C’è un cortocircuito silenzioso che attraversa i tavoli dei nostri ristoranti, una metamorfosi antropologica guidata dagli schermi accesi. Da un lato del tavolo siede il phobber (dall’unione di phone e snubbing), il commensale fisicamente presente ma mentalmente assente, perennemente ipnotizzato dall’ultima notifica. Dall’altro risponde l’hepster (help/tech + hipster), l’esteta del piatto virtuale che non cerca il sapore, ma l’approvazione estetica dell’algoritmo tramite una foto perfetta da dare in pasto ai social.
Mentre i teorici della transizione digitale preconizzano un futuro in cui l’Intelligenza Artificiale standardizzerà e prevederà ogni nostra preferenza culinaria, esiste un baluardo biologico che nessuna macchina potrà mai espugnare: la fisicità della materia, il calore della convivialità e la chimica dei cinque sensi.

Il cortocircuito di Samantha: la materia batte il codice.

Per misurare la distanza tra l’astrazione tecnologica e la realtà, possiamo prendere in prestito la suggestione cinematografica del film Her di Spike Jonze. Il protagonista si innamora di Samantha, un’I.A. immateriale, empatica e apparentemente perfetta.
Ma proviamo a calare questa trama nella realtà tangibile di una trattoria nostrana, davanti a una pasta all’assassina fumante o a un ragù della domenica. Samantha, forte della sua infinita potenza computazionale, potrebbe stupirci:
* Isolando all’istante i composti volatili dell’olio extravergine d’oliva;
* Prevedendo al millisecondo la curva di reazione di Maillard sulla superficie della carne;
* Decodificando la storia e la genetica dei grani antichi utilizzati.
Eppure, nell’istante esatto in cui la forchetta tocca il piatto, il sistema operativo va inevitabilmente in crash. L’Intelligenza Artificiale non ha un corpo, non possiede papille gustative, non conosce il piacere biologico ed emotivo della nutrizione. Davanti alla consistenza della materia prima, l’algoritmo si rivela per quello che è: un perfetto spettatore incapace di partecipare alla vita reale.

Valore territoriale: la trincea economica della filiera campana.

Questa difesa dell’identità biologica non è solo un esercizio filosofico, ma rappresenta il vero scudo economico per la filiera agroalimentare di Terra di Lavoro e dell’intera Campania. Rimettere l’esperienza sensoriale al centro crea un valore non clonabile che avvantaggia tutti gli attori del comparto:
* Per il Consumatore: Il pasto si trasforma in un atto di “Digital Detox”. Staccare gli occhi dallo schermo permette di riappropriarsi della socialità e del benessere reale, abbattendo il sovraccarico informativo.
* Per l’OSA (Produttori locali): La risposta ai surrogati industriali o ultra-processati è l’irripetibilità della terra. Una Mozzarella di Bufala Campana DOP o un pomodoro riccio di San Leucio possiedono una complessità organolettica che nessun software potrà mai replicare in laboratorio, blindando il valore economico del lavoro artigianale.
* Per l’HoReCa (Ristoratori): La sala cessa di essere un semplice luogo di somministrazione e diventa un teatro. Il servizio umano, l’empatia dell’accoglienza e l’imprevedibilità del piatto espresso fidelizzano il cliente, trasformando il pranzo in un’esperienza non riducibile a una recensione a stelle su una piattaforma di delivery.

La rivendicazione dell’analogico

L’Intelligenza Artificiale rimarrà uno straordinario strumento di supporto per ottimizzare i magazzini, calcolare i flussi di cassa o analizzare i trend di mercato. Ma non potrà mai sedersi al tavolo a godersi la ritualità della “scarpetta”.
Finché le macchine saranno prive dell’olfatto e della capacità di emozionarsi di fronte alle imperfezioni di un prodotto artigianale, il primato della vita reale e della ristorazione fisica resterà assoluto. Il futuro del nostro comparto non si scrive inseguendo le metriche di un algoritmo, ma rivendicando con orgoglio la nostra splendida, appetitosa e analogica natura umana.

IL GIOCO DELLA REDAZIONE

Test: Sei un Phobber distratto o un Gourmet reale?
Calcola il tuo punteggio e scopri il tuo profilo digitale a tavola:
1. Il piatto arriva a tavola ancora fumante. Qual è il tuo primo gesto?
• A) Ne inspiri il profumo e afferri subito le posate. (0 punti)
• B) Sposti i bicchieri per evitare ombre e scatti tre foto di fila. (2 punti)
2. Il telefono vibra nel mezzo di una conversazione a cena. Cosa fai?
• A) Resta capovolto sul tavolo o in tasca. Risponderai dopo il dolce. (0 punti)
• B) Lo sblocchi con lo sguardo e leggi la notifica al volo mentre l’altro parla. (2 punti)
3. Cosa rappresenta per te il termine “scarpetta”?
• A) L’atto supremo di ripulire il sugo dal piatto usando l’ultimo pezzo di pane. (0 punti)
• B) Un trend passeggero visto in un video breve su TikTok. (2 punti)

IL TUO PROFILO:
* Da 0 a 2 punti – Il Gourmet Reale: L’I.A. non ha potere su di te. Le tue papille gustative sono connesse alla terra e la tua attenzione è rivolta alla convivialità. Sei la linfa della ristorazione fisica.
* Da 4 a 6 punti – In Codice Rosso digitale: Attenzione, stai vivendo l’esperienza gastronomica attraverso un filtro digitale. Metti in tasca lo smartphone e riscopri il sapore della realtà.

STRATEGIE OPERATIVE PER L’HORECA

Tre soluzioni pratiche per i ristoratori contro l’alienazione digitale:
* Esaltazione dell’Olfatto (Scent-marketing): Poiché gli algoritmi sono privi di naso, il profumo deve diventare il primo strumento di marketing. Valorizzare gli aromi primari all’uscita della cucina (il basilico fresco spezzato al momento, una grattugiata di tartufo nero del Matese, il sentore di legna del forno) costringe il cliente a risvegliare i sensi e a staccarsi dallo schermo.
* Teatralità del Servizio (Show-cooking): La sala deve riappropriarsi del proprio ruolo spettacolare. Spostare la finitura di un piatto davanti al cliente (il taglio della carne, la mantecatura manuale, il racconto del produttore) crea un momento di attrazione visiva viva che nessuna consegna a domicilio potrà mai inscatolare.
* Narrazione dell’Origine (Story-selling): Il menù non deve limitarsi a elencare ingredienti e costi, ma deve trasmettere l’identità del territorio. Raccontare le difficoltà del piccolo allevatore o l’unicità del vitigno locale crea una connessione emotiva profonda. L’I.A. elabora dati freddi; l’essere umano trasmette passione ed empatia.

Disclaimer dell’autore

I contenuti del presente documento sono stati elaborati a scopo informativo e divulgativo. L’autore ha cercato di garantire accuratezza e completezza delle informazioni, senza tuttavia poter escludere eventuali errori, omissioni o imprecisioni. Le opinioni e le valutazioni espresse sono da intendersi come personali e non costituiscono necessariamente posizioni ufficiali di enti o organizzazioni eventualmente menzionati. L’utilizzo dei contenuti resta sotto la responsabilità del lettore, che è invitato a verificare le informazioni attraverso fonti ufficiali e aggiornate, ove necessario.

L'articolo L’algoritmo non fa la scarpetta: perché Phobber e Hepster capitolano davanti a un piatto reale. proviene da BelvedereNews.

Torna a Ponticelli il Cineforum Arci Movie, giunto alla sua 36ª edizione. Dal 10 novembre 2026 al maggio 2027 il Cinema Pierrot di via De Meis ospiterà 25 film, accompagnati da incontri con registi, attori, giornalisti e protagonisti del mondo della cultura. Un appuntamento che si rinnova nel segno della memoria di Vincenzo Mauriello, storico presidente dell’associazione e figura centrale nella storia della sala cinematografica. Proprio Mauriello fu tra i protagonisti, negli anni Novanta, della mobilitazione «Salviamo il cinema Pierrot», che impedì la chiusura della struttura e la sua trasformazione in un supermercato. Una battaglia sostenuta da cittadini e intellettuali, che ha permesso al cinema di diventare un presidio culturale e sociale per la zona orientale di Napoli e l’area vesuviana. L’inaugurazione è in programma martedì 10 e mercoledì 11 novembre, alle ore 18 e alle 21, con la proiezione di Il diavolo veste Prada 2 di David Frankel. A presentare il film saranno Anna Paola Merone, giornalista del Corriere del Mezzogiorno esperta di moda, e Carlo Puca, assessore alla Partecipazione e all’Immagine del Comune di Napoli. «Lavoriamo da 36 anni a Ponticelli perché la cultura e il cinema non siano un lusso per pochi, ma un diritto accessibile a tutta la comunità», sottolinea Roberto D’Avascio, presidente di Arci Movie, ricordando la scelta di mantenere prezzi popolari per favorire la partecipazione. Le proiezioni si terranno ogni martedì e mercoledì, con doppio appuntamento alle 18 e alle 21. La tessera annuale costa 50 euro, con una tariffa ridotta di 25 euro per gli under 30. Previsto anche il biglietto per la singola proiezione a 5 euro. Informazioni e programma completo sono disponibili sul sito www.arcimovie.it.

L'articolo Napoli, al via la 36ª edizione del Cineforum Arci Movie al Pierrot proviene da BelvedereNews.

CASERTA – Sarà presentato venerdì 9 ottobre 2026, alle ore 18.30, alla libreria Pacifico Libri, in via Alois 24/26 a Caserta, Opera prima, il libro di Romano Montesarchio, pubblicato da Martin Eden Edizioni nella collana Galassia Gutenberg, con prefazione di Giuseppe Gaeta in un incontro sostenuto dall’Associazione Liberalibri.

Casertano di nascita, Romano Montesarchio è regista, sceneggiatore e docente di Cinematografia presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. Il suo percorso si è sviluppato soprattutto nel cinema documentario, con attenzione alle realtà sociali e alle storie del territorio. Tra i suoi lavori ricordiamo La Domitiana, Ritratti abusivi e Black Mafia. In Opera prima l’esperienza di autore si intreccia con quella di docente, dando vita a una riflessione sul cinema come pratica creativa e sapere da condividere.

A dialogare con Montesarchio saranno Francesco Massarelli, direttore artistico del Teatro Ricciardi di Capua e promotore di iniziative dedicate alla cultura cinematografica, e Ilena Ragosta, editrice di Martin Eden e fotografa, impegnata anche in attività di formazione e narrazione attraverso le immagini, in un dibattito che riunisce quindi scrittura, regia, recitazione e cultura cinematografica.

Il volume, fresco di stampa, ha debuttato il 2 ottobre al Campania Libri Festival di Napoli e affronta una delle fasi più significative nella carriera di un regista: il momento in cui un’idea deve trovare la strada per diventare un film. Montesarchio accompagna il lettore attraverso le principali fasi creative e produttive della realizzazione cinematografica, soffermandosi sulle difficoltà, sulle scelte artistiche e sulle intuizioni che possono caratterizzare un’opera prima.

Romano ci presenta una guida critica e narrativa costruita attraverso esempi tratti da alcune opere prime che hanno segnato il cinema italiano e internazionale. Quarto potere di Orson Welles diventa l’occasione per riflettere sulla forza di un’idea visionaria e sulla ricerca di un linguaggio capace di mettere in discussione le regole del cinema classico. Morte di un matematico napoletano di Mario Martone permette di affrontare il rapporto tra cinema, territorio e contesto storico, mentre Le iene di Quentin Tarantino porta l’attenzione sulle dinamiche della produzione indipendente e sulla costruzione di una precisa identità autoriale. Con Fino all’ultimo respiro di Jean-Luc Godard, il discorso si sposta infine sulla rottura con i modelli consolidati e sull’opera prima come possibile punto di partenza per un nuovo linguaggio cinematografico.

Il tema dell’esordio sarà affrontato anche attraverso le esperienze degli ospiti. Arturo Muselli, attore di cinema, teatro e televisione, noto anche per il ruolo di Enzo “Sangue Blu” in Gomorra – La serie, porterà il punto di vista di chi il cinema lo vive davanti alla macchina da presa. Alberto Palmiero, regista nato ad Aversa e formatosi al Centro Sperimentale di Cinematografia, ha scritto, diretto e interpretato Tienimi presente, il suo primo lungometraggio, premiato come migliore opera prima alla Festa del Cinema di Roma.

Il battesimo di Opera prima sarà così l’occasione per guardare al cinema anche da una prospettiva meno visibile allo spettatore, quella del lavoro che precede l’arrivo di un film sullo schermo. Dall’idea alla scrittura, dalla ricerca delle risorse alla costruzione del set, fino alla definizione di un linguaggio personale, il primo film rappresenta per un autore un momento nel quale creatività, confronto e concretezza devono trovare un equilibrio, mettendo a confronto esperienze diverse del cinema e riportando l’attenzione sul momento in cui un autore si misura per la prima volta con la trasformazione di un’idea in un’opera.

L'articolo Romano Montesarchio presenta “Opera prima” proviene da BelvedereNews.

TEVEROLA – Debutta oggi, 22 settembre, su Netflix  “Minerva – La Scuola”. Tra i protagonisti c’è Ciro Minopoli, 22enne di Teverola, che interpreta Salvo Fusco, un ragazzo cresciuto in una casa famiglia che entra in un liceo militare per scoprire cosa sia accaduto al suo migliore amico. La serie, diretta da Ivan Silvestrini, è stata presentata in anteprima al Giffoni Film Festival.

Formatosi alla scuola di teatro e cinema Musidantea 2.0, Minopoli ha già recitato nel film Criature e nella terza stagione de “Il commissario Ricciardi”. Nella sua scheda professionale figura anche il ruolo del giovane Patrizio Oliva in una produzione Rai. Con Minerva, il suo percorso raggiunge ora il pubblico di Netflix.

L'articolo Da Teverola a Netflix: Ciro Minopoli protagonista di “Minerva – La Scuola” proviene da BelvedereNews.

Sedici anni dopo la morte di Angelo Vassallo, quella domanda non ha perso la sua forza. È una domanda breve, quasi elementare, e proprio per questo difficile da eludere. Perché?

Da questa parola prende il titolo il nuovo docufilm dedicato al Sindaco Pescatore di Pollica, ucciso il 5 settembre 2010. Le riprese sono appena iniziate e il progetto nasce dalla volontà di Dario e Massimo Vassallo, fratelli di Angelo e rispettivamente presidente e vicepresidente della Fondazione Angelo Vassallo Sindaco Pescatore, di riportare al centro della narrazione non soltanto il delitto, ma la storia dell’uomo che lo ha preceduto.

La regia è affidata a Giuseppe Falagario. L’ambizione è quella di costruire un racconto cinematografico capace di andare oltre la cronaca giudiziaria e la memoria dell’omicidio, restituendo la complessità di una figura che nel Cilento aveva fatto della politica uno strumento concreto di trasformazione del territorio.

Prima ancora del sindaco c’era il pescatore. C’era l’uomo profondamente legato al mare, alla propria comunità e a quel territorio che aveva scelto di amministrare. E c’era un’idea della politica intesa come responsabilità, presenza e capacità di intervenire concretamente sulla realtà. È soprattutto questa dimensione che il docufilm vuole recuperare, raccontando quella che i fratelli Vassallo definiscono la «bella politica», una politica praticata con passione e messa al servizio della comunità. Ma il racconto della vita di Angelo inevitabilmente conduce alla sua morte. Ed è proprio qui che ritorna il titolo del film.

A sedici anni dall’omicidio, infatti, molte delle domande legate a quella notte rimangono ancora aperte. Per Dario Vassallo, continuare a interrogarsi significa anche impedire che la vicenda venga progressivamente rimossa o ridotta a una pagina del passato.

«Dopo 16 anni tante domande non hanno trovato risposta», sottolinea Dario Vassallo. Il docufilm, spiega, nasce dalla volontà di raccontare «veramente la bella politica fatta con passione» e di arrivare infine alla domanda che continua a accompagnare la famiglia e quanti hanno conosciuto l’esperienza amministrativa di Angelo. Perché è stato ucciso un uomo considerato così importante per il proprio territorio e, secondo i suoi familiari, per l’intero Paese?

Il progetto nasce con una precisa vocazione cinematografica. L’obiettivo non è infatti quello di realizzare un semplice prodotto destinato alla circolazione sui social, ma di portare la storia del Sindaco Pescatore nelle sale dei Festival italiani e internazionali.

«Non abbiamo fatto questo docufilm per i social», chiarisce Dario Vassallo. L’intenzione è raggiungere un pubblico più ampio, anche oltre i confini nazionali. Una scelta che assume un significato particolare per una vicenda che, secondo i promotori del progetto, rischia di essere progressivamente dimenticata proprio mentre resta ancora aperta la questione della verità.

Anche Massimo Vassallo insiste sulla necessità di cambiare prospettiva. «Vogliamo raccontare Angelo partendo dalla sua vita e non soltanto dalla sua morte», afferma. Il pescatore, l’uomo, il sindaco e il politico diventano così le diverse dimensioni di un’unica storia, quella di una persona che aveva elaborato una precisa idea del territorio e del rapporto tra amministrazione e cittadini.

È anche per questo che il film guarda alle nuove generazioni. Raccontare Vassallo significa infatti non soltanto conservare una memoria familiare, ma riproporre una riflessione sul significato dell’impegno pubblico e sulla possibilità di concepire la politica come servizio alla comunità.

Il docufilm è un progetto indipendente sostenuto economicamente dagli stessi Dario e Massimo Vassallo. I due fratelli hanno scelto di investire personalmente nella realizzazione senza ricorrere a finanziamenti o contributi pubblici.

Una scelta che, nelle intenzioni della Fondazione, sottolinea il carattere profondamente personale ma allo stesso tempo civile dell’iniziativa. «Lo facciamo perché crediamo che la storia di Angelo debba continuare a essere raccontata», spiega Dario Vassallo, ribadendo la convinzione che la ricerca della verità richieda un impegno che non può interrompersi con il passare degli anni.

La Fondazione guarda inoltre alle grandi piattaforme televisive e di streaming. Dario e Massimo Vassallo rivolgono un appello a realtà come Netflix e Amazon Prime Video affinché possano interessarsi al progetto e contribuire alla sua diffusione.

L’auspicio è che una storia nata nel Cilento possa così raggiungere milioni di spettatori, in Italia e all’estero, trasformando una vicenda locale in una riflessione più ampia sulla politica, sulle istituzioni, sul rapporto con il territorio e sul diritto di una comunità a conoscere la verità sulla morte di uno dei suoi rappresentanti.

Tra gli obiettivi c’è anche quello di organizzare una prima proiezione in una sede istituzionale italiana, alla Camera dei deputati o in un’altra sede delle istituzioni.

Sarebbe un passaggio dal forte valore simbolico. La storia di Angelo Vassallo, sostengono i suoi fratelli, non appartiene infatti soltanto alla famiglia, né esclusivamente a Pollica, ad Acciaroli o al Cilento. Appartiene a un Paese che continua a interrogarsi sul rapporto tra politica, territorio e legalità.

E così, mentre le telecamere iniziano a raccontare la vita del Sindaco Pescatore, il titolo del film rimane anche una sorta di esercizio della memoria. «Perché?» non è soltanto il nome di un docufilm. È la domanda che, a sedici anni di distanza, continua a chiedere una risposta.

L'articolo «Perché?»: sedici anni dopo l’omicidio di Angelo Vassallo, un docufilm torna a interrogare l’Italia proviene da BelvedereNews.

Sono nato in una numerosa famiglia italiana, di origini di Bisaccia, in Irpinia, e cresciuto sulle rive del Lago di Ginevra, in Svizzera. Mi occupo di direzione d’orchestra, composizione e sono un pianista versatile, la cui attività abbraccia la musica classica, il jazz, il cinema e i media interattivi. Nel corso di una carriera trentennale ho diretto alcune delle più importanti orchestre degli Stati Uniti, tra cui la San Francisco Symphony, la Boston Pops, la National Symphony Orchestra al Kennedy Center, la Baltimore Symphony, la Dallas Symphony, la Detroit Symphony e la Utah Symphony, oltre a prestigiose formazioni internazionali quali la Spanish National Symphony, la Royal Scottish National Symphony e la Czech National Symphony. Dal 2009 divento direttore principale della produzione internazionale Video Games Live e nel 2023 ho diretto la Boston Pops Orchestra nel suo primo concerto interamente dedicato alla musica dei videogiochi nei 140 anni di storia dell’ensemble. Approdo a Los Angeles alla fine degli anni Novanta, ho rapidamente sviluppato una significativa attività nel mondo della musica per i media, lavorando come orchestratore e compositore per la serie CBS/Paramount JAG e partecipando a importanti produzioni cinematografiche e televisive, tra cui Avatar, The Amazing Spider-Man, Troy e NCIS. La mia composizione musicale per il videogioco Advent Rising è stata eseguita da orchestre di tutto il mondo, inclusa la Los Angeles Philharmonic, ed è presente nell’album della London Philharmonic Orchestra The Greatest Video Game Music, Vol. 1. Il mio debutto discografico ha raggiunto la Top Ten di Billboard nel 2008 con Video Games Live, Vol. 1, facendomi conquistare inoltre un Game Audio Network Guild Award e numerose nomination. Nel 2013 sono stato nominato direttore musicale del gala inaugurale del nuovo Tom Bradley International Terminal dell’Aeroporto Internazionale di Los Angeles, dove ho condiviso il palco con il produttore e artista multiplatino David Foster. Per l’occasione, insieme a mia moglie e storica collaboratrice Laurie Robinson, ho composto e diretto in prima mondiale Portale: A Gateway to the World, un’opera sinfonica multimediale commissionata da Westfield Corporation e concepita come omaggio musicale alla città di Los Angeles, alla sua straordinaria diversità culturale e alla sua identità internazionale.

Tra i miei progetti più recenti figura Stars On The Lake, suite orchestrale jazz realizzata in collaborazione con il compositore svizzero Thierry Lang e pubblicata da Universal Music Group nel 2024, e ultimamente l’esecuzione della Sinfonia n. 1 di Beethoven e la prima esecuzione sulla West Coast del Concerto per chitarra di Tulio Cremisini con i Santa Barbara Chamber Players, nell’aprile 2026. Parallelamente alla attività artistica, sono fortemente impegnato nella formazione musicale: tengo regolarmente masterclass e conferenze presso istituzioni musicali negli Stati Uniti e in Europa e, dal 2016, sono professore presso l’École des Musiques Actuelles (EMA) di Ginevra, dove insegno composizione musicale per il cinema e i media interattivi. Sono inoltre cofondatore della Southern California Piano Academy. Ora vivo in California a Santa Barbara con mia moglie anche lei compositrice, Laurie Robinson, e mio figlio Luciano. Manteniamo legami stretti con Bisaccia e l’Irpinia ritornando ogni anno nella casa Bisaccese.

Come nasce il tuo rapporto con la musica?

Fin dai miei primissimi ricordi d’infanzia, la musica è stata parte integrante di me e, per me, non può essere separata da ciò che sono come persona. Mia madre mi raccontava che, durante la gravidanza, ascoltava moltissima musica, perché per lei era importante che fossi esposto alla musica fin dai primi momenti della mia vita, ancora nel grembo materno. Credo che questo abbia avuto un’influenza profonda su di me e sulla persona che sono diventato. L’essenza di ciò che sono affonda le radici nella musica, nell’ascolto, nel sentirla risuonare quotidianamente dentro di me in modo estremamente intimo. Per me, la musica rappresenta un processo spirituale continuo, che mi permette di crescere, di evolvere e di comprendere sempre più profondamente me stesso e il mio posto nel mondo, nel rapporto con gli altri e con le persone che mi circondano.

Quale è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con le performance musicali?
Il mio obiettivo principale è creare un’esperienza collettiva unica, condivisa tra il pubblico, l’orchestra e i solisti. Questa esperienza può essere diversa ogni sera e può variare a seconda del repertorio che eseguo, che si tratti di jazz, musica classica o musica per videogiochi. Cerco di coinvolgere tanto il pubblico quanto i musicisti in un’esperienza positiva, significativa e autentica, che prende le sue radici nello studio approfondito delle opere dei vari compositori.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue esibizioni artistiche?
Per gran parte degli ultimi 18 anni, la mia attività di direttore d’orchestra si è svolta nelle sale da concerto e nei teatri sinfonici di tutto il mondo. Tuttavia, per una parte significativa della mia carriera a Hollywood, ho lavorato negli studi di registrazione per il cinema e la televisione. Partecipavo regolarmente alle sessioni di registrazione presso gli studi Warner Bros, Paramount e 20th Century Fox, collaborando con alcuni dei migliori musicisti specializzati nella registrazione di colonne sonore cinematografiche. Al di la della mia carriera da direttore la mia attività di pianista e compositore jazz mi offre la libertà e la flessibilità di esibirmi in contesti molto diversi: dai jazz club alle esposizioni d’arte, fino a luoghi storici come il Castello Ducale di Bisaccia. L’ambiente in cui mi esibisco esercita su di me una forte influenza e amo scoprire nuovi luoghi e nuovi contesti, perché credo che possano diventare parte integrante dell’esperienza musicale e rappresentare una profonda fonte di ispirazione.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?

Il 29 gennaio 2027 presenterò con i Santa Barbara Chamber Players la prima di un nuovo programma di nome “Tour Italia !” che celebra la ricchezza della musica e della cultura Italiana, con musiche di Nino Rota, Ennio Morricone, Verdi, Puccini, Respighi, e anche di compositori napoletani di musiche popolare. Un programma che verro di proporre a le tante orchestre sinfoniche con cui ho collaborato negli USA. Poi il 28 maggio 2027 torno a Ginevra per un unico concerto con il mio nuovo quartetto europeo Sotto Voce dando via a un ritorno al piano e al jazz che furono cosi importante a l’inizio della mia carriera. Sto dedicando anche molto tempo allo studio del patrimonio lirico nella speranza di realizzare un ciclo di liriche ambientato durante la Seconda guerra mondiale e ispirato all’esperienza della mia nonna, che nell’Italia meridionale crebbe da sola quattro figli, trasformando una vicenda familiare in un’intima riflessione sulla resilienza di tutta una generazione.

Qual è il tuo legame con l’Irpinia?

L’Irpinia è parte del mio DNA, proprio come la musica. Nel corso degli anni, mia moglie Laurie e io abbiamo mantenuto un legame molto stretto con Bisaccia. Uno dei miei luoghi preferiti al mondo è l’uliveto che si trova dietro la masseria di nostro nonno dove mia madre è nata, li sento un legame profondissimo con le mie radici. Quando mi trovo tra quegli ulivi, tutto è al posto giusto.

Grazie Emmanuel!

Grazie a Voi!

Di seguito la performance del Concerto per chitarra e orchestra di Tulio Cremisini. Un brano di musica davvero molto bello che il maestro Fratianni vorrebbe riproporre anche in Italia: 

Ed ancora una straordinaria performance in Video Games Live.

Per seguire le attività professionali del Maestro Emmanuel Fratianni cliccate il link di You Tube che incorpora vari progetti oppure seguite il suo sito personale EmmanuelFratianni.com.

L'articolo L’irpino Emmanuel Fratianni ci racconta la sua straodinaria ascesa al successo, dall’Europa agli USA. proviene da BelvedereNews.

Il cinema italiano perde uno dei suoi volti più riconoscibili.

È morto oggi, 13 agosto 2026, Lucio Montanaro, attore e caratterista originario di Martina Franca. Aveva 75 anni, compiuti lo scorso 22 giugno. La notizia della sua scomparsa è arrivata nel pomeriggio e ha rapidamente fatto il giro delle redazioni e del mondo dello spettacolo.

Secondo le prime informazioni, Montanaro sarebbe stato colpito da un malore improvviso mentre si trovava nella piscina della sua abitazione a Martina Franca. Sul posto sono intervenuti i soccorritori del 118, con un’ambulanza da Martina Franca e un’altra da Alberobello, ma ogni tentativo di rianimazione si è rivelato purtroppo inutile.

Le prime ricostruzioni parlano di un arresto cardiaco.

Un volto familiare del cinema popolare
Nato a Martina Franca il 22 giugno 1951, Lucio Montanaro aveva costruito una carriera lunga e intensa, diventando uno dei caratteristi più riconoscibili della commedia italiana tra gli anni Settanta e Ottanta.

Il suo volto e la sua comicità hanno accompagnato un’intera generazione di spettatori. Ha lavorato accanto a protagonisti amatissimi del cinema popolare italiano, tra cui Lino Banfi, Alvaro Vitali, Renzo Montagnani e Pippo Franco.

Ma per il pubblico napoletano il suo nome è legato soprattutto a un’altra importante pagina del cinema italiano.

Il legame con Napoli, Mario Merola e Nino D’Angelo

Montanaro, pur essendo pugliese di nascita, ha avuto un rapporto artistico importante con Napoli e con il cinema partenopeo.

Ha recitato infatti accanto a Mario Merola e Nino D’Angelo, prendendo parte a pellicole che oggi rappresentano una testimonianza di quella straordinaria stagione del cinema popolare napoletano.

Nel 1982 arrivò Tradimento, diretto da Alfonso Brescia, con Mario Merola e Nino D’Angelo. Montanaro interpretava Ciccio. Nello stesso anno partecipò a Giuramento, ancora diretto da Brescia e ancora accanto a Merola e D’Angelo.

Un legame con il mondo di Merola che non si è mai realmente interrotto. Nel 2024 Montanaro aveva pubblicato anche Lucio Montanaro racconta Mario Merola, dedicato proprio al grande interprete della sceneggiata napoletana.

Tra i suoi film figurano La liceale al mare con l’amica di papà, La dottoressa preferisce i marinai, Giovani, belle… probabilmente ricche, Quella peste di Pierina, Tradimento, Giuramento, Il tifoso, l’arbitro e il calciatore, Zampognaro innamorato, Popcorn e patatine, Fotoromanzo e L’allenatore nel pallone 2.

È stato uno di quei caratteristi capaci di lasciare il segno anche quando non erano necessariamente i protagonisti assoluti della pellicola.

Un volto, una battuta, un’espressione: bastava la sua presenza per rendere immediatamente riconoscibile un film.

L’ultimo saluto a un artista amatissimo

La sua Martina Franca lo aveva celebrato poche settimane fa, in occasione del suo 75° compleanno, con un appuntamento dedicato alla sua vita, alla sua carriera e al legame con la propria città.

Oggi quella stessa città si ritrova a piangere uno dei suoi figli più conosciuti.

E Napoli, che lo aveva accolto artisticamente e lo aveva visto accanto a giganti come Mario Merola e Nino D’Angelo, saluta a sua volta un interprete che ha contribuito a raccontare, con ironia e semplicità, una parte importante della cultura popolare italiana.

Addio, Lucio.
Il cinema perde un caratterista, ma il pubblico conserva quei personaggi, quelle battute e quei film che hanno accompagnato intere generazioni.

E forse è proprio questo il destino dei grandi caratteristi: continuare a vivere nei ricordi di chi li ha guardati, amati e applauditi.

L'articolo Addio a Lucio Montanaro, il volto della commedia che fece sorridere l’Italia: da Mario Merola a Nino D’Angelo proviene da BelvedereNews.

L’umanità ha sfidato le leggi della fisica arrivando sulla Luna e ha scavato le viscere della Terra fino a circa dodici chilometri di profondità su oltre 3000km. Eppure, nel cuore delle nostre città d’arte, viviamo un’impasse che nessuna tecnologia sembra voler risolvere: la gestione civile di due miseri metri di marciapiede.
Oggi che il Paese si stringe nel ricordo di Alex Zanardi, la sua lezione di vita ci interroga con una ferocia inaspettata. Alex è stato l’uomo che ha insegnato al mondo a guardare l’orizzonte ad altezza di sedia a rotelle, reclamando il diritto alla dignità e al movimento oltre ogni limite. Ma provate a immaginare Alex oggi, nel pieno della sua forza d’animo, impegnato nella sua sfida contro l’inerzia nei vicoli di Napoli, nelle piazze di Caserta o tra i monumenti di Roma. Nemmeno la sua leggendaria volontà potrebbe nulla contro il muro di plastica e sedie di una movida senza regole.
Alex si fermerebbe lì, prigioniero di un’impasse grottesca: un tavolino “in demand”, un dehors figlio di una deroga Covid diventata eterna, un’occupazione selvaggia che cancella il diritto al passaggio. Se un eroe nazionale resterebbe incagliato in un vicolo per l’egoismo di un aperitivo, significa che la nostra civiltà ha perso il senso della misura.
Da ex Comandante che per vent’anni ha “diretto” la strada in territori della Campania Felix complessi, e oggi da provetto drammaturgo che osserva questa messa in scena urbana, vedo un copione scritto male. Sembra di essere proiettati nel prologo di “Roma” di Federico Fellini: quella sequenza del Raccordo Anulare dove tutto si blocca in un groviglio primordiale, dove l’ambulanza resta ferma tra le grida e il caos, incapace di fendere il muro della disorganizzazione. Oggi quel set felliniano è diventato la realtà quotidiana dei nostri centri storici.
Il dramma è doppio. Di giorno, la vetrina dell’artigianato e della storia; di notte, un “presepe” profanato dove la musica da stadio impedisce il sonno e montagne di rifiuti segnano i percorsi pedonali. Abbiamo trasformato le gallerie d’arte in pubblici esercizi e i marciapiedi in ostacoli insormontabili, ignorando il Codice della Strada che impone quei due metri vitali per il soccorso e la disabilità. Non è solo questione di commercio: è la geografia stessa della città che viene stravolta, espellendo i residenti costretti a vivere con i tappi nelle orecchie o a intraprendere cause civili decennali.
È necessaria, ora più che mai, una pace con la “Conferenza arcobaleno “. I Comuni devono smettere di essere attori non protagonisti di questo degrado. Serve una “Movida Sicura” che non sia un deserto anni ’70, ma nemmeno una giungla post-pandemica. Servono distretti turistici con personale di sicurezza dedicato, misurazioni reali dei decibel e, soprattutto, il ripristino della legalità dello spazio pubblico.
La città di notte deve essere a disposizione di chi si muove, non un labirinto invalicabile. La legge dei due metri non è burocrazia: è rispetto per la vita, è sicurezza per i mezzi di soccorso, è la dignità che Alex Zanardi ci ha insegnato a difendere. Senza questo equilibrio, la nostra bellezza resta una scenografia vuota, una vetrina che di notte nasconde solo polvere e indifferenza.
È tempo di riscrivere il finale di questo film, prima che il sipario cali definitivamente sul diritto di vivere la città.

L'articolo L’ultimo traguardo di Zanardi e l’impasse dei due metri: nemmeno la sua forza può nulla contro l’anarchia della movida proviene da BelvedereNews.

Nello scenario mediatico contemporaneo, il confine tra la didattica accademica e il puro intrattenimento è crollato. Il pubblico non cerca più la narrazione lineare fine a se stessa: chiede storie capaci di graffiare, incuriosire e arricchire. È il trionfo dell’edutainment, la potente tecnica comunicativa nata dalla fusione tra education (educazione) ed entertainment (divertimento). L’obiettivo è stimolare l’interesse e la curiosità attraverso il gioco, l’impatto visivo e le emozioni, senza annoiare mai.Per decodificare questa trasformazione, dobbiamo guardare a un fenomeno televisivo cult che ha analizzato con ironia le nevrosi della nostra società: la serie Younger.

Il fenomeno Younger: lo scontro generazionale a New YorkIdeata dal geniale regista Darren Star (mente dietro successi come Sex and the City), Younger è una commedia brillante andata in onda dal 2015 al 2021 per 7 stagioni, oggi grande successo di pubblico su Netflix.
La trama ruota attorno a Liza Miller (interpretata da Sutton Foster), una quarantenne divorziata che, per rientrare nel mercato del lavoro dopo anni dedicati alla famiglia, decide di fingersi una ventiseienne. Con questa nuova identità anagrafica, viene assunta come assistente presso la storica casa editrice di New York Empirical Press (factory only fiction) affiancata dall’ambiziosa millennial Kelsey Peters (Hilary Duff), dalla glaciale Diana Trout (Miriam Shor) e dall’amica di sempre Maggie (Debi Mazar), finendo per innamorarsi del giovane tatuatore Josh ( dí origini italiane è l’attore Nico Tortorella).
Una delle grandi curiosità della serie è il suo impatto cross-mediale: il libro fittizio Marriage Vacation, scritto da uno dei personaggi della serie, è diventato così popolare da essere stato realmente pubblicato e stampato nel mondo reale.

Il focus sul mondo editoriale: il mito del “nativo digitale”Younger si trasforma in un’aula sociologica a cielo aperto sul mondo dell’editoria moderna. La casa editrice diventa il ring su cui si consuma lo scontro tra la cultura tradizionale e l’evoluzione dei nuovi media. Da un lato ci sono i vecchi editori, ancorati alle tirature cartacee e alle recensioni sui grandi quotidiani; dall’altro i Millennials e la Generazione Z, che impongono l’immediatezza dei social media, la cultura dei meme, degli hashtag e degli influencer per decretare il successo di un’opera.
La bugia di Liza mette a nudo un paradosso educativo: per sopravvivere nell’editoria odierna non contano le competenze letterarie o una solida laurea pregressa, ma la conoscenza enciclopedica di Instagram e TikTok (qui sembra che il primogenito di successo Facebook si dedichi solo ad argomenti un po’ più seri). Per mantenere il segreto, la protagonista è costretta a una costante auto-educazione pop.

Dalle radici del mito alla sociologia moderna: il legame con “Trionfi & Cavalli”.
Questo bisogno di unire l’educazione all’intrattenimento e al simbolo per decodificare la realtà affonda le radici nella nostra storia più ancestrale. È lo stesso filo conduttore che ho esplorato nel mio recente saggio “Trionfi & Cavalli. Dalle radici del mito alla corsa verso la libertà” (Cacucci Editore). Nel testo racconto i rituali psicomagici del Mezzogiorno rurale, come l’antico rito contadino della vermenara(dal latino verminia, muoversi come un verme): un atto simbolico e performativo codificato per recidere i traumi del passato e trasformarli, attraverso l’empatia animale e il racconto, in cura e libertà emotiva.
Cosa erano quei miti e quei piccoli rituali comunitari se non le primordiali forme di edutainment della nostra civiltà?
Le comunità del passato usavano il gioco, il racconto teatrale e l’emozione per trasmettere regole di sopravvivenza, etica e legame con la terra. Oggi, lo scenario è mutato, ma la necessità antropologica rimane la stessa. Che si tratti delle pagine di un libro nella New York di Younger o dell’analisi sociale del nostro territorio, dobbiamo recuperare quella stessa capacità narrativa.

L’evoluzione visiva: la fotografia sta al disegno digitale come l’educazione sta all’intrattenimento. 

Il legame tra l’edutainment e le arti visive si riflette anche nei moderni linguaggi tecnologici. La stessa immagine promozionale del cast di Younger può trasformarsi, attraverso la tecnologia, in un pezzo d’arte grafica. Nel giornalismo moderno e nella comunicazione dei media, l’uso di illustrazioni grafiche, poster artistici o fan art — rintracciabili su piattaforme come Etsy o nei database di IMP Awards — serve proprio a creare un ponte emotivo con l’osservatore.
Oggi, per convertire un’immagine fotografica in uno schizzo a matita, in un acquerello o in un disegno digitale a fumetti, non servono più ore di lavoro manuale. L’edutainment passa anche attraverso l’uso consapevole di: App di fotoritocco: Strumenti come Prisma, Clip2Comic o Photoshop Camera capaci di applicare filtri artistici istantanei basati sui contorni e sulle ombre.
Intelligenza Artificiale Generativa: Piattaforme in grado di elaborare prompt testuali complessi (come “vivid line art drawing” o “watercolor illustration”) per ricreare lo stile grafico desiderato.

I media moderni hanno un immenso bisogno di metodo, ma soprattutto di una nuova narrazione visiva. Quando l’educazione sposa il divertimento, ogni contenuto diventa un atto culturale e ogni immagine una pagina di storia da sfogliare insieme, in una continua e appassionante corsa verso la consapevolezza e la libertà espressiva.

Disclaimer dell’autore:

Il presente contributo è frutto esclusivo del lavoro di studio, approfondimento e ricerca personale dell’autore, nell’ambito della propria attività pubblicistica e di saggistica scientifica svolta a titolo totalmente gratuito e senza alcun compenso o utilità economica. Le opinioni, le analisi e le interpretazioni normative contenute nel testo esprimono unicamente il punto di vista personale dell’autore e non impegnano, né rappresentano o riflettono in alcun modo, le posizioni ufficiali, gli orientamenti o le linee d’azione dell’Amministrazione pubblica di appartenenza.

Il testo ha una finalità esclusivamente scientifica, informativa e divulgativa. L’autore e la redazione non rispondono di eventuali imprecisioni involontarie, refusi o successivi mutamenti del quadro legislativo. Per l’applicazione pratica delle norme, l’analisi dei casi specifici e i corretti adempimenti di legge all’interno delle singole realtà aziendali, gli operatori sono tenuti a fare riferimento ai testi normativi ufficiali e a rivolgersi a consulenti e professionisti abilitati del settore.

L'articolo Il fenomeno Younger e la rivoluzione dell’edutainment: quando la cultura pop ridisegna i media-di Salvatore Schiavone proviene da BelvedereNews.

Laura Samani (Trieste, 9 ottobre 1989) è una regista e sceneggiatrice italiana, considerata una delle voci più originali, talentuose e promettenti della sua generazione nel panorama del cinema d’autore contemporaneo. Salita alla ribalta internazionale grazie a un cinema fortemente legato alle identità territoriali e al realismo magico, ha collezionato prestigiosi riconoscimenti tra Cannes, Venezia e i David di Donatello. Dopo essersi laureata in Cinema e Scienze della Comunicazione presso l’Università di Pisa (con una tesi sulla serie tv Twin Peaks), si sposta a Roma. Qui frequenta il prestigioso Centro Sperimentale di Cinematografia, diplomandosi in regia nel 2015.

Parlaci un pò di Laura Samani?
Sono nata a Trieste nel 1989 e il primo film che ho amato è Fantaghirò.

Come nasce il tuo rapporto con il cinema?
Ho fatto teatro al liceo e in seguito ho scelto cinema all’Università. Era una delle tante strade possibili, poi è diventata la strada principale.

Quale è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con le produzioni audiovisive?

Un messaggio di liberazione.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue produzioni audiovisive?

In Friuli Venezia Giulia, la mia regione. Solitamente sono luoghi che ho sempre frequentato o che ho esplorato personalmente mentre pensavo alla storia.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?
Continuare a raccontare storie che mi piacciano e mi facciano scoprire di più su me e sul mondo insieme alla comunità con cui lavoro.

Qual’ è il tuo legame con il tuo territorio?

Un legame fortissimo, immagino lì tutte le storie.

Grazie Laura!

Grazie a Voi!

Il suo interessante lavoro audiovisivo, “La santa che dorme”, è stato un tassello importante del programma di proiezioni, legato al tema della donna, organizzato presso l’Area Archeologica di Santa Croce in Gerusalemme, dal titolo “Effetto Notte”. Questa rassegna cinematografica è stata organizzata dal Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale, con il contributo della Direzione generale Cinema e audiovisivo del Ministero della Cultura, in collaborazione con la Soprintendenza Speciale Archeologia, Belle Arti e Paesaggio di Roma, la Direzione Musei Statali della Città di Roma e il Museo Nazionale degli Strumenti Musicali. Il cortometraggio “La santa che dorme” è un prodotto audiovisivo del 2016 diretto da Laura Samani, della durata di 19 minuti, che ha ottenuto un prestigioso riconoscimento internazionale venendo selezionato al Cinéfondation del Festival di Cannes. Si racconta che in un piccolo paese di montagna fervono i preparativi per la processione annuale in onore di Santa Achillea. La dodicenne Giacomina (Mina) viene scelta come custode della statua della santa. Quello che dovrebbe essere il giorno più bello si trasforma in un mistero: la sua migliore amica, Silene, non volendo crescere, esprime un desiderio alla santa e cade in uno stato di morte apparente, pur mantenendo il corpo caldo. Mentre l’intero villaggio grida al miracolo e decide di portare in processione la ragazza al posto della statua, Giacomina è l’unica a porsi delle domande e a cercare di capire se l’amica sia davvero perduta.

Temi principali.

Il cortometraggio anticipa lo stile e le tematiche (il realismo magico, la religiosità arcaica e il legame profondo con il territorio) che la regista friulana ha poi espanso nel suo acclamato lungometraggio d’esordio, Piccolo corpo (2021). L’opera esplora il delicato e traumatico passaggio dall’infanzia all’età adulta, il confine sottile tra fede, superstizione e suggestione collettiva in contesti rurali, la forza dell’amicizia femminile di fronte all’incomprensione degli adulti.

Guarda il trailer al seguente link.

Scheda Tecnica e Cast.

• Regia: Laura Samani;

• Sceneggiatura: Laura Samani, Marco Borromei, Elisa Dondi;

• Interpreti principali: Denise Vallar (Giacomina) e Sara Sclausero (Silene);

• Produzione: Centro Sperimentale di Cinematografia (CSC);

• Musiche: Irene Brigitte;

• Montaggio: Chiara Dainese;

L'articolo “La santa che dorme” di Laura Samani nella rassegna cinematografica “Effetto Notte” del CSC. proviene da BelvedereNews.