Nel cuore dello spazio creativo di Titti Petrucci, che si è trasformato in un palcoscenico, la bellissima performance di body painting della Belmonte. Un binomio importante che ha enfatizzato due elenti necessari, estetica e racconto. Protagoniste dell’evento sono state l’artista Vivian Belmonte e la performer Marika Gambardella, conosciuta dal grande pubblico per il ruolo di Luna nella serie Mare Fuori. La performance non è stata una semplice esibizione artistica, ma un vero dialogo tra corpo e materia. Vivian Belmonte, nota per il suo approccio sensibile e quasi narrativo al body painting, ha utilizzato il corpo di Marika Gambardella come tela viva, costruendo un’opera stratificata fatta di simboli marini, richiami alla libertà e suggestioni emotive. Il riferimento al personaggio di Luna – figura intensa e fragile allo stesso tempo – è emerso gradualmente: linee fluide, tonalità acquatiche e dettagli luminosi hanno evocato il legame profondo con il mare, elemento centrale anche nella serie che l’ha resa celebre. Se sullo schermo Marika Gambardella incarna la complessità di Luna, dal vivo ha dimostrato una straordinaria capacità performativa. Immobile e concentrata, ha lasciato che ogni gesto dell’artista diventasse parte di una coreografia silenziosa. L’ambiente ideato da Titti Petrucci ha giocato un ruolo fondamentale. Più che una cornice, lo showroom si è rivelato un contenitore dinamico dove moda e arte si incontrano. Luci soffuse, materiali ricercati e un’atmosfera intima hanno contribuito a trasformare la performance in un’esperienza immersiva per il pubblico. Più che un evento effimero, la performance ha lasciato un segno nel pubblico presente, offrendo una riflessione sulla bellezza, sulla trasformazione e sul potere evocativo dell’arte. In un’epoca in cui le immagini scorrono veloci, momenti come questo riescono ancora a fermare lo sguardo e a restituire profondità all’esperienza estetica.  Da pochi giorni Vivian ha terminato un nuovo progetto audiovisivo, con l’intento di dare ancora una volta forma e respiro a Verba Velata, un progetto che continua a crescere e a trasformarsi. Un percorso fatto di immagini, suoni e presenza, dove ogni elemento contribuisce a costruire un’atmosfera sospesa e intensa. Le musiche di Nico Giordano, accompagnate dal violino di Antonella De Chiara , dal violoncello di Pasquale Termini e dal pianoforte di Luca Mennella. La voce e l’interpretazione sono affidate a Massimo De Matteo, attore napoletano capace di dare profondità e vibrazione al testo. Fondamentale anche il lavoro di Clara Langella come assistente, insieme alla presenza scenica della modella storica di Verba Velata, Giovanna Siena. Alla parte visiva, fotografia e regia di Davide Scognamiglio, produzione e post produzione di Elio Di Pace. Un progetto corale, fatto di incontri, ricerca e sensibilità diverse, che presto prenderà forma definitiva.

Ma adesso andiamo un po’ più in profondità con un’intervista all’artista Irpina Vivian Belmonte.

Parlaci un po’ di te.

Sono un’artista che vive il corpo come strumento principale di espressione. Il mio percorso nasce da una forte esigenza di raccontare emozioni autentiche e trasformarle in immagini vive. Negli anni ho sviluppato uno stile che unisce arte visiva e performance, cercando sempre di creare un impatto diretto e sincero su chi osserva il mio lavoro.

Come nasce l’idea del Body Painting?

Il Body Painting è nato quasi naturalmente, come evoluzione della mia ricerca artistica. Sentivo il bisogno di uscire dalla tela tradizionale e dare vita all’arte, renderla dinamica, respirante. Il corpo diventa così un mezzo potentissimo per comunicare, perché è immediato, umano e profondamente connesso con chi guarda.

Qual è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con questa performance che coinvolge più linguaggi artistici?

Quello che cerco di trasmettere è autenticità. Voglio che le persone si riconoscano, che sentano qualcosa, che si fermino un attimo a guardarsi dentro. Le mie performance parlano di identità, trasformazione e libertà di espressione, mescolando linguaggi diversi proprio per arrivare in modo più diretto ed emozionale.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue esposizioni artistiche?

Amo lavorare in contesti che dialogano con l’opera: spazi urbani, ambienti naturali o location suggestive che possano amplificare il messaggio. Per me lo spazio non è mai solo uno sfondo, ma parte integrante della performance. Ogni luogo contribuisce a rendere l’esperienza unica e immersiva.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?

Sto lavorando per portare la mia arte a un livello sempre più immersivo e internazionale, aprendo collaborazioni con altri artisti e sperimentando nuovi linguaggi, anche digitali. Il mio obiettivo è creare esperienze che restino impresse, che vadano oltre la semplice visione e diventino qualcosa da vivere.

Grazie Vivian.

Grazie a Voi.

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Nel suo volume dedicato alla storia della moda italiana, Michelangelo Iossa -giornalista, scrittore e docente universitario -propone un’opera che va ben oltre il semplice racconto delle tendenze o delle grandi firme. Il libro si configura come una ricostruzione storico-culturale di lungo periodo, capace di intrecciare moda, società, economia, arti visive e immaginario collettivo, restituendo allo stile italiano la sua piena dignità di fenomeno storico.

Iossa accompagna il lettore in un percorso che parte dalla Beatrice dantesca, passando per il Rinascimento, momento fondativo della modernità europea, per arrivare fino alla contemporaneità segnata dalla globalizzazione, dalla moda ecosostenibile, dal fast fashion e dall’influenza dei social media. In questo tragitto, la moda viene letta come specchio delle trasformazioni sociali, come linguaggio simbolico e come espressione di un sapere artigianale che, nel tempo, si è trasformato in sistema industriale e culturale.

Un passaggio centrale del libro è dedicato alla nascita del Made in Italy, che Iossa colloca nel secondo dopoguerra, individuando nel 1954 – anno della fondazione del Centro di Firenze per la Moda Italiana e delle sfilate a Palazzo Pitti promosse da Giovanni Battista Giorgini – uno spartiacque decisivo. È in questo contesto che lo “stile italiano” viene consegnato alla storia come marchio di qualità, eleganza e riconoscibilità internazionale, anticipando di poco il boom economico degli anni Sessanta.

All’interno di questa cornice ampia e ben strutturata, il libro alterna momenti di sintesi storica a capitoli monografici dedicati ai protagonisti che hanno contribuito in modo decisivo all’affermazione della moda italiana nel mondo. Tra questi, particolare rilievo assume il capitoletto dedicato a Valentino Garavani, che a partire da pagina 95 diventa, nel racconto di Iossa, la figura-simbolo di un’eleganza assoluta e senza tempo.

Valentino emerge come uno stilista capace di dialogare con il cinema e con l’immaginario internazionale: sono Cinecittà e Hollywood ad accorgersi per prime del suo talento, riconoscendone la capacità di vestire il sogno e la grazia delle grandi icone femminili. Il libro individua un momento chiave nella prima collezione presentata a Firenze nel 1962, inserendola nel contesto del consolidamento del sistema moda italiano.

Nel 1963, l’immagine di Audrey Hepburn che indossa un mantello Valentino segna una consacrazione definitiva, cui seguirà il legame con Jacqueline Kennedy Onassis, emblema di una femminilità sobria, aristocratica e modernissima. Iossa legge questi episodi non come semplici aneddoti mondani, ma come momenti decisivi nella costruzione del mito Valentino e, più in generale, nella diffusione globale dello stile italiano.

L’onorificenza della Repubblica conferita allo stilista suggella un percorso che non è solo imprenditoriale o artistico, ma profondamente culturale. Nel giorno in cui si sono svolti i funerali di Valentino, recentemente scomparso, le pagine che Michelangelo Iossa gli dedica assumono il valore di una testimonianza storica consapevole, capace di restituire allo stilista il suo posto nella lunga durata della moda italiana.

Nel suo insieme, il libro di Iossa si conferma così un’opera solida e accessibile, preziosa tanto per gli studiosi quanto per i lettori interessati a comprendere come la moda sia diventata una delle forme più riconoscibili dell’identità culturale italiana nel mondo

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Valentino Garavani, il celebre stilista italiano simbolo di eleganza e creatività nel mondo dell’alta moda si è spento, oggi 19 gennaio 2026 all’età di 93 anni, nella serenità della sua residenza romana.

Nato l’11 maggio 1932 a Voghera, Valentino è stato uno dei protagonisti assoluti dell’haute couture italiana. Dopo gli studi a Parigi con i grandi della moda, fondò la sua maison a Roma nel 1960, divenendo ben presto un simbolo internazionale di stile e glamour.

Il suo stile artistico era riconoscibile ovunque grazie a linee impeccabili e al celebre “Rosso Valentino”, colore che è entrato nell’immaginario collettivo come emblema di femminilità e lusso senza tempo.

Nel corso della sua carriera, Valentino ha vestito icone come Jackie Kennedy, Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn e numerose altre stelle del cinema e della cultura globale.

Le sue creazioni sono state protagoniste di red carpet e grandi eventi per più di quattro decenni, contribuendo a fare del Made in Italy un vero e proprio fenomeno globale.
La camera ardente sarà allestita presso lo spazio culturale PM23 in Piazza Mignanelli 23 a Roma nei giorni 21 e 22 gennaio, dalle 11:00 alle 18:00; mentre il funerale si terrà venerdì 23 gennaio alle ore 11:00 nella Basilica di Santa Maria degli Angeli e dei Martiri in Piazza della Repubblica, sempre a Roma.

Con la scomparsa di Valentino, si chiude un capitolo fondamentale della storia dell’alta moda: un artista che ha saputo unire eleganza, raffinatezza e modernità, lasciando un’eredità destinata a durare nel tempo.

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ROMA– Il 23 ottobre 2025, i sovrani Carlo e Camilla hanno avuto un incontro storico con Papa Leone XIV, segnando la prima udienza tra la monarchia britannica e il pontefice cattolico dopo cinque secoli. Questo evento non è stato solo un’importante visita di stato, ma anche un momento simbolico di preghiera tra il Re, capo della Chiesa di Inghilterra, e il Papa.

Per questa occasione, Camilla ha scelto un abito nero, rispettando il “Privilege du blanc”, una tradizione che impedisce alle regine non cattoliche di indossare il bianco in presenza del Papa. Invece di una tiara di diamanti, ha optato per un cappello creato dal famoso modista Philip Treacy, realizzato con piume e foglie, che ha conferito un tocco originale che ha portato l’attenzione sul suo look.

Questa visita rappresenta un passo significativo nelle relazioni tra le due fedi e un momento di unità in un contesto storico.

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Caserta si prepara per un weekend all’insegna della creatività, della scoperta e del buon cibo con la ventesima edizione della Fiera del Vintage, un evento imperdibile per appassionati e collezionisti.

La manifestazione si svolgerà il 27 e 28 settembre 2025, presso l’A1Expò – Polo Fieristico di Caserta, in Viale delle Industrie 10, con orario continuato dalle 10:00 alle 20:00.

Con oltre 300 espositori dislocati su una vasta area coperta di 12.000 mq, la fiera offre un’ampia gamma di prodotti vintage, spaziando dall’abbigliamento all’antiquariato, dall’artigianato ai vinili, fino al collezionismo e alla rigatteria. Gli appassionati potranno perdersi in un percorso che si snoda attraverso 30 aree tematiche, ognuna delle quali racconta una storia unica, portando i visitatori in un viaggio affascinante nel tempo.

Il tema di quest’anno, “Scacco matto al tempo: il vintage torna in gioco!”, invita i partecipanti a riscoprire il fascino degli oggetti del passato e a riflettere sull’importanza della sostenibilità, riutilizzando e valorizzando il patrimonio culturale e artistico. La fiera non è solo un’opportunità per acquistare pezzi unici, ma anche un’occasione per incontrare esperti del settore, partecipare a workshop e scoprire tendenze emergenti nel mondo del vintage.

In aggiunta alla ricca offerta espositiva, l’evento prevede un’ampia area food, dove i visitatori potranno gustare prelibatezze locali e internazionali, creando un’atmosfera conviviale e festosa.

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Milano – Entrare nella Pinacoteca di Brera in questi mesi è come attraversare un ponte invisibile tra due linguaggi solo apparentemente distanti: quello dell’arte classica e quello della moda contemporanea. Dal 24 settembre 2025 all’11 gennaio 2026, il museo ospita la mostra “Giorgio Armani. Milano, per amore”, un evento senza precedenti che celebra i 50 anni della maison milanese, trasformando le sale di Brera in uno spazio di dialogo tra abiti e capolavori.

Un omaggio intimo, nato dalla ritrosia

La genesi della mostra è, sorprendentemente, una storia di umiltà e pudore. Come ha raccontato il direttore della Pinacoteca, Angelo Crespi, lo stilista inizialmente non voleva esporre i suoi abiti accanto ai grandi maestri del Rinascimento. “Il signor Armani non si sentiva all’altezza di Mantegna, Raffaello o Piero della Francesca. Aveva proprio paura”, ha confessato Crespi.

Una titubanza comprensibile per chi ha sempre concepito la moda come espressione di sobrietà e misura, più vicina all’arte che allo spettacolo. Solo l’insistenza della Pinacoteca, che sentiva come un “dovere morale” rendere omaggio a uno dei suoi più illustri “vicini di casa”, ha convinto Armani a partecipare a questo progetto, accettandolo con rispetto e profondo coinvolgimento emotivo.

“Non è una questione di ego, ma di testimonianza”, scriveva Armani nella sua autobiografia.
“Una mostra deve avere un valore didattico, deve essere un lascito per i giovani creativi”.

Moda e arte in un “corpo a corpo” visivo

Quella che ne è scaturita non è una semplice retrospettiva, ma un’operazione culturale raffinata e coraggiosa, dove oltre 120 creazioni di Giorgio Armani — tra abiti da uomo e da donna — sono disseminate lungo il percorso museale in un fitto dialogo con opere d’arte immortali.

Non ci sono teche né passerelle. Gli abiti sono collocati in “isole” centrali, come presenze discrete e luminose, capaci di intrecciarsi alla pittura senza mai sovrastarla. Il visitatore si trova così a passare dallo sguardo della Madonna col Bambino di Giovanni Bellini a quello, altrettanto silenzioso, di un abito da sera blu; ad ammirare come un completo destrutturato greige – indossato da Richard Gere in American Gigolo – riecheggi la monumentalità della statua di Napoleone di Canova; o come un abito rosso si accenda nella cappella affrescata da Bernardino Luini.

Ogni accostamento è studiato con cura: colori, forme, posture si richiamano e si rispondono. In un gioco di “consonanze e analogie”, gli abiti diventano ponti tra il presente e la memoria visiva del passato, facendo risuonare la bellezza classica nei codici dell’eleganza moderna.

Un archivio vivente della cultura italiana

Tra i capi esposti ci sono vere e proprie icone del costume:
– Il completo di Richard Gere in American Gigolo
– Gli abiti da Oscar di Sharon Stone
– Il vestito rosso del 1993 indossato da Katie Holmes al Met Gala
– L’abito blu della collezione A/I ’98 portato da Juliette Binoche a Cannes
– Il completo di Mia Martini a Sanremo nel 1990

Ognuno di questi abiti, accostato a opere come la Pala di Brera o Il Bacio di Hayez, testimonia non solo lo stile di un’epoca, ma la capacità di Armani di leggere la società attraverso il linguaggio delle forme, dei colori e della leggerezza.

Il legame con Milano, e in particolare con Brera, è il filo conduttore emotivo dell’intera esposizione. Giorgio Armani ha sempre riconosciuto in questo quartiere un’“anima duplice”: colta ma vitale, rigorosa e al tempo stesso libera — proprio come la sua moda.

Per chi ama l’arte, la moda o Milano, “Giorgio Armani. Milano, per amore” è molto più di una mostra: è una meditazione sulla bellezza, sull’equilibrio e sul senso del tempo. Un’occasione unica per scoprire come due mondi solo in apparenza distanti possano fondersi in una narrazione visiva coerente e commovente.

Un atto d’amore verso la città, il passato, e il futuro della creatività.

Informazioni utili sulla mostra

Titolo: Giorgio Armani. Milano, per amore
Luogo: Pinacoteca di Brera, Milano
Date: dal 24 settembre 2025 all’11 gennaio 2026
Orari:
– Aperta dal martedì alla domenica
– Dalle 8:30 alle 19:15 (ultimo ingresso alle 18:00)
– Chiuso il lunedì

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Nel cuore pulsante di Napoli, tra vicoli storici e tradizioni intramontabili, esiste un luogo dove la magia accade ogni giorno: il salone di Claudio De Martino. Non è solo un parrucchiere, è un artista, un visionario, un mago capace di trasformare chiome ribelli, sfibrate e spente in autentici capolavori di lucentezza e vitalità.

Le sue mani esperte non si limitano a tagliare e pettinare, ma creano vere e proprie opere d’arte. Ogni riccio domato, ogni piega perfetta, ogni colore vibrante racconta una storia di passione e professionalità.

Dall’Incubo al Sogno: Il Prima e Dopo che Lasciano Senza Parole

Chiunque varchi la soglia del suo salone entra con una speranza e ne esce con una certezza: i miracoli esistono, e Claudio ne è la prova vivente. Basta guardare le incredibili trasformazioni per rendersene conto. Capelli crespi, spenti e ingestibili si trasformano in ricci definiti, morbidi e luminosi. Un risultato che non è frutto solo di prodotti eccellenti, ma di una conoscenza approfondita della struttura del capello e delle tecniche più avanzate del settore.

Non si tratta solo di estetica, ma di autostima. Claudio non si limita a migliorare l’aspetto esteriore, regala sicurezza, valorizza l’unicità di ogni cliente e dimostra che la bellezza, quando è curata con passione, diventa una vera forza interiore.

Il Segreto del Successo? Talento, Studio e Innovazione

Nel mondo della hairstyling, Claudio De Martino si distingue per la sua continua ricerca dell’eccellenza. Non si accontenta mai, sperimenta, studia e porta nel suo salone le tecniche più innovative. Che si tratti di trattamenti personalizzati, colorazioni perfette o acconciature da sogno, ogni servizio offerto è pensato per esaltare la bellezza naturale e garantire risultati duraturi.

Napoli può vantare una lunga tradizione di bellezza e stile, e Claudio De Martino ne è senza dubbio uno dei massimi esponenti. Chi ha la fortuna di sedersi sulla sua poltrona sa che non si tratta di un semplice appuntamento dal parrucchiere, ma di un’esperienza che cambia il modo di vedersi e di sentirsi.

Se i capelli sono il riflesso della nostra personalità, Claudio De Martino è colui che riesce a tirarne fuori la versione migliore. E chiunque abbia provato le sue mani d’oro può confermarlo: questo parrucchiere non è solo bravo, è il più potente di Napoli.

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Napoli si conferma ancora una volta capitale della moda, e questa volta a incantare il pubblico sono stati i più piccoli. Durante l’ultima edizione della Napoli Fashion Week, i riflettori si sono accesi sui giovani talenti dell’agenzia Casting Bambini, fondata e guidata con passione da Mario Prosdocimi e Francesca Rotundi.

Grazie alla loro esperienza e all’innata capacità di scoprire e valorizzare nuove promesse della moda, i due professionisti hanno portato in passerella bambini e ragazzi che hanno saputo conquistare il pubblico con la loro eleganza, naturalezza e sicurezza. Un vero e proprio trionfo che ha dimostrato come la moda sia un’arte capace di esprimere personalità e talento fin dalla più giovane età.

Un trampolino di lancio per i talenti del futuro

Evento di spicco nel panorama internazionale, la Napoli Fashion Week ha rappresentato un’occasione unica per questi giovani modelli, dando loro una straordinaria visibilità nel settore. La collaborazione tra Casting Bambini e la NFW si è rivelata vincente, consolidando un rapporto che mira a valorizzare il talento emergente nel mondo della moda infantile.

“Siamo molto orgogliosi di questa esperienza – hanno dichiarato Mario Prosdocimi e Francesca Rotundi – perché ha permesso ai nostri bambini di esprimersi al meglio e di vivere un contesto professionale di altissimo livello. La Napoli Fashion Week è un appuntamento di grande prestigio e siamo felici di averne fatto parte con successo.”

Grazie ad eventi di questa portata, la moda conta di  arricchirsi di nuove energie e prospettive, confermando quanto sia essenziale investire nei giovani talenti. La risonanza di questa collaborazione va oltre i confini nazionali, consolidando il ruolo della Napoli Fashion Week sulla scena internazionale e quello di Casting Bambini come punto di riferimento per chi sogna una carriera nella moda fin da giovanissimo.

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La Napoli Fashion Week, evento di punta nel panorama della moda partenopea, ha aperto ufficialmente i casting per la sua prossima edizione. Ideata dalla mente geniale di Alessandro Di Laurenzio, direttore, creativo e fotografo affermato.

Una manifestazione celebra l’eleganza e la creatività, offrendo una vetrina prestigiosa per stilisti emergenti e affermati.

Partecipare alla Napoli Fashion Week rappresenta un’opportunità unica per aspiranti modelli e modelle di realizzare i propri sogni nel mondo della moda. È il momento di calcare le passerelle e mostrare il proprio talento, trasformando l’ambizione in realtà.

Per candidarsi, è possibile inviare una email all’indirizzo: fashionweeknapoli.casting@gmail.com

Per ulteriori informazioni, contattare il numero: 3917608942.

Non perdere l’occasione di essere protagonista in uno degli eventi più glamour della città di Napoli. La moda attende nuovi volti pronti a brillare sotto i riflettori.

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