Abbiamo intervistato l’artista di origini Irpine, Nunzio Ruggiero. Nunziante Ruggiero è un diplomato in scenografia teatrale all’Accademia di Belle Arti di Napoli e insegnante.

Parlaci un po’ di Nunzio Ruggiero?

Di origini irpine, sono un pittore giuglianese di adozione, faccio parte della generazione degli artisti formatisi presso l’Accademia delle belle Arti di Napoli. Attualmente opero nel mio studio a Giugliano in Campania ( Na ) dove sperimento nuovi linguaggi espressivi. Le mie prime produzioni sono stati gli acquerelli dove il paesaggio, in particolare quello marino, ha avuto un ruolo predominante. Da esso ho volutamente tratto l’essenzialità di determinati momenti coloristici attraverso giochi di luce e passando attraverso linee d’ombra, riflessi marini e solari. Lavorare nel silenzio di un attimo, lasciando scorrere il tempo indistinto di una vita, attraverso flussi di attimi scatenanti della furia delle onde che fanno respirare l’anima. In una seconda fase avviene una metamorfosi espressiva con un linguaggio più aggressivo e determinante cambiando radicalmente forma aspetto o natura. Ora la mia produzione è di natura ritrattistica-storica e la tecnica utilizzata è mista acrilico—collage. Attraverso giochi cromatici usati amo definire la mia performance pittorica” Pop-concettuale” Le mie opere nascono dall’esigenza di catturare l’effimera bellezza dal tema proposto, offrendo all’osservatore una riflessione intima e personale. Il mio pubblico ideale è, chi ha voglia di fermarsi, di osservare, e meditare un ricordo che forse non è nemmeno il suo, perché alla fine l’arte è questa: un luogo dove emozioni e libertà si incontrano, e questo per me è bellissimo. L’arte è sempre stata per me un rifugio e un linguaggio, molto prima che una personalità del novecento. Questi personaggi che racconto, forse dimenticati sono stati protagonisti del loro tempo, trionfi , sconfitte, virtù e passione hanno segnato un percorso ricco di aneddoti e sfumature sulla società, sulla politica, sull’arte e sul costume. Certamente il XX secolo è stato un periodo fecondo quanto violento e corrisponde a un peculiare andamento dello sviluppo tecnico, poetico e linguistico dell’arte come è accaduto per quello storico-politico. In fin dei conti e come sempre accade, si parla di ciò che più si ama, pur avendo, prima e dopo, sottoposto il lavoro al vaglio della ragione. E questo ciò che ho provato a fare, andando alla ricerca di un utopico e forse irraggiungibile punto di mediazione tra sentimento e ragione. L’arte, la letteratura, le scienze sono prodotti della creatività umana, spesso, il solo sentir parlare di ” contemporaneità ” suscita diffidenza ed esitazione, se non proprio sconcerto. Ma grazie alla storia del XX secolo a oggi appaiono estremamente interessanti, perché la cultura del passato ha determinato le condizioni della nostra contemporaneità.

Come nasce il tuo rapporto con l’arte?

Il mio rapporto con l’arte nasce da sempre, ad esempio da piccolo quando svolgevo un compitino di qualsiasi natura la parte finale si concludeva con un segno grafico o un disegnino. Come dico da sempre l’arte è stato un rifugio o un linguaggio, molto prima che una professione. Ho seguito sempre un istinto e una passione.

Quale è il messaggio che generalmente vuoi comunicare con le performance artistiche?

La risposta si evidenzia dalla seconda parte della mia presentazione.

Che tipo di location scegli generalmente per realizzare le tue mostre d’arte?

Prediligo, sempre che sia possibile, ambienti con un minimo di storia ma anche location raffinate e minimaliste.

Progetti per il futuro? Quali evoluzioni desideri per la tua operazione artistica?

Mostre mostre mostre. Miro sempre a valorizzare i contenuti proposti.

Quale è il tuo legame con l’Irpinia?

Il legame irpino è innato in quanto Lionese di nascita verso la propria terra.

Grazie Nunzio!

Grazie a Voi!

Di seguito in visione un clippino dell’artista.

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Se vi capita di andare a Roma, vi consiglio caldamente di entrare nella splendida chiesa barocca di Santa Maria della Vittoria, in Via Venti Settembre, non troppo distante dalla Stazione Termini e Piazza della Repubblica, perché potrete ammirare un complesso scultoreo di straordinaria bellezza, noto come “l’Estasi di Santa Teresa d’Avila”, uno dei più grandi capolavori della scultura e dell’architettura barocca, realizzato da Gian Lorenzo Bernini tra il 1647 e il 1652. L’opera è collocata all’interno della Cappella Cornaro della chiesa, è in marmo bianco e bronzo dorato e rappresenta il culmine dell’arte barocca, in cui Bernini fonde magistralmente architettura, scultura, pittura ed effetti di luce naturale per creare un vero e proprio palcoscenico teatrale sacro.
La scena raffigura il momento mistico descritto dalla stessa santa Teresa d’Avila nella sua autobiografia: la transverberazione, ovvero il momento in cui un angelo le trafigge il cuore con uno strale infuocato d’amore divino. Santa Teresa è colta nel momento del totale abbandono spirituale e fisico. È adagiata su una nuvola di marmo che sembra fluttuare nell’aria. Il panneggio della sua veste è tumultuoso e stropicciato, a specchio del suo turbamento interiore. Al suo fianco, un cherubino dal volto sorridente solleva delicatamente il lembo del suo abito per colpirla con la freccia.
Bernini riesce a scolpire l’ineffabile. Il volto della santa mostra gli occhi socchiusi, la bocca aperta in un sospiro e i piedi nudi abbandonati nel vuoto, esprimendo un’estasi che unisce la carne e lo spirito. Alle spalle delle statue scendono dei raggi in bronzo dorato. Bernini aprì anche una finestra nascosta (un lunotto) nella parte superiore dell’edicola, permettendo alla luce solare reale di piovere dall’alto, illuminando il marmo come se fosse una luce divina sovrannaturale.
Ai lati della cappella, Bernini ha scolpito dei bassorilievi che ricordano dei palchetti teatrali dai quali i membri della famiglia Cornaro (i committenti dell’opera) assistono alla scena sacra, commentandola e pregando. Sembra così di stare in un vero teatro, si assiste a una vera e propria scena teatrale
Il brano che ha ispirato il grande artista è tratto dal capitolo XXIX (paragrafi 13 e 14) del “Libro de la Vida” (Libro della mia vita), l’autobiografia spirituale scritta da Santa Teresa d’Avila intorno al 1565.
Ecco il celebre frammento originale tradotto fedelmente in italiano:
«Vedevo un angelo accanto a me, a sinistra, in forma corporea […]. Non era grande, ma piccolo e bellissimo, con il volto così acceso da sembrare uno di quegli angeli di altissimo rango che appaiono tutta fiamma… Gli vedevo nelle mani un lungo dardo d’oro, sulla cui punta di ferro mi sembrava vi fosse un po’ di fuoco. Pareva che me lo configgesse a più riprese nel cuore, cacciandomelo dentro fino alle viscere. Quando lo ritraeva, sentivo che se le portava via con sé, lasciandomi tutta infiammata di grande amore di Dio. Il dolore era così intenso che mi faceva emettere dei gemiti; ma era tanta la soavità che mi dava questo dolore grandissimo, che non si poteva desiderare che finisse, né l’anima poteva appagarsi di altro che di Dio. Non è un dolore fisico, ma spirituale, anche se il corpo non tralascia di parteciparvi un poco, e anzi molto».
Se si confronta questo testo con la scultura del Bernini, si nota come lo scultore abbia tradotto in immagini ogni singola parola: il dardo d’oro con la punta infuocata è visibile tra le mani del cherubino; l’angelo è rappresentato volutamente piccolo e fanciullesco (le sembianze di un putto), dal volto radioso e sorridente; i gemiti causati dal dolore e dal piacere simultanei sono scolpiti sul viso di Teresa, immortalata a bocca aperta e con gli occhi socchiusi nell’atto di sospirare; il totale abbandono del corpo (il piede che pende nel vuoto, la perdita di forze) manifesta visivamente l’ultima frase della santa, dove sottolinea che anche il corpo partecipa attivamente a questa unione mistica.
L’Estasi di Santa Teresa è considerata una delle opere più audaci e controverse della storia dell’arte sacra occidentale. Le polemiche e le critiche attorno al capolavoro di Bernini sono nate fin dalla sua inaugurazione nel 1652 e sono proseguite per secoli, dividendo i contemporanei dello scultore, i critici dell’Ottocento e gli storici dell’arte moderni.
La critica più feroce mossa a Bernini dai suoi contemporanei riguarda il realismo eccessivo e sensuale con cui ha tradotto l’estasi spirituale, ritenuto da alcuni al limite della decenza per un luogo di culto. In realtà, Bernini non inventò nulla di arbitrario: seguì alla lettera lo scritto di Teresa. La teologia cattolica dell’epoca (influenzata dal Cantico dei Cantici) approvava il cosiddetto misticismo nuziale, ovvero l’utilizzo di metafore carnali e amorose per spiegare l’unione ineffabile tra l’anima (la sposa) e Dio (lo sposo). Per i gesuiti e i committenti dell’opera, il dolore fisico e il piacere estatico erano due facce della stessa medaglia spirituale.
Un secondo filone di critiche riguarda l’impianto scenografico della Cappella Cornaro. Bernini, che oltre a essere scultore era un celebre scenografo e commediografo teatrale, trattò lo spazio sacro come un vero e proprio palcoscenico. L’inserimento dei membri della famiglia Cornaro all’interno di finti “palchetti teatrali” laterali fu visto da alcuni come un atto di vanità mondana e auto-celebrazione della famiglia aristocratica all’interno di una cappella funeraria, distogliendo l’attenzione dal raccoglimento religioso.
Nonostante le critiche sotterranee e i pamphlets satirici, l’opera non fu mai censurata o modificata dalla Chiesa cattolica. Il Papa e il cardinale Federico Cornaro – il committente dell’opera, raffigurato insieme ai membri della sua famiglia nei finti palchetti teatrali laterali – riconobbero il valore immenso della scultura come formidabile strumento di propaganda della Controriforma: mostrare il miracolo in modo così travolgente serviva a commuovere e impressionare i fedeli, obiettivo primario dell’arte barocca.
Ancora oggi, il critico Simon Schama riassume il capolavoro sottolineando come il fascino eterno dell’opera risieda proprio nella capacità di Bernini di far arrampicare i critici sugli specchi nel tentativo di negare l’evidente e bellissima fusione tra carne e spirito.

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Articolo vietato ai tifosi dell’Inter, del Napoli, della Juventus e di tutte le squadre diverse dal Milan. Leggere questo libro può giovare enormemente alla salute. Scherzo. Il nuovo libro di Ventrone Michele si chiama “Ricordi di un cuore rossonero” ed è un’autopubblicazione con Amazon KDP. L’opera, in realtà, non è proprio nuova, perché si tratta di una ripubblicazione di “Cuore rossonero”, lavoro pubblicato con Screepress nel 2013. Siccome il libro è andato fuori commercio per la chiusura della casa editrice, Michele ha voluto che restasse ancora in vita. È così nato “Ricordi di un cuore rossonero”, che presenta miglioramenti di stile e punteggiatura rispetto al precedente. Ricordiamo che l’opera percorre le partite del Milan (campionato più sfide principali delle coppe) dal 2002 al 2006, periodo florido per il club rossonero. Per ora non sono previste presentazioni. Trovate comunque il libro su Amazon alla modica cifra di 8 euro. Altre opere dell’autore: “Azzurro come il cielo”, “Racconti di eroi di vita”, “Per lo scudetto sul petto” e la tetralogia “L’universo oltre la Terra”, quest’ultima in fase di pubblicazione. Tratto comune di questi libri è il ricorso ai valori umani (magnanimità, onestà, apertura verso il prossimo, rispetto del diverso e altri ancora) per superare i problemi del giorno d’oggi. L’autore Ventrone Michele non si ferma qui, cercando di migliorare nei suoi libri la condizione di ognuno che li leggerà. Perché leggere è palestra di vita.

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Inoltre, Michele Ventrone ha anche una pagina Facebook chiamata “Libri di Michele Ventrone”, dove è possibile seguire tutti gli aggiornamenti sulla sua attività letteraria.

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CASERTA – Due giornate per riscoprire monumenti, musei, siti archeologici e luoghi della cultura del territorio casertano. Sabato 26 e domenica 27 settembre tornano le Giornate Europee del Patrimonio 2026, l’iniziativa promossa dal Consiglio d’Europa e dalla Commissione Europea e coordinata in Italia dal Ministero della Cultura.

Il tema scelto per questa edizione è “Proteggere il patrimonio. Rinnovare, resistere, reinventare”, un filo conduttore che attraversa le numerose iniziative organizzate anche in provincia di Caserta: aperture straordinarie, visite guidate, mostre, percorsi archeologici e appuntamenti dedicati alla conoscenza e alla valorizzazione del patrimonio locale.

Una particolare opportunità arriva sabato 26 settembre, quando sono previste anche aperture straordinarie serali dei musei statali aderenti, con ingresso al costo simbolico di 1 euro.

Reggia di Caserta: il patrimonio raccontato attraverso l’acqua

È naturalmente la Reggia di Caserta il principale appuntamento delle Giornate Europee del Patrimonio nel territorio.

Sabato 26 e domenica 27 settembre il complesso vanvitelliano propone “GEP 2026 alla Reggia di Caserta”, un percorso dedicato al tema della tutela attraverso la conoscenza della Via d’Acqua e delle sue fontane monumentali.

Il progetto “Il cammino dell’acqua” accompagna i visitatori lungo il percorso del Parco Reale, dalla Fontana Margherita fino alla Grande Cascata, attraverso le fontane dei Delfini, di Eolo, di Cerere, di Venere e Adone e di Diana e Atteone.

Il personale della Reggia sarà presente in diversi punti del percorso per raccontare gli interventi di restauro, conservazione e manutenzione necessari a preservare questo straordinario patrimonio.

La Reggia aperta anche sabato sera

Il programma prevede inoltre una delle occasioni più attese delle GEP: sabato 26 settembre il Palazzo Reale sarà aperto anche in orario serale.

Dalle 19.30 alle 23.15, con ultimo ingresso alle 22.15, sarà possibile accedere agli Appartamenti Reali con biglietto speciale di 1 euro.

Dalle 20 alle 22, lungo il percorso di visita, saranno presenti operatori della Reggia impegnati nel racconto delle attività di tutela del patrimonio.

Archivio di Stato di Caserta

Anche l’Archivio di Stato di Caserta partecipa alle GEP con l’esposizione “Dalla materia alla memoria: Rinnovare, resistere, reinventare”.

È inoltre prevista l’esposizione di reperti provenienti dal Museo del Danno, nell’ambito della mostra “RI-CONOSCERE IL LITORALE DOMIZIO”, con visite guidate gratuite.

Le iniziative si inseriscono nel programma dedicato alla conoscenza, alla conservazione e alla valorizzazione del patrimonio storico e documentario.

Capua, dal patrimonio materiale alla memoria

Al Museo Provinciale Campano di Capua è in programma “Dalla materia alla memoria: Rinnovare, resistere, reinventare”, iniziativa che si inserisce nel tema dell’edizione 2026 delle Giornate Europee del Patrimonio.

Il Museo Campano rappresenta uno dei luoghi più significativi per la conoscenza della storia e dell’identità culturale dell’antica Terra di Lavoro, attraverso un patrimonio archeologico e artistico di particolare rilevanza.

Curti: apertura straordinaria della Conocchia

A Curti sarà possibile visitare il Mausoleo della Conocchia, monumento funerario romano legato alla storia dell’antica Capua.

La Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per le province di Caserta e Benevento ha previsto visite guidate gratuite nelle giornate di sabato 26 e domenica 27 settembre.

La Conocchia sarà inoltre accessibile sabato 26 settembre in orario serale, dalle 17 alle 21, con apertura straordinaria.

Mondragone: il Parco archeologico dell’antica Appia

Le GEP raggiungono anche Mondragone, con l’apertura del Parco archeologico dell’antica Appia.

Il sito sarà interessato da iniziative e visite guidate gratuite sabato 26 e domenica 27 settembre, nell’ambito del programma organizzato dalla Soprintendenza.

Cesa: “Trame di tufo e vite”

A Cesa le Giornate Europee del Patrimonio diventano occasione per raccontare un patrimonio profondamente legato alla storia e all’identità del territorio.

L’iniziativa “Trame di tufo e vite – Le grotte e le Alberate aversane per le Giornate Europee del Patrimonio” propone un percorso alla scoperta delle grotte tufacee e delle alberate aversane, elementi caratteristici del paesaggio e della cultura agricola dell’area.

Piedimonte Matese: il patrimonio dei Sanniti

Nel territorio matesino, il MuCiRaMa – Museo Civico Raffaele Marrocco di Piedimonte Matese propone l’iniziativa “Il patrimonio culturale dei Sanniti nel Matese campano: cura e valorizzazione”.

Il programma è dedicato alla conoscenza del patrimonio archeologico e paesaggistico legato alla presenza sannitica nel Matese.

Santa Maria Capua Vetere: teatro, mito e patrimonio all’Anfiteatro Campano

A Santa Maria Capua Vetere, l’Anfiteatro Campano ospita la seconda edizione del festival di teatro classico “Antica Capua”.

Il programma, dedicato a tragedia, commedia, mito, patrimonio e nuove generazioni, si sviluppa tra 25 e 26 settembre, con la giornata di sabato 26 inserita nel calendario delle iniziative collegate alle Giornate Europee del Patrimonio.

Programma in aggiornamento

L’elenco degli appuntamenti è in continuo aggiornamento.

Per conoscere l’elenco aggiornato degli eventi, gli orari e le modalità di partecipazione, è quindi consigliabile consultare il portale ufficiale del Ministero della Cultura:

Giornate Europee del Patrimonio 2026 – Ministero della Cultura

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Dopo la pausa estiva, tornano gli articoli della rubrica “Spiccioli di spiritualità”, diretta dal prof. Pasquale Vitale e curata dal prof. Michele Pugliese. Questo numero è incentrato su uno dei più rinomati beni architettonici della provincia di Caserta: la Basilica benedettina di Sant’Angelo in Formis

C’è un piccolo gioiello artistico e architettonico in provincia di Caserta, e precisamente sulla strada che da Santa Maria Capua Vetere porta verso il fiume Volturno e Triflisco, rinomata zona di ristoranti e pizzerie. Si tratta della Basilica di Sant’Angelo in Formis, uno dei più importanti monumenti medievali dell’Italia meridionale. Situata nell’omonima frazione di Capua (Caserta), sorge lungo le pendici del Monte Tifata. Questa chiesa è celebre in tutto il mondo per il suo straordinario ciclo di affreschi di scuola bizantino-romanica, rimasto quasi interamente intatto, malgrado i numerosi restauri, documentati nel volume “La priorale benedettina di Sant’Angelo in Formis. Documenti e studi per un secolo di restauri”, di Lucinia Speciale, docente di Storia dell’Arte medievale all’Università di Lecce, che è stato presentato giovedì 10 settembre all’interno della Basilica, alla presenza tra gli altri dell’arcivescovo Pietro Lagnese, del parroco, don Franco Duonnolo, del sindaco di Capua Adolfo Villano, del soprintendente delle belle arti per le province di Caserta e Benevento Mariano Nuzzo e della moderatrice dell’incontro, la giornalista Nadia Verdile. Il volume ricostruisce, per la prima volta in modo organico e sistematico, un secolo di interventi conservativi su uno dei monumenti romanici più preziosi del Mezzogiorno.
L’origine della basilica risale al 1072, edificata per iniziativa di Desiderio, abate di Montecassino (futuro papa Vittore III), su un precedente tempio romano dedicato a Diana Tifatina. Come si usava all’epoca, colonne, capitelli corinzi e parti della pavimentazione provengono direttamente dal tempio romano mentre la facciata è costituita da cinque arcate ad ogiva con influenze stilistiche mediorientali. L’abate Desiderio, infatti, manteneva stretti contatti commerciali e culturali con i mercanti di Amalfi, i quali importavano maestranze e stili dal mondo arabo, come l’arco a sesto acuto, uno dei primissimi esempi in cui esso fa la sua comparsa nell’architettura religiosa italiana.
All’ingresso della navata principale, incastonato nel pavimento strato su strato, si trova un frammento di mosaico romano originale del tempio di Diana. Raffigura il segno zodiacale del Cancro (un granchio). È l’unico elemento decorativo profano superstite della struttura classica, calpestato per secoli dai pellegrini cristiani.
All’interno la pianta è a tre navate, conclusa da tre absidi. Ma la cosa sorprendente non è tanto la struttura o la facciata, ma il formidabile ciclo pittorico degli affreschi, quasi perfettamente integro, che costituiscono una vera e propria “Bibbia per immagini”. Le navate sono interamente ricoperte da scene del Vecchio Testamento (navate laterali) e del Nuovo Testamento (navata centrale). La controfacciata ospita una imponente rappresentazione del Giudizio Universale, tra le più antiche e complete del medioevo italiano.
Le pitture costituiscono una grandiosa narrazione teologica, concepita secondo la logica della “Biblia pauperum” (la Bibbia dei poveri) per istruire i fedeli attraverso le immagini. Una sorta di diapositive o, se volete, un PowerPoint, in un’epoca in cui la stragrande maggioranza delle persone era analfabeta e i preti si servivano delle immagini dipinte per le loro omelie. Queste immagini erano spesso dipinte da grandi maestri e un esempio ne è il ciclo di Giotto che si trova nella Basilica di San Francesco ad Assisi.
Le immagini che si possono osservare a Sant’Angelo in Formis sono distribuite in modo tematico. Sulle pareti della navata maggiore, disposte su tre registri sovrapposti, si sviluppano le Storie della vita e della Passione di Cristo: la giovinezza di Gesù e l’inizio del suo ministero, inclusi episodi fondamentali come il Battesimo nel Giordano, i miracoli e le parabole. Gli affreschi della zona inferiore si fanno più drammatici, concentrandosi sull’Ultima Cena, la Crocifissione, la Deposizione e la successiva Ascensione.
Nelle navate laterali si sviluppano le storie dell’Antico Testamento: i racconti della Genesi e dell’Esodo, la Creazione, la Cacciata dal Paradiso Terrestre, la Storia di Caino e Abele, e le vicende dei Patriarchi come Abramo e Noè.
Ma il cuore iconografico e devozionale si trova nell’abside, un’esplosione di colori dove la divinità si manifesta in tutta la sua gloria: il Cristo Pantocratore, una maestosa figura di Gesù in trono domina l’intero spazio, raffigurata nell’atto di benedire con la mano destra e con il Vangelo aperto nella sinistra. È circondato dai simboli alati dei quattro Evangelisti (il Tetramorfo). Nel registro inferiore si stagliano i tre arcangeli (Michele, Gabriele e Raffaele) con vesti bizantine di corte. All’estrema sinistra compare la figura storica del committente, l’abate Desiderio, raffigurato con un’aureola quadrata (come si usava per le persone ancora viventi). Quindi, l’affresco è databile con certezza a prima della sua morte avvenuta nel 1087.
L’intera parete d’ingresso interna (la controfacciata) è occupata dalla monumentale rappresentazione del Giudizio Finale, uno dei prototipi più antichi e completi dell’arte romanica italiana. In alto, quattro angeli suonano le trombe per risvegliare i morti dai sepolcri. Al centro spicca un Cristo Giudice racchiuso all’interno di una mandorla di luce. A sinistra (destra di Cristo) vi è la schiera ordinata dei Beati guidati dalla Vergine; a destra si spalancano le fiamme dell’Inferno, dove i demoni torturano i dannati tra tormenti di derivazione visionaria.
Lo stile pittorico degli affreschi di Sant’Angelo in Formis rappresenta un incontro perfetto tra la millenaria tradizione formale di Bisanzio e la nuova sensibilità narrativa del Romanico occidentale. L’abate Desiderio di Montecassino, infatti, per decorare la casa madre dell’ordine benedettino e le chiese dipendenti (come Sant’Angelo), chiamò artisti direttamente da Costantinopoli. Accanto ai maestri bizantini però lavorarono stabilmente artisti e discepoli locali. Da questa collaborazione nacque una vera e propria bottega campana indipendente. I maestri greci portarono il rigore tecnico e la maestosità orientale, mentre gli aiuti locali introdussero una maggiore espressività e immediatezza popolare. A differenza della totale staticità bizantina, qui i personaggi mostrano sentimenti umani. Nei volti della Crocifissione o nelle posture dei dannati nel Giudizio Universale emerge un pathos vivo, a tratti teatrale. Le scene del Nuovo Testamento non sono rigide icone da adorare, ma racconti dinamici. Gli artisti inseriscono dettagli quotidiani (architetture stilizzate, alberi, rocce) per rendere la storia sacra accessibile al popolo. La rappresentazione dell’Inferno è straordinariamente cruda per l’XI secolo. Tra i vari tormenti, si nota un enorme demone bluastro che stringe tra le mani e divora i dannati, anticipando di quasi tre secoli le visioni lucifere della Divina Commedia di Dante Alighieri.
Questo ciclo è considerato il più importante documento superstite della pittura legata a Montecassino, poiché gli affreschi della grande abbazia madre sono andati interamente distrutti nei secoli. Sant’Angelo in Formis testimonia come l’Italia meridionale dell’XI secolo sia stata il ponte culturale decisivo per il rinnovamento dell’arte figurativa europea.
Concludiamo con le parole dell’autrice del libro Lucinia Speciale, che ha rimarcato un aspetto importante, e cioè che la chiesa, opera d’arte di inestimabile valore, funziona ancora oggi come normale chiesa parrocchiale della piccola comunità di Sant’Angelo in Formis: “È una chiesa che ha mantenuto la sua funzione storica, e questo è importante perché un edificio di culto deve rimanere tale e preservare il suo valora materiale. Essere una chiesa ufficiale significa che continuerà a vivere perché la comunità che è intorno ad essa sarà sempre attenta alla sua storia”. E infatti è proprio così.

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CASERTA – Una giornata dedicata all’arte, tra opere esposte, confronto con il pubblico e approfondimento critico. È in programma domenica 27 settembre, negli spazi di Corso Trieste 281 a Caserta, l’Open Day della mostra “Forme e Colore”, organizzato da Laura Ferrante e Gianni Crisci.

L’appuntamento, che segna la ripresa delle iniziative della Home Gallery dopo la pausa estiva, si svilupperà nell’arco della giornata, dalle 10.30 alle 21.00, con una pausa dalle 11 alle 17.

Al centro dell’iniziativa ci saranno le opere della mostra “Forme e Colore”, titolo che richiama due elementi essenziali del linguaggio artistico: la forma, intesa come spazio, materia e struttura, e il colore, attraverso il quale possono emergere emozioni, atmosfere e diverse possibilità di interpretazione.

Alle 18 la presentazione delle opere

Il momento centrale dell’Open Day è previsto alle 18, quando si terrà la presentazione delle opere accompagnata da un contributo critico. Un’occasione per entrare più a fondo nel percorso artistico dell’esposizione e offrire ai visitatori alcuni strumenti di lettura e spunti di riflessione sui lavori e sui temi affrontati.

La scelta di dedicare alla mostra un’intera giornata nasce dalla volontà degli organizzatori di favorire un rapporto diretto tra opere e pubblico, attraverso un momento di incontro e dialogo intorno all’arte.

«Le vacanze sono finite e si torna a proporre arte e bellezza, con la convinzione che la cultura abbia bisogno di essere vissuta e condivisa», spiegano gli organizzatori. «Stiamo lavorando per offrire ai fruitori non soltanto un’esposizione, ma un’esperienza, un’occasione per fermarsi, osservare, emozionarsi e confrontarsi con linguaggi artistici differenti».

L’obiettivo, aggiungono, è fare delle opere un punto di partenza per un confronto aperto: «Vogliamo che le opere possano parlare a tutti, suscitando curiosità, riflessione e, perché no, anche nuove domande. Per noi l’arte è soprattutto questo: un incontro, un dialogo aperto che continua oltre la sala espositiva e che può lasciare qualcosa nel visitatore».

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Un’opportunità rara per riscoprire uno dei luoghi più affascinanti del patrimonio culturale del Sannio. Sabato 12 e domenica 13 settembre 2026 la Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per le province di Caserta e Benevento aprirà al pubblico l’Abbazia di San Salvatore Telesino, offrendo ai visitatori la possibilità di conoscere da vicino un complesso monumentale di straordinario valore storico e archeologico. L’iniziativa gratuita rientra nel Piano di Valorizzazione 2026 del Ministero della Cultura, che promuove l’apertura gratuita di siti generalmente non accessibili, con l’obiettivo di ampliare la fruizione del patrimonio culturale e restituire visibilità a luoghi meno conosciuti ma fondamentali per comprendere la storia e l’identità dei territori. In un tempo in cui gran parte della conoscenza passa attraverso gli strumenti digitali, l’esperienza diretta del patrimonio conserva un valore insostituibile. Camminare tra le testimonianze del passato significa trasformare la visita in un’occasione di scoperta, partecipazione e consapevolezza, creando un legame autentico tra i cittadini e i luoghi della cultura.

L’iniziativa prevede il seguente calendario di apertura:

• Sabato 12 settembre 2026: dalle ore 17.00 alle 21.00;
• Domenica 13 settembre 2026: dalle ore 9.00 alle 13.00.

Il Soprintendente Mariano Nuzzo ha dichiarato: “Aprire le porte dell’Abbazia di San Salvatore Telesino significa restituire alla comunità un luogo che custodisce secoli di storia, spiritualità e identità. La valorizzazione del patrimonio non può limitarsi alla conservazione: deve tradursi nella possibilità concreta di vivere questi luoghi, di conoscerli e di riconoscerli come parte della nostra memoria collettiva. Ogni apertura straordinaria rappresenta un investimento culturale sul territorio, perché crea consapevolezza, rafforza il senso di appartenenza e rende il patrimonio un bene realmente condiviso. È questa la missione che la Soprintendenza porta avanti ogni giorno: trasformare la tutela in un’opportunità di crescita per le comunità e per le nuove generazioni”.

Le visite guidate a cura del personale Sabap si svolgeranno nel pieno rispetto delle prescrizioni previste dalla Soprintendenza per la tutela del complesso monumentale e della normativa vigente in materia di sicurezza, offrendo ai partecipanti un percorso di approfondimento dedicato alla storia, all’archeologia e al valore culturale dell’Abbazia di San Salvatore Telesino, con il contributo del funzionario archeologo Andrea Martelli.

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Fabiana Gradisca è un’artista nata ad Avellino nel 1992, in arte Effe. Ha sviluppato un percorso artistico significativo. È un’artista autodidatta. La sua produzione si divide tra opere astratte, figurative e ritratti. I suoi quadri sono caratterizzati da blocchi netti di colore vivido e righe a contrasto, focalizzandosi sull’esplorazione dei concetti di limite e libertà. Ha esposto le sue opere in diverse mostre personali e collettive in Irpinia, tra cui la personale intitolata “Condizionamenti” presso il Castello Ducale di Bisaccia e la mostra “De-limitazioni” al Casino del Principe di Avellino. 

Parlaci un po’ di Fabiana Gradisca, in arte EFFE.
Sono nata ad Avellino nel 1992, ho trascorso la mia infanzia e prima adolescenza disegnando e colorando, abituata al contatto con la natura e gli animali. Il rapporto con l’immaginazione è stato da me sempre custodito e alimentato quotidianamente. Gli studi che scelgo di affrontare non si allineano però al mio desiderio di imparare le tecniche di disegno per dotarmi degli strumenti funzionali a riprodurre le immagini che si manifestavano nella mia mente. Mi diplomo quindi al liceo linguistico di Avellino, mi laureo in relazioni internazionali con un percorso magistrale cui fa seguito un master e comincio il mio percorso lavorativo nell’ambito delle risorse umane. Sono pertanto un’autodidatta. Ho esposto in occasione di diverse manifestazioni locali ma anche presso il castello di Bisaccia e la casina del principe di Avellino; lo studio NOOK di Salerno, attraverso la selezione di Artàporter; presso l’ Ex cinema Eliseo di Avellino e il Caffè letterario ad Aiello del Sabato (AV). La partecipazione a queste manifestazioni ha stimolato la mia creatività portandomi alla produzione anche di oggettistica come collages, segnalibri, piccoli contenitori, vasi dipinti, quadretti, posacenere utilizzando materiali quali cemento rapido, das, resina, canvas, feltro e materiali di riciclo.

Come nasce il tuo rapporto con l’arte?

Ho sempre amato la materia, sporcarmi le mani, disegnare, soprattutto su pareti ma al momento della scelta del percorso universitario metto da parte questa mia inclinazione e decido di orientarmi su altri interessi. Di ritorno dall’ esperienza Erasmus a Parigi, nel 2019, con lo scoppio del covid, mi immergo in un clima di sospensione del tempo e costretta all’immobilismo realizzo il bisogno di dedicarmi nuovamente alla creatività. Acquisto materiali e mi lancio in una produzione massiva e costante in cui sperimento il mio livello di partenza e i miglioramenti legati alla pratica ma soprattutto riprovo quella sensazione, sempre ricercata e mai più ritrovata nei precedenti anni, di connessione totale con me stessa, di riuscire a sentirmi un mezzo di ispirazione, un tramite elettrico di idee, immagini e sensazioni al contempo esterne ed interne. Le perdite affettive subite negli anni immediatamente successivi mi hanno definitivamente agganciata a questa mia passione, come un bisogno di persistenza, di immanenza ma anche un richiamo urgente di perseguire ciò che mi facesse sentire viva. E’ stato un punto di rottura radicale con una visione di vita in cui avevo cercato di inserirmi ma che sentivo non appartenermi e che inciso su tutte le mie scelte successive. La mia natura impaziente mi aveva reso difficile ripartire dal disegno, cosa che mi aveva in precedenza convinta che fosse solo una passione di bambina. Avvicinarmi alla pittura invece ha costituito una felice scoperta. E’, a tutt’oggi, il mezzo espressivo a me più affine perché mi ha consentito di non ricercare la perfezione nel disegno provando timore nell’utilizzo del colore ma anzi mi ha aperto alla maturazione della consapevolezza che è proprio l’utilizzo del colore a permettermi di dettagliare la bozza di disegno, superando quel blocco deli anni precedenti. La pittura mi ha permesso di scoprire me stessa e di comunicare con l’esterno al contempo ma non solo attraverso la mera realizzazione del dipinto bensì per la decisione interiore consapevole e coerente di dedicare il tempo disponibile alla pratica creativa. Si tratta di imparare a visualizzare quello che si sente, a provare a dare forma alle immagini confuse che ci rimanda la mente e soprattutto a distaccarsi dall’intrusiva convinzione di dover avere una precisa finalità prima di cominciare qualcosa che sentiamo di dover o voler fare. La tangibile soddisfazione del risultato materiale derivante dall’impiego di quel tempo, che è un tempo talmente ricco da non essere né perduto né investito, è poi certamente un ulteriore incentivo a proseguire nella ricerca. E’ un tempo sospeso, eterno. A volte ho come l’impressione che dipingere sia uno stratagemma per espandere il tempo. Sperimentando sono venuti a galla blocchi, convincimenti, condizionamenti e autolimiti che ho affrontato perseverando, esponendomi e accettando l’assoluta imprevedibilità del frutto di questo impegno. Come a dire che lo scopo, per la prima volta per me, è stato proprio il processo in sé. La sensazione che ho avuto è di aver fatto infiniti giri solo per tornare a ciò che sono sempre stata, accogliermi, e leggermi con gli occhi di un’adulta. La pittura è per me un moto liberatorio, un’opera di sublimazione e anche una incessante prova di coraggio. E’ coerenza tra ciò che sono e ciò che faccio. Oggi, quando sento montare l’angoscia, so che è tempo di creare, che ho accumulato esperienze e sensazioni che necessitano di una traduzione nel mondo reale. Veder nascere qualcosa che prima non c’era e poi anche odiarlo, condividerlo, straziarlo o vederlo guardato con occhi e impressioni altrui è impagabile. Mi fa sentire parte attiva di un tutto più grande che però parte da un tutto infinitamente piccolo che è dentro di me. Un trait d’union. Spesso si sente dire dagli artisti che l’opera, di qualsiasi natura, è come un figlio. Non mi sento di dissentire. Al pari di un figlio, infatti, sull’opera non ci si può troppo interrogare su quanto e come ci rispecchi o come avremmo voluto che fosse, come potrebbe essere più riuscita o più bella. Quel processo termina ed è testimone di un sé che non può essere rinnegato e che non può essere necessariamente manifestazione della nostra più rosea visione di noi stessi. È una fotografia di un momento, qualcosa che anche se diverso da ciò che avremmo potuto immaginare o desiderare, merita il nostro amore e sappiamo che, in un modo a volte anche inaspettato, non può che fungere da riflesso di una parte di noi.

Qual è il tipo di messaggio che vuoi generalmente comunicare con le performance artistiche?
Sicuramente si riscontra al principio del mio percorso un impianto caratterizzato da colori acidi, matti e intensi con linee di demarcazione molto nette e nitide proprio a riflettere questa presenza importante di blocchi, delimitazioni e bisogno di chiarezza e linee guida eppure i soggetti sono giocosi, allegri. Si riscontra una forte contraddizione tra la natura dei soggetti e una sorta di drammatismo latente, un grido disperato di gioia e vitalità che non riesce a esplodere ma sembra implodere in soggetti fermi nello spazio, irrigiditi eppure audaci. Vige nelle mie opere l’abbondanza delle righe, dei contrasti di colore, delle verticalità confuse proprio a manifestare questa difficoltà a lasciare andare dei confini del pensiero, un pensiero però che pur ponendo le basi di un tentativo di fissità e di riferimento è traballante e assolutamente imperfetto. Ho realizzato diverse serie anche immaginando le case delle persone, di fatto il mio lavoro ha sempre giocato su un doppio binario. Da una parte una produzione dedicata a ciò che ho immaginato avrei voluto avere in casa per me stessa e che quindi potesse essere fruibile anche per più soggetti e una produzione assolutamente allineata ad una ricerca estemporanea di assoluta autenticità. L’ultima serie pittorica che ho realizzato si intitola “Momento Sospeso” ed è l’ultimo stadio della mia evoluzione attuale. i colori stavolta sono tenui, opachi, pastellati, l’aria sembra rarefatta, le figure ferme eppure plastiche, in un movimento bloccato che sembra lento e intimo. Le figure sono rappresentate nell’attimo esatto in cui si vestono/svestono. I volti sono coperti, l’ambiente dà un senso di accoglienza, rarefazione, vulnerabilità, stanchezza. Il momento è sospeso perché l’atto è in quel frangente perfettamente identico tra il vestirsi e lo svestirsi, tra il concludere una giornata rientrando in un ambiente familiare, mettendosi comodi, o il prepararsi ad affrontare la giornata. Abbandonare o indossare la maschera. Momento sospeso riflette un rituale condiviso, un gesto quotidiano e ripetitivo, necessario, banale eppure ricco di un senso di abbandono e di pura autenticità. E’ l’attimo in cui non esiste alcuna maschera e proprio lì il volto è coperto, nascosto, proprio nel suo attimo di estrema coerenza.

Progetti per il futuro?

Attualmente il mio percorso creativo è in evoluzione, Sto scoprendo attraverso la pratica i colori che mi sono più affini, le immagini e le atmosfere che caratterizzano il mio mondo, un mondo in mutamento. Vorrei partecipare a call for artists tematiche candidando le mie ultime opere ma soprattutto proseguire con la realizzazione di serie. Ho in programma di realizzare un sito web dedicato e di curare la mia pagina Instagram giocando di più con i contenuti (@Effedisca). Mi piace anche l’idea di immaginare le mie opere in determinate stanze della casa, ad esempio la serie Momento Sospeso è pensata per la camera da letto. Sapere che le persone possano avere la mia arte nel loro spazio di vita, la casa, per me importantissima in quanto spazio sacro sacro in cui essere davvero noi stessi, mi rende felice. E’ come prendere parte alla vita degli altri, come se la vita che ho dedicato alla realizzazione di un’opera potesse a sua volta darne, attraverso le sensazioni che suscita, alle persone che la scelgono.

Qual è il tuo rapporto con l’Irpinia?

L’Irpinia è la mia casa. Forse sono un’irpina atipica perché non lamento mai il suo animo un po’ dormiente ma anzi mi fa pensare di appartenere ad una comunità con radici salde, austera, diffidente all’inizio ma dall’animo semplice e radicato. Il suo essere placida e rigogliosa mi convince di un desiderio condiviso, e assolutamente taciuto da parte dei suoi abitanti, che tutto resti cosi com’è, che questa città, dove il verde brillante spunta da ogni punto dell’orizzonte, possa rimanere sempre uguale a sé stessa, come la cittadina Spectre nel film di Tim Burton “Big fish”. Verde, isolata, tranquilla da dove potersi allontanare quando si ha voglia di altro ma che sia sempre un posto sicuro, un’oasi di quiete inattaccabile. E’ una terra che ti trattiene come un vortice ogni volta che ci torni. Personalmente trovo che la possibilità di trovare verde, natura, silenzio praticamente ovunque attorno alla città e al suo interno sia unvero lusso. Lo trovo semplicemente magico e raro.

Grazie Fabiana!

Grazie a Voi!

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