SAN NICOLA LA STRADA – Tutto è pronto al Qua… Si Teatro “Antonio Allocca”. La seconda stagione partirà con un grande avvio, come previsto in cartellone, con Paolo Caiazzo, che sarà in scena questo fine settimana con Eppure sorrido. Continuano, come annunciato in conferenza stampa, le novità che porteranno questo spazio ad essere sempre più un luogo di incontro, cultura e convivialità a tutto tondo.

Si preannuncia quindi una stagione ricca di proposte, a partire dall’annunciato “Aperitivo con l’attore”. Nasce infatti “QUA… SI CHIACCHIERA- Aperitivo con l’attore”, il nuovo format di Qua… Si Teatro ideato dalla mente vivace di Giovanni Allocca.

I volti da poter incontrare in questi appuntamenti sono tra i più amati del panorama teatrale e non solo: da Antonio Milo a Giovanni Esposito, passando per Eduardo Tartaglia, Daniela Ioia, Veronica Mazza, Adriano Falivene e Francesco Di Leva.

Un momento per conoscere l’attore in una dimensione diversa, dove non è più un personaggio irraggiungibile, ma una persona che si racconta, tra aneddoti, curiosità, carriera e retroscena, in un incontro diretto e conviviale con il pubblico.

«Volevamo creare qualcosa che mancava – spiega Giovanni Allocca –. Il pubblico vede l’attore sul palco, lo applaude, ma non ha mai l’occasione di chiedergli davvero come nasce un personaggio, cosa c’è dietro una scena, cosa significa vivere di teatro oggi».

Il Qua… Si Teatro è dunque in piena fase creativa e le proposte non sembrano fermarsi qui: sono infatti previste anche presentazioni di libri e serate musicali con artisti del territorio, per arricchire ulteriormente l’offerta e fare dello spazio intitolato ad Antonio Allocca un luogo sempre più aperto alla cultura e alla socialità.

Una stagione, insomma, che accanto al teatro vuole costruire occasioni diverse per stare insieme, incontrare artisti e realtà del territorio e vivere questo spazio anche oltre il momento dello spettacolo.

IL CARTELLONE DELLA PRIMA EDIZIONE 2026/2027:

5 Novembre 2026 – ANTONIO MILO

3 Dicembre 2026 – EDUARDO TARTAGLIA e VERONICA MAZZA

14 Gennaio 2027 – DANIELA IOIA

18 Febbraio 2027 – ADRIANO FALIVENE

25 Marzo 2027 – FRANCESCO DI LEVA

22 Aprile 2027 – GIOVANNI ESPOSITO

Dalla conferenza stampa

Info e prenotazioni

• Tel./WhatsApp: 351 5467683
  iguittiteatro@gmail.com

Posti limitati

L'articolo Al Qua… Si Teatro nasce “QUA… SI CHIACCHIERA- Aperitivo con l’attore” proviene da BelvedereNews.

GIUGLIANO – Sarà “Francesca da Rimini. Tragedia a vapore” di Antonio Petito ad aprire la stagione teatrale 2026/2027 del Nuovo Teatro Madrearte di Giugliano in Campania. Lo spettacolo, proposto dalla compagnia Spazio Scena Teatro, è in programma domenica 25 ottobre alle ore 19.

La messinscena è affidata alla regia di Ciro Scherma, che sarà anche in scena insieme a Marcello Borsa, Pino Beato, Marco Santoro, Selenia Scognamiglio e Michele D’Onofrio.

Scritta da Antonio Petito nell’Ottocento e stampata nel 1867, “Francesca da Rimini. Tragedia a vapore” è una parodia comica della tragedia di Silvio Pellico, a sua volta ispirata alla vicenda di Paolo e Francesca raccontata da Dante nel V Canto dell’Inferno.

Petito ne rovescia i toni solenni e drammatici, trasformando la vicenda in una farsa costruita su equivoci, lazzi e situazioni comiche. Un elemento centrale della rappresentazione è il teatro nel teatro: mentre il pubblico attende l’inizio dello spettacolo, dietro le quinte scoppia una rissa tra gli attori della compagnia.

La rappresentazione salta e gli interpreti si rivolgono direttamente agli spettatori per spiegare quanto è accaduto, rompendo la quarta parete. A quel punto entra in gioco una compagnia di guitti napoletani che tenta di rimettere in piedi la tragedia, dando vita a una serie di gag e imprevisti.

La struttura dell’opera consente così di alternare la parodia del teatro tradizionale al gioco diretto con il pubblico, secondo una comicità fortemente legata alla tradizione teatrale napoletana. I biglietti sono distribuiti anche attraverso il circuito ETES

Il Nuovo Teatro Madrearte

Lo spettacolo inaugura la nuova stagione in uno spazio che da anni affianca all’attività teatrale anche formazione, produzione e promozione culturale. La storia del Madrearte nasce nel 1995, quando un gruppo di adolescenti dà vita alle prime esperienze teatrali non professionali. Nel 2001 viene costituita l’associazione “Ridiamo Sopra”, che dal 2007 assume la denominazione di Madrearte Teatro, avviando in maniera strutturata le attività professionali di formazione e produzione teatrale.

Nel corso degli anni il progetto ha sviluppato percorsi di formazione nelle tecniche della recitazione, nel cinema, nella musica e nel canto, affiancandoli alla produzione di spettacoli destinati al circuito teatrale campano e nazionale. Tra le produzioni realizzate figurano, tra le altre, “Luci su Napoli”, “Viviani contro Viviani”, “Sakketti in rivolta”, “Su Neapoli”, “Abbascio ‘a grotta”, “Eduardo 110 e lode”, “Voce del verbo” e “Musicapoeticafollia”.

Madrearte ha inoltre promosso iniziative rivolte alla ricerca e alla valorizzazione delle nuove proposte teatrali, tra cui il PanTeatro Festival, dedicato a spettacoli e corti teatrali e aperto a professionisti, gruppi teatrali e istituti. Il progetto prevede anche riconoscimenti per spettacoli, drammaturgia, attori, attrici, regia e messa in scena.

Oggi il progetto Madrearte è articolato tra le sedi di Villaricca e Giugliano, con una stagione teatrale, attività formative e produzioni proprie. Il Nuovo Teatro Madrearte di Giugliano si trova in via Aviere Mario Pirozzi 23.

Informazioni: Nuovo Teatro Madrearte, via Aviere Mario Pirozzi 23, Giugliano in Campania. Tel. 378 4170900.

Sito ufficiale: Teatro Madrearte

L'articolo “Francesca da Rimini” di Antonio Petito proviene da BelvedereNews.

SAN NICOLA LA STRADA – È morto Giovanni Compagnone, attore, regista e autore, figura conosciuta e stimata della comunità di San Nicola la Strada e protagonista per anni della vita culturale e teatrale della città. Avrebbe compiuto 68 anni domani.

La notizia della sua scomparsa è arrivata nella notte, dopo un ricovero resosi necessario circa una settimana fa per un malore. Ieri era stato sottoposto a un intervento chirurgico, ma le sue condizioni sono successivamente precipitate.

Compagnone lascia un vuoto profondo non soltanto tra familiari e amici, ma anche nel mondo della cultura sannicolese, al quale aveva dedicato una parte importante della sua vita. Ex professore, attore, regista e autore, era stato tra i protagonisti delle esperienze teatrali che nel tempo hanno animato la città, fin dalla stagione di “TeatrArte”, contribuendo a costruire una presenza stabile del teatro sul territorio.

Alla sua attività è legata in particolare la compagnia “I Guitti”, di cui era attore, regista e autore. Un impegno che aveva continuato a portare avanti anche negli ultimi anni, con la volontà di mantenere vivo il rapporto tra la città e il teatro.

Nella scorsa stagione, insieme a Giovanni Allocca, aveva inoltre rimesso in piedi il progetto “Qua si… Teatro”, intitolato ad Antonio Allocca, riportando a San Nicola la Strada una nuova stagione teatrale con una selezione di spettacoli e appuntamenti pensati per il pubblico cittadino.

Un progetto nel quale si ritrovava pienamente il suo modo di intendere la cultura: non qualcosa di distante, ma un’esperienza da portare dentro la comunità, creando occasioni di incontro, partecipazione e condivisione e che lascia in eredità con il cartellone 2026/2027 di cui ha curato la direzione artistica.

Per chi lo ha conosciuto, Giovanni Compagnone era anche questo: un uomo capace di convogliare energie, persone e idee intorno a progetti culturali, con la passione di chi credeva nel valore del teatro e nella possibilità di farlo vivere anche in una realtà come San Nicola la Strada.

La sua scomparsa lascia quindi un vuoto che va oltre il palcoscenico. La comunità perde un cittadino che ha dedicato tempo e competenze alla crescita culturale della città, proprio mentre era ancora impegnato a costruire nuovi progetti.

I funerali si terranno oggi, venerdì 2 ottobre, alle ore 16:00, nella Chiesa di Santa Maria degli Angeli, in piazza a San Nicola la Strada. Il feretro sarà in chiesa a partire dalle ore 15:00.

Alla famiglia giungano le condoglianze della redazione e della comunità sannicolese, che oggi si stringe intorno ai suoi cari nel ricordo di Giovanni.

L'articolo San Nicola la Strada piange Giovanni Compagnone, anima del teatro sannicolese proviene da BelvedereNews.

NAPOLI — Torna al Teatro Piccolo Bellini di Napoli “Mare di ruggine”, lo spettacolo scritto e diretto da Antimo Casertano, in scena dal 29 settembre all’11 ottobre 2026. A due anni dal debutto, il lavoro della Compagnia Teatro Insania ritorna nel teatro che ne ha ospitato la prima rappresentazione, dopo un percorso segnato da riconoscimenti e consenso di pubblico e critica, culminato nel Premio ANCT 2025, Premio Nazionale della Critica. In scena Daniela Ioia, Francesca De Nicolais, Luigi Credendino e lo stesso Casertano, per raccontare una vicenda familiare che attraversa cinque generazioni e si intreccia con la storia dell’area industriale di Bagnoli, dall’ex Ilva all’Italsider. Una favola che nasce da storie vere, dunque, e che prende le mosse dal racconto di un padre al figlio per diventare un viaggio nella memoria collettiva di una comunità operaia. Al centro ci sono il lavoro come possibilità di riscatto, le lotte sindacali, la progressiva deindustrializzazione e le conseguenze sociali e identitarie lasciate dalla trasformazione di un territorio. Nelle intenzioni dell’autore, “Mare di ruggine” guarda al passato per interrogare il presente e il futuro. La fabbrica rappresenta una promessa di stabilità e appartenenza che, nel tempo, si è trasformata in una ferita ancora aperta. La vicenda dell’Italsider diventa così anche una riflessione sul valore del lavoro, sulla perdita dell’identità industriale e sulla necessità di recuperare una dimensione di bene comune. «È la speranza che i nostri figli possano raccontare una storia diversa», spiega Casertano nelle note di regia, sottolineando la volontà di riportare l’attenzione su una vicenda che, secondo l’autore, da troppo tempo resta segnata dall’abbandono. Lo spettacolo ha ottenuto anche il Premio Nuove Sensibilità 2.0 2022, il Premio Fersen, il Premio Antonio Conti di Pesaro e il Premio Speciale Felicetta Confessore – Ritratti di territorio.

L'articolo “Mare di ruggine”, la memoria operaia torna al Piccolo Bellini proviene da BelvedereNews.

Andrà a Peppe Barra il premio alla carriera della Città di Aversa nell’ambito del 22° “Premio Bianca d’Aponte”, il contest riservato a cantautrici in programma al teatro Cimarosa di Aversa il 23 e 24 ottobre 2026. Il riconoscimento è stato assegnato negli scorsi anni a Nuova Compagnia di Canto Popolare, Peppino di Capri, Paola Pitagora, Mauro Pagani, Teresa De Sio e Carlo Marrale.

Figlio d’arte, Peppe Barra nasce a Roma nel 1944 da una famiglia di artisti napoletani. Dalla madre Concetta eredita la felicità di stare in scena. Sin dall’inizio nei suoi spettacoli teatrali predilige la musica ed il canto: due componenti importantissime ed irrinunciabili, che determinano l’incontro con Roberto De Simone e la Nuova compagnia di canto popolare. Un incontro che contribuirà in maniera significativa alla sua evoluzione artistica e che lo porterà ad una carriera di grande rilievo e prestigio.

Sul palco del Cimarosa salirà anche Marina Rei, in veste di madrina, e molti altri ospiti che saranno annunciati prossimamente.

Ma il cuore della manifestazione, che si avvale della direzione artistica di Ferruccio Spinetti, sarà, come sempre, il concorso per cantautrici, che quest’anno presenterà proposte stilistiche molto variegate, dal rock al folk, dalla canzone d’autore all’elettronica.

Le dieci artiste selezionate sono: Natalia Abbascià di Ruvo di Puglia (Bari); L’Aurora(Aurora Caloiero) di Cosenza; Bambina (Bambina Cesario) di Corigliano Calabro (Cosenza); Rosita Brucoli di Bari; Fabula(Fabiola Valerio) di Campobasso; Mabi(Marcella Buzzi) di Casale Monferrato (Alessandria); Miriam Ricordi di Pescara; MVR (Maria Virginia Bisconti) di Tricase (Lecce); Sarai (Sara Bassotti) di Roma; Simona Valente (Simona Valenzano) di Bari.

Una band residente, coordinata da Alessandro Crescenzo, accompagnerà alcune concorrenti e alcuni ospiti, mentre a condurre le serate saranno Carlotta Scarlatto e Ottavio Nieddu.

Le dieci artiste in gara sono state selezionate fra centinaia di iscritte da un ampio e prestigioso Comitato di garanzia, formato da produttori, discografici, manager, cantanti, autori, musicisti, giornalisti tra i più accreditati del mondo musicale italiano.

Molti dei componenti del Comitato faranno parte anche delle due giurie, quella generale e quella della critica, che assegneranno i premi nelle serate finali ad Aversa.

Alla vincitrice del premio assoluto andrà una borsa di studio di € 1.000, a quella del Premio della critica “Fausto Mesolella” (in omaggio allo storico direttore artistico della manifestazione) una di € 800. La giuria generale assegnerà inoltre delle targhe al miglior testo (dedicata a Oscar Avogadro), alla migliore musica e alla migliore interpretazione. Sono poi previsti numerosi altri premi e bonus assegnati da singoli membri della giuria o da enti e associazioni vicine al d’Aponte.

Per le vincitrici e alcune finaliste ci potranno inoltre essere diverse possibilità di suonare dal vivo in appuntamenti che periodicamente vengono organizzati in Italia ed Europa.

Il Premio Bianca d’Aponte è organizzatodall’Associazione Bianca d’Aponte, con la collaborazione di ReteDoc.

Con il contributo della Fondazione Banco di Napoli e di NuovoIMAIE e il patrocinio del Consiglio regionale della Campania.

Partner: Emergency, M.A.U., Premio Andrea Parodi, Suoni dall’Italia, Istituto italiano di cultura di Praga, Officina delle Arti Pasolini, Monferr’Autore Festival, Music for Change, Maieutica Dischi, Siedas, Virus Studio, Premio Nilla Pizzi, Associazione Virginia Vita.

Media partner: L’isola che non c’era, Blogfoolk.

Partner privilegiato: Città di Aversa.

Per maggiori informazioni e per l’ingresso a teatro (solo con prenotazione): 336 694666 – 335 5383937; info@biancadaponte.it

Sito web: www.premiobiancadaponte.it

L'articolo A PEPPE BARRA IL RICONOSCIMENTO ALLA CARRIERA NEL PREMIO BIANCA D’APONTE proviene da BelvedereNews.

Domani, 19 settembre, torna alla Scala La traviata di Giuseppe Verdi. Ma “tornare” è un verbo quasi insufficiente per un’opera che, nel teatro milanese, porta con sé una storia diventata mito. Basti pensare al 1955. Maria Callas era Violetta, Giuseppe Di Stefano Alfredo, Ettore Bastianini Giorgio Germont; Carlo Maria Giulini dirigeva e Luchino Visconti firmava una regia destinata a cambiare la storia della messinscena operistica. Quella Violetta non era più soltanto un’eroina del melodramma: era una donna vera, incarnata, scandalosamente moderna.

Confrontarsi con quel fantasma sembrò a lungo quasi impossibile. Nel 1990 Riccardo Muti affidò però a Liliana Cavani una nuova Traviata, con le scene di Dante Ferretti, i costumi di Gabriella Pescucci e le coreografie di Micha van Hoecke. Nacque uno degli allestimenti più longevi della storia recente della Scala, ripreso negli anni anche fuori Milano, da Tokyo a Madrid e Pechino, e ora nuovamente affidato alla direzione musicale di Michele Gamba. La sontuosità di Ferretti e Pescucci non è semplice decorazione: costruisce intorno a Violetta il mondo che prima la desidera, poi la giudica e infine la abbandona.

Ho potuto assistere ieri alla prova generale grazie all’invito di Carlo Ciuffo, nel cast come mimo ballerino. In sala c’era anche Liliana Cavani, in ottima forma, testimone vigile di una sua creatura teatrale nata trentasei anni fa e ancora sorprendentemente viva.

Cavani ha detto in questi giorni che questa Traviata «parla alle donne di oggi». Ed è difficile non cogliere la modernità della sua intuizione. Violetta vive dentro una società rigorosamente patriarcale. Alfredo può frequentare una cortigiana, innamorarsene, convivere con lei e infine rientrare nel mondo rispettabile. Violetta, invece, rimane segnata dal proprio passato. L’uomo attraversa il desiderio; la donna ne porta il marchio.

Giorgio Germont rappresenta questo ordine nella sua forma più rispettabile e proprio per questo più insidiosa. Non è un padre-padrone caricaturale: è un uomo perbene che, in nome della famiglia e del futuro matrimonio della figlia «pura siccome un angelo», chiede a un’altra donna di sacrificarsi. La vergine da sposare e la cortigiana da allontanare diventano così le due facce della medesima costruzione patriarcale del femminile.

È però nella festa di Flora che il sistema mostra tutta la propria violenza. Alfredo getta ai piedi di Violetta il denaro vinto al gioco. Il gesto è atroce perché trasforma retrospettivamente l’amore in una transazione: la donna amata torna a essere la donna che si compra. E l’umiliazione deve essere pubblica, perché è davanti alla società che Alfredo pretende di restaurare il proprio onore maschile.

Qui Verdi introduce un paradosso formidabile. Germont, che ha imposto segretamente a Violetta la rinuncia, condanna pubblicamente il figlio. «Di sprezzo degno se stesso rende / chi pur nell’ira la donna offende». Il patriarca condanna così gli effetti dell’ordine di cui egli stesso è stato interprete. Violetta, invece, tace. Non rivela il proprio sacrificio e protegge persino l’uomo che glielo ha imposto. La donna socialmente “perduta” diventa moralmente superiore alla società che la giudica.

Una lettura femminista della Traviata è dunque non soltanto possibile, ma necessaria per comprendere la violenza della società borghese rappresentata da Verdi. E tuttavia fermarsi qui significherebbe forse perdere qualcosa di ancora più profondo. Perché l’amore verdiano finisce per oltrepassare la distinzione stessa fra maschile e femminile.

«Croce e delizia al cor». Quattro parole nelle quali è racchiusa un’intera fenomenologia dell’amore. E ancora. «Palpito dell’universo intero». L’amore espone entrambi gli amanti al piacere e al dolore, alla pienezza e alla mancanza, al possesso e alla perdita. Violetta e Alfredo non sono più soltanto una donna oppressa e un uomo appartenente alla società che la opprime: sono due esseri umani vulnerabili davanti a qualcosa che li trascende.

Ed è qui che Verdi sembra incontrare Platone.

Nel Simposio, Diotima insegna a Socrate la celebre scala d’amore. Dal desiderio di un singolo corpo si ascende alla bellezza di tutti i corpi, poi a quella delle anime, delle conoscenze, fino alla Bellezza in sé. Eros nasce dalla mancanza: figlio di Penia e Poros, povertà e risorsa, desidera precisamente ciò che non possiede.

Non è un caso che la compagnia di Carlo Rivolta, nella sua messinscena del Simposio platonico, abbia scelto proprio il preludio della Traviata per accompagnare la scena della scala d’amore. L’intuizione è potente. Quelle poche battute sospese fra desiderio e morte sembrano già contenere il destino di Violetta. Amiamo perché siamo esseri mancanti e mortali, e proprio per questo vorremmo rendere eterno ciò che sappiamo di poter perdere.

La Traviata di Cavani parla dunque alle donne di oggi perché mostra una società che divide il femminile tra donne rispettabili e donne perdute, facendo del corpo di Violetta il luogo sul quale gli uomini regolano famiglia, denaro e onore. Ma Verdi va oltre. Quando Violetta e Alfredo cantano l’amore come «palpito dell’universo intero», il patriarcato è già alle loro spalle. Non ci sono più soltanto l’uomo e la donna, il colpevole e la vittima, il maschile e il femminile.

Ci sono due amanti.

E c’è Eros. Croce e delizia, ferita e salvezza, piacere e dolore. Quel demone che, da Platone a Verdi, continua a ricordarci che amare significa uscire da sé.

L'articolo La Traviata, l’amore oltre il maschile e il femminile proviene da BelvedereNews.

Presentata la IX rassegna nazionale ideata e diretta da Antonio Iavazzo. Un cartellone fitto che guarda alla scena contemporanea, senza rinunciare al rapporto con la tradizione. In programma anche compagnie spagnole, teatrodanza, arti figurative e iniziative culturali.  È stata presentata stamattina la IX rassegna nazionale Teatro, Danza, Arti Performative, in programma nella Sala Teatro “Andrea Veneri Guerra” di Palazzo Fazio, a Capua, con la direzione artistica di Antonio Iavazzo e l’organizzazione generale di Gianni Arciprete.

Una stagione costruita nel segno della continuità, ma anche della sperimentazione, che attraversa linguaggi differenti e mette insieme compagnie campane e realtà provenienti da altre regioni e dall’estero. Un progetto che, come è stato sottolineato durante la presentazione, continua a crescere anche senza contributi pubblici e che per questo si affida  soprattutto alla capacità delle associazioni e degli artisti coinvolti di costruire una proposta culturale autonoma.

Il programma è articolato in diverse sezioni, dai Teatri dell’umorismo ai Teatri d’innovazione, fino al Teatrodanza, con uno spazio riservato anche alle arti figurative. Proprio in quest’ultimo ambito si inserisce la collaborazione con l’associazione culturale Capua Nova, impegnata nella realizzazione di una mostra dedicata alla figura come campo di ricerca, attraverso il lavoro di artisti campani e spagnoli. Una riflessione che si muove tra linguaggi e immaginari differenti, nel tentativo di mettere in dialogo esperienze artistiche apparentemente lontane.

Ad aprire la rassegna, sabato 11 ottobre, sarà Juri Monaco con Noi, figli della cucchiarella, spettacolo appartenente alla sezione dei Teatri dell’umorismo e al debutto. Attraverso la comicità, Monaco affronta anche una trasformazione che ha interessato la società negli ultimi trent’anni e che riguarda la  progressiva perdita di spontaneità legata alla diffusione dei social e dei nuovi modelli di comunicazione.

Il 25 ottobre sarà la volta di Radici, con drammaturgia e regia di Antonio Anzilotti De Nitto. Un lavoro che ha già attraversato diversi territori ma che, come ha spiegato lo stesso autore intervenuto telefonicamente, ha soltanto sfiorato la Campania. Al centro dello spettacolo c’è il rapporto con un tempo passato che non dovrebbe essere semplicemente archiviato, perché le radici rappresentano quei legami capaci di dare continuità all’esistenza e, in alcuni momenti, persino di salvarla.

Il 22 novembre Antonio Iavazzo porterà in scena Le Dimore dell’Anima, spettacolo itinerante che coinvolgerà anche la mansarda di Palazzo Fazio. Si tratta di una riproposizione, in forma teatrale, di alcuni miti e figure appartenenti alla storia dell’arte e della cultura, attraverso un percorso pensato per modificare anche il tradizionale rapporto tra spazio scenico e spettatore.

Il 29 novembre sarà dedicato al Teatrodanza. La Compagnia Akerusia Danza di Napoli presenterà Mosaico… Frammenti di, con progetto e coreografia di Elena D’Aguanno e Marcello Mariuolo. D’Aguanno, intervenuta telefonicamente, ha spiegato come il lavoro nasca dall’idea di mettere insieme frammenti diversi per costruire un’unica opera, trasformando la varietà in una possibilità e nel vero valore dell’insieme.

Nella stessa giornata, sempre nell’ambito del Teatrodanza, sarà presentato Mutande – Scomode intimità, della compagnia Seesaw Project. Il lavoro, come ha spiegato Veronica Boniotti, assume la forma di un vero e proprio dispositivo di ricerca, esplorando il confine tra ciò che appartiene alla dimensione interiore e ciò che viene invece esposto all’esterno.

Il 6 dicembre l’associazione Il Luogo del Buio proporrà, per la regia di Cristian Izzo, Dell’impossibilità di dire che Rosencrantz e Guildenstern sono morti, rilettura contemporanea dell’universo di Shakespeare. Izzo ha descritto il lavoro come una ricerca critica sviluppata su più livelli. Su una traccia registrata della durata di 43 minuti si muovono lo stesso Izzo e Maria Giovanna Danise, in un gioco che interroga anche l’impossibilità del metateatro e quella condizione paradossale in cui non è possibile né essere né non essere.

Il 20 dicembre arriverà a Capua la compagnia spagnola Teatro Strappato, con Arepa&Polenta – Farina di Mais, per la regia di Vane Vieitez. Gli artisti sono intervenuti telefonicamente alla presentazione, trovandosi in quel momento in Messico. La presenza di una compagnia internazionale conferma la vocazione della rassegna a superare i confini territoriali e a costruire occasioni di confronto tra esperienze sceniche diverse.

Il nuovo anno si aprirà il 10 gennaio 2027 con Dovevo andare al mare, di Marco Bandiera, mentre il 17 gennaio sarà ancora il Teatrodanza protagonista con Gocce, della Compagnia Akerusia Danza, e con DuetX, progetto di danza e interpretazione di Marco Munno e Manuela Cecere della compagnia Arb Dance Company. Annamaria Di Maio, presente in Sala, ha spiegato che sulla scena ci saranno due individui intrappolati in un universo rigido dove ogni gesto è guidato da regole e aspettative. Attraverso una serie di sequenze coreografiche i protagonisti iniziano a esplorare il confine tra dovere e desiderio

Il 31 gennaio Roberto Capasso porterà in scena Pacchiello, venditore ambulante di taralli caldi e di guai neri, il cui protagonista è nato  con una deformità che lo rende complessato e lo incattivisce, e per farsi notare dalla società diventa usurario.  Il 14 febbraio sarà la volta di Circe: le origini. In collegamento, Marcella Favilla ha spiegato che lo spettacolo nasce dall’esigenza di raccontare una Circe diversa, capace di ribaltare l’immagine negativa consegnata dalla tradizione classica. Il percorso parte da Omero per arrivare alla riscrittura contemporanea di Madeline Miller, restituendo al personaggio una nuova profondità e una diversa possibilità di interpretazione. Ne nasce uno spettacolo che alterna momenti drammatici e passaggi ironici, intrecciando parola, elementi sonori e danza in un linguaggio scenico dinamico e contemporaneo.

Domenica 28 febbraio sarà la volta di Casa, dolce casa, testo di Pietrangelo Di Vittorio, con la regia di Claudio Orsino e Angelo Rotunno, portato in scena dalla compagnia “Margine Comunicante” nell’ambito della sezione dedicata al teatro sociale. Lo spettacolo nasce all’interno di un progetto sulla salute mentale, sviluppato attraverso un laboratorio di scrittura creativa. È proprio da quel percorso che prende forma la messinscena, che restituisce al pubblico le voci e le esperienze dei partecipanti, chiamati a raccontare ciascuno la propria personale “catastrofe”. Un lavoro in cui la dimensione laboratoriale diventa materia teatrale e il racconto individuale si trasforma in esperienza condivisa.

A marzo il cartellone tornerà a intrecciare innovazione e danza. Il 14 marzo sarà presentato Street Tale / Racconto di strada, della compagnia Arb Dance Company, mentre il 21 marzo la compagnia TAN porterà in scena Il nemico al mio fianco, con la regia di Niko Mucci. Un testo di forte impronta psicoanalitica, incentrato sulla contrapposizione tra bellezza e bruttezza come dimensioni che ciascun individuo porta dentro di sé.

Il 4 aprile Gianmarco Cesario presenterà Giulia, tratto da La signorina Julie di August Strindberg. Il 18 aprile, invece, l’associazione culturale I Colibrì proporrà Delirio a due, rilettura in chiave partenopea del testo di Eugène Ionesco. Gianni Arciprete ha sottolineato l’attualità di un’opera che, attraverso l’amplificazione e la deformazione degli aspetti più grotteschi della vita quotidiana, finisce per restituire un’immagine sorprendentemente vicina al presente.

Il 9 maggio sarà la volta di Lampi, per la regia di Daniela Cenciotti,  che ha parlato del suo lavoro come un viaggio nella complessità dell’universo femminile. Le figure di donne appartenenti al passato entrano in dialogo con quelle del presente, creando una continuità tra esperienze, memorie e interrogativi ancora aperti.

A chiudere il percorso, il 23 maggio, sarà Giovanna, la Pulzella d’Orléans, con la regia di Gianluca Masone. Non una ricostruzione storica in senso tradizionale, ma una rilettura della figura di Giovanna d’Arco attraverso le diverse immagini che letteratura e teatro hanno consegnato nel tempo. Il tema del martirio diventa così occasione per interrogarsi sul significato della guerra. Anche questo spettacolo sarà itinerante, con l’obiettivo di coinvolgere lo spettatore non soltanto sul piano intellettuale ma anche su quello emotivo.

Accanto agli spettacoli, FaziOpenTheater conferma dunque la propria natura di spazio culturale aperto a più linguaggi. Il teatro diventa il punto di partenza per parlare di memoria, identità, corpo, relazioni, mito e contemporaneità, lasciando spazio anche alla danza, alle arti figurative e alla presentazione di libri. La cifra dei nove anni di FaziOpenTheater sta proprio nella costruzione progressiva di un luogo nel quale tradizione e innovazione possano incontrarsi, dando agli artisti la possibilità di sperimentare e al pubblico quella di confrontarsi con forme diverse di espressione. Una crescita che continua, stagione dopo stagione, nel segno di una cultura prodotta dal basso e capace di mantenere aperto il dialogo con il territorio e, allo stesso tempo, con la scena nazionale e internazionale.

L'articolo FaziOpenTheater, nove anni di teatro tra tradizione e ricerca proviene da BelvedereNews.

CASERTA – Non una semplice presentazione, ma un primo incontro tra il pubblico, la stampa e i protagonisti della nuova stagione. È stata una mattinata all’insegna del teatro quella vissuta oggi all’OTGL – Officina Teatro Generazione Libera di Tuoro, dove sono stati presentati ufficialmente gli spettacoli della stagione teatrale 2026/2027 “Anema e Core”, quinta edizione del “Teatro di quartiere”. L’appuntamento, annunciato nei giorni scorsi da OTGL e dalla stampa locale, ha visto la partecipazione di diverse compagnie e degli artisti che saranno protagonisti del cartellone.  A fare gli onori di casa , insieme ai suoi collaboratori tra cui Gianpiero Laudato, Claudia Buono, direttrice artistica di OTGL Teatro, che ha accompagnato i presenti alla scoperta di una programmazione costruita mettendo insieme esperienze, linguaggi e generazioni differenti. La presenza contemporanea delle compagnie che saliranno sul palcoscenico nei prossimi mesi ha dato alla mattinata un carattere particolarmente concreto: non soltanto il programma degli spettacoli, dunque, ma i volti, le voci e le storie di chi quel programma lo porterà realmente in scena. Ed è probabilmente questo uno degli aspetti più interessanti della quinta edizione del Teatro di quartiere. Il cartellone non si presenta come una semplice successione di date, ma come una rete di realtà teatrali differenti che trovano nell’OTGL un luogo comune di espressione e di incontro. Una dimensione che appare particolarmente coerente con il titolo scelto per la stagione, “Anema e Core”, espressione che richiama immediatamente la passione, l’umanità e il rapporto diretto con il pubblico che sono alla base dello spettacolo dal vivo. La stagione prenderà il via il 17 e 18 ottobre con l’OTGL e “Il calapranzi” di Harold Pinter, per la regia di Claudia Buono. L’8 novembre sarà la volta di “Come sono diventato una bestia”, scritto e diretto da Riccardo Pisani. Il 28 novembre arriverà “Onesti ma non troppo” di P. Nicolella ed E. Sparaco, che ne firmano anche la regia. A dicembre il programma proseguirà con due appuntamenti. Il 12 e 13 dicembre l’OTGL porterà in scena “Casa di bambola” di Henrik Ibsen, ancora con la regia di Claudia Buono, mentre il 19 e 20 dicembre Actory Art proporrà “Teresa Sorrentino – La vigilia di Natale” di E. Porta, con la regia di Vittoria Sinagoga.

Il nuovo anno si aprirà il 17 gennaio con la produzione Teatro dell’osso, “Micianera e i conti pomiglianesi di Imbriani”, di e con Provenzano, Impagliazzo e Ruocco. Il 31 gennaio l’Associazione culturale 30 allora presenterà “Tale madre tale figlia” di L. Forte, per la regia di Vincenzo Russo.

Il 21 febbraio spazio ad “Adda passà ’a nuttata”, spettacolo della Associazione culturale CaVe NaVe, con Angelo Callipo, mentre il 7 marzo la Compagnia La Margherita porterà in scena “La mano vincente”, scritto e diretto da Nicola Alessandro Tebano.

La primavera proseguirà il 21 marzo con “Cantanti”, scritto da Mario Gelardi, ideato e diretto da Carlo Geltrude, per l’Associazione di promozione sociale e culturale Le Scimmie. Gli ultimi due appuntamenti saranno affidati all’OTGL, il 10 e 11 aprile, con “Nella mia testa c’è un gruppo WhatsApp”, scritto e diretto da Claudia Buono, e alla Compagnia A te… Istrione, che l’8 e 9 maggio chiuderà la stagione con “Tra clienti e pazzia… ci prova la zia”, scritto e diretto da Veturia Zanfraumundo.

Dodici appuntamenti che attraversano Pinter e Ibsen, la commedia, la tradizione napoletana, la drammaturgia contemporanea e le produzioni delle compagnie del territorio, mantenendo una precisa vocazione popolare senza rinunciare alla varietà delle proposte.

La rassegna stampa di questa mattina ha avuto quindi anche il valore di un incontro tra realtà artistiche diverse, riunite nello stesso spazio prima ancora di condividere il palcoscenico. Compagnie, attori e registi hanno potuto presentarsi e raccontare il proprio lavoro, dando un volto alla stagione che sta per cominciare.

È questa, in fondo, la scommessa dell’OTGL: fare del teatro di quartiere non un teatro minore, ma un teatro vicino, capace di costruire una comunità intorno agli spettacoli e di trasformare ogni rappresentazione in un’occasione di partecipazione. Dopo la mattinata di presentazione, il prossimo appuntamento sarà direttamente sul palcoscenico, con l’apertura della stagione affidata a “Il calapranzi”.

“Anema e Core”, dunque, è pronta a cominciare. E, questa volta, il sipario si alzerà su una stagione che ha già mostrato, nella sua presentazione, di avere un elemento fondamentale: la voglia di stare insieme e fare teatro.

Foto

L'articolo OTGL Teatro, “Anema e Core” apre la nuova stagione proviene da BelvedereNews.

CASERTA – Sarà presentata sabato 5 settembre 2026 la nuova stagione teatrale 2026/27 di OTGL Teatro, dal titolo “Anema e Core”. La conferenza stampa si terrà alle ore 10.30 presso l’OTGL Teatro, in vicolo N. Abbagnano 6, nella frazione Tuoro di Caserta.

Nel corso dell’incontro sarà illustrato l’intero cartellone della nuova stagione, con gli spettacoli e gli appuntamenti che accompagneranno il pubblico nel corso del 2026/27.

Alla presentazione prenderanno parte alcune delle compagnie teatrali e degli artisti protagonisti della stagione, che saranno a disposizione della stampa per interviste, fotografie e approfondimenti.

La conferenza rappresenterà dunque un momento di presentazione ufficiale della nuova proposta di OTGL Teatro, con l’obiettivo di raccontare gli spettacoli, gli artisti e le iniziative che animeranno il teatro nel corso della prossima stagione.

A fare gli onori di casa sarà Claudia Buono, direttrice artistica di OTGL Teatro, che illustrerà il programma della stagione “Anema e Core”.

Per informazioni e conferma della partecipazione è possibile contattare Claudia Buono al numero 389 941 1955 oppure all’indirizzo otgl.teatro@libero.it.

L’appuntamento è quindi per sabato 5 settembre alle ore 10.30 all’OTGL Teatro di Tuoro, per scoprire in anteprima il nuovo cartellone della stagione teatrale 2026/27.

L'articolo OTGL Teatro presenta la nuova stagione “Anema e Core” proviene da BelvedereNews.

Sarà Massimo Wertmüller il protagonista di Fratello Sole, Sorella Luna, in scena domenica 30 agosto alle ore 21 in Piazza Innocenzo III, nel cuore della Città dei Papi, nell’ambito della XXXIII edizione del Festival del Teatro Medievale e Rinascimentale di Anagni.

Lo spettacolo, regia di Piero Maccarinelli, porta per la prima volta a teatro la storia raccontata dal celebre film di Franco Zeffirelli, scritto anche da Lina Wertmüller. In scena, accanto a Massimo Wertmüller, Giulio Pranno, Ksenia Borzak e Fabrizia Sacchi.

La rappresentazione ripercorre la parabola umana e spirituale di Francesco d’Assisi, giovane appartenente a una ricca famiglia di mercanti che sceglie di rinunciare ai privilegi per abbracciare la povertà, la solidarietà e una vita fondata sull’essenzialità. Al suo fianco Chiara, mentre la sua scelta entra in contrasto con le convenzioni sociali e religiose del tempo, fino all’incontro con il Papa e alla nascita di un movimento destinato a cambiare profondamente la società e la Chiesa.

Per Massimo Wertmüller l’appuntamento di Anagni ha anche un forte valore personale. «È stato scritto anche da mia zia Lina – racconta – ed è una felice coincidenza per me vedere il mio cognome accostato al suo». L’attore ricorda inoltre il padre, fratello di Lina Wertmüller, artista e musicista, che realizzò il manifesto cinematografico di Fratello Sole, Sorella Luna.

Ma è soprattutto il messaggio di Francesco a rendere attuale lo spettacolo: «Lui e Gesù per me sono stati i primi veri, grandi rivoluzionari. Con il messaggio dell’amore hanno disturbato il potere e hanno cambiato il mondo». Un messaggio che, secondo Wertmüller, conserva tutta la sua forza nell’epoca delle guerre, dell’intolleranza e della crisi ambientale: «Siamo tutti creature dello stesso creato e ci servirebbe pochissimo per essere felici. Francesco ce lo ricorda».

Per il direttore artistico Giacomo Zito, Fratello Sole, Sorella Luna rappresenta uno degli appuntamenti più attesi del Festival: «È un inedito teatrale che ripercorre la straordinaria parabola umana e spirituale di Francesco d’Assisi, dalla rinuncia ai privilegi alla costruzione di una comunità aperta agli ultimi e agli emarginati».

L’appuntamento è dunque per domenica 30 agosto, alle ore 21, in Piazza Innocenzo III, nel cuore del borgo antico di Anagni, per uno spettacolo che intreccia teatro, memoria e il messaggio universale del santo di Assisi.

Per interviste e informazioni:
Giacomo Zito, direttore artistico del Festival – 333 132 9480
Daniele Natalia, sindaco di Anagni – 347 639 6008
Carlo Marino, assessore alla Cultura – 338 7383952
Giuseppe Ragosta, addetto stampa del Festival – 392 5967459

L'articolo Massimo Wertmüller porta San Francesco al Festival di Anagni proviene da BelvedereNews.