronica.

• Servizi: Saranno presenti anche aree dedicate al food & drink all’interno della location.

• L’Opificio Italiacamp  è. un centro di cultura, formazione e innovazione sociale inaugurato a Roma nel giugno del 2025. Nasce da un importante progetto di rigenerazione urbana costato circa 5 milioni di euro, che ha riqualificato un’area industriale di 2000 metri quadri (di cui oltre 800 all’aperto). La struttura sorge in un’area densa di memoria industriale romana, situata vicino all’ex stabilimento Mira Lanza e al Teatro India. Storicamente nel 1918 ospitava originariamente l’asilo nido, l’infermeria e il refettorio per i figli dei dipendenti della Mira Lanza. Dagli anni ’20 del 1900 è diventa la sede della Ditta Medici, una storica famiglia di maestri marmorari di fama internazionale. In questi spazi sono stati realizzati e restaurati marmi e fregi per la Basilica di San Pietro, il Quirinale, e le cattedrali di Londra e New York. Molti di questi pezzi storici e pavimenti originali sono stati integrati e preservati nel restauro attuale.

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Simone Pastore è un cantautore, arrangiatore, producer italiano, noto sia per la sua carriera solista sia per essere stato il fondatore storico dei Da Blitz, iconico gruppo della musica dance italiana degli anni ’90.

Parlaci un po’ di Simone Pastore.

Sono un cantante, interprete e cantautore che vive la musica con grande passione da oltre quindici anni. Mi sono formato all’Accademia Artesia, dove ho perfezionato il mio percorso musicale, inizialmente attraverso lo studio della voce e successivamente del pianoforte. Ogni volta che salgo sul palco cerco di dare il massimo, di essere semplicemente me stesso e di trasmettere al pubblico le mie emozioni attraverso ogni brano che interpreto.

Come nasce il tuo rapporto con la musica?

Nasce fin da bambino. La musica mi ha sempre accompagnato e, con il passare degli anni, è diventata molto più di una semplice passione: è diventata parte della mia vita. Ho iniziato studiando, facendo esperienza nei locali, nelle piazze e negli eventi, crescendo un passo alla volta. Ogni palco mi ha insegnato qualcosa e continuo ancora oggi a studiare, perché credo che un artista non smetta mai di migliorarsi.

Qual è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con le tue performance musicali?

Il mio obiettivo è emozionare, divertire e coinvolgere le persone, accompagnandole in un viaggio attraverso la musica. La soddisfazione più grande è vedere, alla fine di ogni concerto, il sorriso sul volto del pubblico. Significa che, anche solo per qualche ora, siamo riusciti a condividere emozioni autentiche.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue esibizioni artistiche?

Mi piacciono i luoghi in cui la musica è davvero protagonista: i locali dedicati allo spettacolo, i teatri e le piazze. In generale, amo tutti quei contesti in cui il pubblico arriva con il desiderio di ascoltare, vivere e condividere la musica, perché credo che lì si crei la magia più bella.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua attività artistica?

Il mio desiderio è continuare a crescere artisticamente, portando in scena spettacoli sempre più curati, sia dal punto di vista musicale che scenografico. Mi piacerebbe far conoscere sempre di più anche i miei brani inediti, oltre al repertorio di musica italiana che porto nei miei spettacoli dal vivo. Continuare a emozionare il pubblico e crescere come artista è il traguardo che inseguo ogni giorno.

Qual è il tuo legame con il tuo territorio?

Il legame con l’Irpinia è molto forte. È la terra in cui sono nato, sono cresciuto e dove ho mosso i miei primi passi nella musica. Qui ho trovato persone che mi hanno sempre sostenuto e che continuano a seguire il mio percorso con affetto. Per questo, ogni volta che mi esibisco nella mia provincia, provo una responsabilità e un’emozione particolari. Mi piace pensare che, attraverso la mia musica, possa contribuire a valorizzare il nostro territorio e a portarne in alto il nome, proprio come spero di fare il prossimo 14 agosto ad Avellino, con il concerto che si terrà nel cuore della mia città.

Grazie Simone!

Grazie a Voi!

“Fermale” è un singolo pop italiano pubblicato dal cantautore e arrangiatore Simone Pastore il 1° ottobre 2021. Il brano racconta un amore intenso e tormentato ambientato sullo sfondo di una notte romana.

“E dietro le spalle i tetti di Roma
Sarà che questa notte niente perdona…
Fermale le tue mani, sai com’è irregolare il battito che è in me…
E smettila, e la tua voce sai cos’è? È una bella canzone!” 

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Per BelvedereNews abbiamo intervistato Filomena d’Andrea.

Chi è Filomena D’Andrea?

Filomena D’Andrea, in arte Makardìa, è una cantautrice irpina che intreccia canzone d’autore, dialetto, memoria e impegno civile, costruendo una musica intima capace di raccontare i piccoli paesi e le grandi questioni del nostro tempo.

Come nasce il tuo rapporto con la musica?

Ciao, Antonio. Che bello risentirti! Le prime domande mi riportano proprio alla nostra conoscenza, dove è nato tutto o comunque si è strutturato: l’Home Festival della Scuola Holden a Bisaccia (AV) nel 2011. Un’esperienza di confronto e di creatività che è stata una grande opportunità per riflettere su quello che volevo dire attraverso la musica e la scrittura. Mi ricordo i borghi coinvolti, mi ricordo quel format di spalmare su più paesi gli spettacoli e di essere ospiti della gente, quella ragnatela che si creava tra le comunità e che le collegava come spesso immaginiamo ancora oggi senza successo. Alcune cose per me sono cambiate da quegli anni, ma forse altre no: le location, lo spirito, l’amore per il dialetto e la rabbia positiva di desiderare di più dai posti che abitiamo, la necessità di raccontarli a modo mio e nel modo in cui li vivo.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue esibizioni artistiche?

La mia musica nasce per piccoli spazi, dove poi ci si intrattiene a parlare con le persone che ti hanno ascoltata. Ogni concerto per me è prima di tutto un incontro. Le prime volte che ho preso la chitarra era quella di mio padre, frequentavo il liceo e accompagnavo la voce alla musica etnopopolare e alle canzoni di lotta con le quali sono cresciuta in casa. Forse i primi pezzi a nascere avevano un’impronta più legata alla tradizione, gli ultimi sperimentano di più altri generi, ma soprattutto mi permettono di esprimere la mia identità e intimità, a volte in modo ironico. Sicuramente la musica nella mia vita ha la funzione di accompagnare il mio benestare, è prima di tutto quello che mi fa stare bene e mi permette di comunicare emozioni e pensieri che non trovano via di uscita agevole in altre forme. I primi spettacoli portavano in giro anche cover di musica popolare e world, canzoni napoletane, siciliane, pugliesi, fino ai repertori tzigani, spagnoli, russi. Poi ho sentito il bisogno di costruire uno spettacolo interamente mio, anche perché mettevo in piedi altre canzoni e vivevo la necessità di esprimere me stessa con la mia scrittura e le rivisitazioni della tradizione. Negli anni ho capito che mi interessa costruire canzoni che sappiano parlare delle persone, dei margini, dei paesi, delle contraddizioni del nostro tempo. Scrivo in italiano e in dialetto perché entrambe sono lingue della mia casa e della mia memoria, e continuo a cercare una musica che tenga insieme tradizione e contemporaneità. Le mie canzoni hanno trovato spazio anche nel cinema e nella televisione. È una soddisfazione vedere una musica nata in modo così intimo incontrare storie e personaggi che arrivano a un pubblico molto più ampio, senza perdere la propria identità. Ho avuto l’occasione di lavorare con il regista Luca Miniero e ho sperimentato insieme a lui anche “corde” apparentemente lontane da quello che facevo di solito: è stata un’esperienza fantastica e sono davvero contenta di quello che si è creato. Luca scelse la canzone Armando nel 2012 per il corto “Il sogno di Armando”; era lo stesso anno che partecipavo al Tenco Ascolta al teatro Trianon a Napoli. Con Luca abbiamo collaborato ancora, con la canzone “E girerò per la città” per la serie “Cops – Una banda di poliziotti” con Claudio Bisio, con il classico napoletano “Passione” nella serie “Napoli Milionaria!” fino ad arrivare a “Felice di niente” per la seconda stagione dell’Avvocato Malinconico con Massimiliano Gallo. Ecco, felice di niente, questo titolo dice molto sul mio modo di stare al mondo, ma dice tanto per me anche sul lusso di essere “qua/felice a/non fare niente”, rispetto a quello che succede nel mondo vicino a noi. Sì, perché per me la musica non è solo l’esternazione della mia intimità, con la speranza di avere qualcosa in comune con chi ti ascolta e di rispecchiarsi, ma è anche schieramento, posizione, nei confronti di quello che succede su questo pianeta. Parlano di questo i pezzi “Armando” nel primo disco “occhio per occhio dentro per dentro”, un disco nato proprio dal concetto sviluppato all’Home Festival, “El tren de la muerte” e “La ballata degli allegri” in “Piccolo Concerto del Partito”, dove il partito è ormai solo il migrante senza diritti, o ancora nell’ultimo lavoro discografico di “Canzoni a strofinaccio” il pezzo “Io non li sventolo gli stati sovrani”. Le canzoni raccontano la mia storia, quello che sento per i luoghi in cui vivo, in Irpinia, per le persone che amo e che ho amato, per quelle meno fortunate di me che non hanno voce.

Antonio Frascione: L’ Home Festival della Scuola Holden, lo ricordo anche io in modo molto positivo come esperienza di formazione e valorizzazione del territorio. Con l’Associazione Iride di Avellino partecipammo con una rievocazione storica itinerante sulle brigantesse dell’Alta Irpina. Non dimentico il laboratorio sull’organizzaizone degli eventi culturali con un luminare del settore, il Prof. Lucio Argano. Non dimentico i fantastici compagni di viaggio come te Filomena.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?

In cantiere ci sono collaborazioni con altri artisti e c’è un nuovo pezzo con videoclip, per fine estate dovrebbe essere sfornato, come pane per i denti dell’anima, come cura per quello che attraverso, come musica per la vita che condivido con chi mi vuole bene. Io continuo, Antonio, nel mio piccolo, a cantare, o come dico io, a “parlare cantando”. Oggi continuo a scrivere, a suonare in giro e a cercare nuovi linguaggi senza perdere il legame con le mie radici. Le canzoni cambiano, perché un po’ cambiamo noi. O acquistano nuovo senso in base a quello che ci capita. In fondo perché si chiamano “pezzi”? Perché sono frammenti di noi, di chi le scrive, le canta, le suona, di chi le ascolta e se le cuce sulla propria vita. Io ho cominciato a cantare quando mi si è spezzato il cuore. La voce e la chitarra mi tengono insieme qualche scampolo. Questo era il concetto dell’album “Canzoni a Strofinaccio” con la copertina illustrata da Domenico Lettera fatta di tanti frammenti da ritagliare, e il prossimo pezzo che uscirà ci sta tutto ancora sulla coda sartoriale di quello che per me significa scrivere e suonare. Risuonare. Riflettere. Ricucirmi.

Grazie Filomena!

Grazie a Voi!

Il progetto Makardìa:

Il progetto musicale Makardìa nasce nel 2011. Unisce sonorità folk, ballate popolari e sperimentazione cantautorale. 

• Tematiche: Racconti di transumanza, storie d’amore, emigrazione e resistenza culturale del Sud.

• Strumenti: Filomena si esibisce alla chitarra classica e alla fisarmonica. È spesso accompagnata da percussioni e chitarra elettrica.

• Riconoscimenti: La sua musica è stata definita da Vinicio Capossela come un “repertorio di viva resistenza”. 

• Riconoscimenti: Selezione Tenco Ascolta (Teatro Trianon, Napoli 2012).

• Riconoscimenti: Premio del Pubblico a Musicultura (Teatro della Filarmonica, Macerata 2017).

Impegno per il Cinema e la Televisione:

La cantautrice ha stretto un solido sodalizio artistico con il regista Luca Miniero, firmando e interpretando brani per importanti produzioni televisive e cinematografiche: 

• 2024 — “Vincenzo Malinconico avvocato d’insuccesso” (II stagione – RAI UNO) Attrice e autrice interprete di “Felice di niente”.

• 2023 — “Napoli Milionaria!” (RAI /Picomedia) Interprete di “Passione” nella colonna sonora.

• 2019-2020 — “Cops – Una banda di poliziotti” (Sky) Attrice e autrice/interprete di “E girerò per la città”.

• 2012 — “Il sogno di Armando” (cortometraggio) Colonna sonora con il brano “Armando”.

Attività letteraria 

• 2013 — Libro “A Joshua piacevano i pistacchi”.

Ascolta il brano “Felice di niente“, scritto da Filomena D’Andrea per la colonna sonora della serie TV di Rai 1:

L'articolo Filomena D’Andrea. La cantautrice irpina ci parla dell’amore per la sua terra raccontato con le sue produzioni artistiche. proviene da BelvedereNews.